Jurassic Park, o Jurassic World, que es como se han bautizado las dos ultimas entregas, sigue dando alegrías a los fans de los dinosaurios y la acción y lo último que ha ofrecido al mercado es un estupendo cortometraje titulado Battle at Big Rock.
Dirigido por Colin Trevorrow (el realizador de la primera entrega de Jurassic World), este Battle at Big Rock nos traslada hasta lo que parece un parking de caravanas para mostrarnos un relato que según ha contado el mismo Trevorrow, adapta un pequeño guión que surgió durante el rodaje de la película que dirigió.
Así pues, los protagonistas de Battle at Big Rock, André Holland (High Flying Bird), Natalie Martinez (Death Race), Melody Hurd (Fatherhood) y Pierson Salvador (Gotham), ven mientras cenan como una especie de triceratops y su cría (en realidad son Nasutoceratops) se acercan a su campamento en busca de restos de comidas y son sorprendidos por un hambriento Allosaurio dando pie a una escena muy propia de un documental de La 2 en el caso de que los dinosaurios habitaran nuestro mundo.
Lo que en principio podría parecer una anécdota para contar a los vecinos, acaba convirtiéndose en una intensa pesadilla para los protagonistas.
Pese a que Battle at Big Rock solo dura unos ocho minutos (y sirve como primer anticipo para la entrega que se estrenará en julio de 2021), mantiene la esencia de Jurassic World y Jurassic Park e incluye unas pequeñas escenas en los créditos que, además de recordarnos cierto pasaje de los libros y de la tercera entrega de la saga, nos muestra lo complicado que sería un mundo en el que Dinosaurios y humanos compartieran planeta.
No te lo pierdas, Battle at Big Rock da mucho en poco tiempo y aunque de momento no está doblado ni subtitulado, disfrutarás como un niño volviendo al mundo de los dinosaurios que ideó Michael Crichton y que tanto Steven Spielberg, Joe Johnston, Colin Trevorrow y J.A. Bayona han sabido adaptar al cine con tanta maestría… y licencias personales XD
Mis oídos tiemblan cuando escuchan la palabra adaptación. Imagino pentagramas huyendo despavoridos de sus cuadernos pautados. Notas negándose a salir al escenario. Tonalidades confusas intentando retener sus bemoles y sostenidos. Voces cantando su último estertor. Y yo, feliz durante tantos años, ajena a la existencia de sacrilegios musicales contemporáneos, viendo como mis expectativas disneyfilas se desinflan irremediablemente: ¡corred insensatas!
Aunque por suerte no siempre es así. Se han dado casos de arreglos y experimentos musicales que respetan la sensibilidad de los nostálgicos. Incluso se han dado casos en los que he tenido la ligera sensación de que algún día tendré el mismo sentimiento respecto a la adaptación –cuando en un futuro apocalíptico no muy lejano empiecen a llover reboots y rereboots−. Más allá de la muerte de la animación original, la compasión existe.
Hasta el momento (escribo esto en septiembre de 2019), han sido seis las adaptaciones de Disney: El libro de la selva (John Favreau, 2016), La Bella y la Bestia (Bill Condon, 2017), Dumbo (Tim Burton, 2019), Aladdin (Guy Ritchie, 2019) y El rey león (John Favreau, 2019). De una forma u otra, todas han conseguido resucitar los clásicos más clásicos, ya sea por resurrección, por redescubrimiento o por hallazgo –en el caso de los pobres niños que aun vivían ajenos a su existencia−. Se ha hablado mucho del reparto, de la técnica y de los cambios en el argumento. Sin embargo, no se ha hablado en la misma medida de la música. Algo que llama la atención si tenemos en cuenta que, ante todo, estas películas pertenecen al género musical, y que todas sus versiones animadas −excepto El libro de la selva− ganaron el Oscar a mejor banda sonora original y mejor canción –Dumbo solo en la primera categoría−.
Las decisiones musicales han sido variadas, por lo que sería necesario hablar de cada por separado. Pero en general se pueden sacar varias conclusiones que nos pueden ayudar a entender los entresijos de estas nuevas adaptaciones. Empecemos con las canciones.
Las canciones son el elemento más importante de un musical. Si bien todos los largos animados de Disney han llevado al menos una, sería La sirenita (John Musker y Ron Clements, 1989) la que marcaría la pauta desde entonces gracias a la increíblemente genial partitura de Alan Menken.
Así, menos El libro de la selva y Dumbo, las cuatro restantes siguen el patrón impuesto por dicho compositor que, por suerte, se ha respetado, aunque la tendencia ha sido a incluir alguna canción nueva, con el consecuente riesgo de pérdida de simbolismo o falta de cohesión. De todas las de nuevo cuño, quizás haya sido las de La bella y la Bestia (destacando “Evermore”, de Alan Menken con letra de Tim Rice) las que mejor han funcionado, tanto por el empleo de una textura similar al resto, como por el realce conseguido de ciertos personajes como la Bestia y el padre de Bella, sin cambiar un ápice del argumento. A Menken corresponde también “Speechless” de Aladdin, que si bien permite lucirse a la actriz Naomi Scott (Jasmine) e intenta adaptarse a los tiempos, se desvía demasiado de los recursos compositivos de las otras canciones, convirtiéndose en un tema que funciona mejor fuera que dentro de la película.
En cuanto a “Spirit”, de El rey león, la gran apuesta de Beyoncé no es más que un reclamo para una canción que mejor hubiera requerido una voz masculina –aunque es Nala quien impulsa a Simba a volver, es él en este momento el que encuentra la fuerza en su verdadera realeza− y que lo único que hace es alargar una secuencia sin otra justificación que el lucimiento de la cantante.
Los casos de El libro de la selva y Dumbo son bien diferentes En la primera se suprimieron las canciones, restando no solo atractivo –los temas compuestos por George Bruns, Richard M. Sherman son sin duda momentos clave del largo original− sino simbolismo a la partitura −al no tener los temas instrumentales el apoyo de las letras de las canciones−. De esta forma, la historia se quedó sin “lo más vital”. En cuanto a Dumbo, pese a que se suprimió la canción de los cuervos –importantísima para el sentido general del guión musical original−, el arreglo de “Baby Mine” (Frank Churchill con letra de Ned Washington) es realmente ingenioso, aportando nostalgia y restando tristeza a una nana con la que todos hemos llorado de pena.
Junto a esto, los arreglos y recortes. Este aspecto afecta principalmente a El rey león, donde se han suprimido los pequeños temitas de Timón y Zazú –que aunque no tenían mayor relevancia eran realmente graciosos−, se ha recortado vilmente la de Scar –con un simple recitado que suprime varios fragmentos−, y “La noche del amor”… se canta a plena luz del sol. Si bien la secuencia de “Dormido está el león” supera con creces la original, y el cambio del pequeño temita de Timón por el guiño a La Bella y la Bestia es genial –no por casualidad Timón y Pumba son lo mejor de esta nueva versión−.
Por último, hay que tener en cuenta que las canciones son diferentes según veamos la versión original o doblada, ya que los cantantes o actores que ponen voz a los personajes hacen su propia versión de los temas. Tanto La Bella y la Bestia como Aladdin han salido bastante indemnes en este sentido -incluso el pequeño toque Will Smith hace su genio aún más genial-. Sin embargo, la versión en español de El rey león pierde frente a la original, principalmente en dos aspectos: tonalidad –con los consecuentes arreglos para que algunos intérpretes lleguen a ciertas notas− y lucimientos fuera de lugar –en especial la voz del pequeño Simba, quien debía cantar más como un leoncito y menos como un pedante cantorcillo−.
Este miércoles 24 de julio, Alita: Ángel de Combate llega por fin al mercado doméstico en formato físico. Disponible en plataformas de VOD desde el pasado día 9, la cinta es una adaptación magistral del manga de Yukito Kishiro que nos llegó con el sello de dos revolucionarios cineastas: James Cameron y Robert Rodriguez.
Ambientada en el Siglo XXVI, la acción se centra en Alita (Rosa Salazar), una ciborg abandonada que intenta descubrir su pasado tras ser rescatada en un desguace por el doctor Dyson Ido (Christoph Waltz). En la colorida y traicionera metrópolis de Iron City, Alita conoce a Hugo (Keean Johnson), un joven que la inicia en su nueva vida, pero que esconde un secreto. En el marco de unos increíbles sets de rodaje, un asombroso mundo creado desde cero y alucinante tecnología, la relación entre Alita y Hugo supone el corazón de la película, una historia de amor al más puro estilo James Cameron que se lleva hasta el límite.
Cameron ha estado detrás del proyecto de ALITA: ÁNGEL DE COMBATE durante más de 20 años antes de pasar las riendas al director Robert Rodriguez, un cineasta que comparte el sentido de ambición cinematográfica de Cameron, los personajes femeninos curtidos en la batalla y la habilidad para dejar que las historias se desarrollen a través del prisma de los efectos visuales más espectaculares.
Gracias a 20th Century Fox, hemos tenido acceso exclusivo a una entrevista con Robert Rodriguez y el actor Keean Johnson (de la serie de televisión NASHVILLE). En ella, hablan acerca de su experiencia con James Cameron, de encontrar a los personajes bajo todo el espectáculo visual y de cómo sobrevivir a los castings más duros.
Os la dejo a continuación y os aviso que, con motivo del lanzamiento de los formatos físicos de Alita: Ángel de Combate, este miércoles 24 de julio habrá un duelo de ilustradores en la Fnac de Callao, en Madrid.
En concreto, estarán Inaki Miranda (ilustrador de títulos como Catwoman, Batgirl, Wonder Woman y Harley Quinn) y Vito Sicilia (ilustrador de títulos como Conan, G.I. Joe, Les Contes de Broceliande y Le Disciple), dos artistas que seguro que os dejan con la boca abierta debido a sus espectaculares habilidades.
Y lo prometido, aquí tenéis la entrevista ¡No os la perdáis, y no os perdáis ALITA!
Entrevista a Robert Rodriguez y Keean Johnson
¿Cómo os introdujisteis en el mundo de ALITA: ÁNGEL DE COMBATE?
Keean Johnson:En mi caso podría decir que estaba buscando mi siguiente proyecto. Estaba buscando cualquier trabajo, y lo que encontré fue un guion absolutamente único. En la mayoría de películas de acción hay una escena de lucha al principio, luego hay diálogo, diálogo y más diálogo y entonces hay una pelea contra el jefe de los malos al final. En ALITA no hay ninguna escena de pelea hasta los primeros quince o veinte minutos y después de eso no para ni un segundo. Eso me impresionó, no seguía ninguna fórmula que hubiese visto antes. Robert Rodriguez: Siempre estuve en sintonía con lo que estaba haciendo Jim, y aprender directamente de él es la mejor manera de hacerlo. Los dos rodamos películas muy diferentes. Mi material es más extravagante. Él es más realista. Me dijo que para él al trabajar en fantasía y ciencia ficción tienes que ser absolutamente realista y creíble para que el público “compre” la parte fantástica. Así que tuve que cambiar mis métodos para hacer que la película fuese en esa línea.
Robert, ¿cómo fue tu primer encuentro con James Cameron?
RR: Había una tienda de DVD en Los Ángeles a la que iba a comprar habitualmente. Guillermo del Toro estaba en medio de uno de los pasillos, así que le dije, “Guillermo, ¿qué haces por aquí?” “Estoy esperando a mi amigo Jim. ¿Quieres conocer a Jim Cameron?” Dije, “¡Claro! Soy un gran fan”. Entonces Jim entró en escena. Empezamos a hablar y resulta que me conocía porque había oído que había hecho una película con 7.000 dólares (EL MARIACHI). Él acababa de hacer TERMINATOR 2, que era la película más cara hecha hasta entonces, así que nos hicimos amigos instantáneamente. Al principio pensé que al trabajar con él en ALITA iba a aprender cómo llegó a ese nivel, los métodos y procesos que necesitaría llevar a cabo para filmar de ese modo. Al final descubrí que no hay ningún truco, no hay método, no hay procesos, este tío es simplemente un genio.
¿Cómo se manifiesta su genialidad?
RR:Cuando la gente estaba diciendo que los ojos de Alita eran demasiado grandes, estaba muy interesado en ver qué tenía que decir él, quizás necesitaríamos empequeñecerlos un poco. Él dijo, “no, no son demasiado grandes. De hecho, vas a estar oyendo esto mismo hasta que los hagas más grandes. El tamaño de los ojos está bien. El iris necesita ser un 30% más grande”. Y yo dije, “¿todos estamos de acuerdo con esto?” Todos dijeron que se equivocaba. Lo probamos, y claramente tenía razón. Es un visionario, es un verdadero mago.
¿Cómo fue la experiencia con la captura de movimientos?
KJ:Para mí fue fácil. Mientras pudiese ver los ojos de Rosa era capaz de conectar con ella en ese sentido, es igual que actuar en una escena normal. Me fascinaron todas aquellas herramientas y dispositivos con los que caminaban. Había unas cincuenta cámaras capturando nuestros movimientos todo el tiempo. Todos esos ejercicios que tenían que hacer para sincronizarse con los trajes de captura de movimientos. Me lo pasé bomba. Podía ver a Rosa y ella a mí. Creo que eso es lo único que importó.
RR:Cuando se hicieron AVATAR y EL PLANETA DE LOS SIMIOS se trataba de alienígenas y simios. Realmente no habían hecho humanos. Todo sabemos cómo se ven los humanos, así que tuvimos que crear nuevas herramientas para conseguirlo. Tuvimos que esperar hasta que una película como ALITA pusiera recursos de investigación y desarrollo, porque es un proceso muy costoso. Tienes que dar un salto de fe y contar con que se va a desarrollar la tecnología a tiempo para la película, es algo que no sabes hasta que ya está hecho. Es como saltar de un avión sin paracaídas y esperar que puedan construirte uno antes de que te estrelles contra el suelo.
¿Qué te llevó a elegir a Rosa Salazar como Alita?
RR:No tuve ninguna duda. Cuando Jim y yo empezamos con los castings, no sabíamos quién podría ser Alita. No fue algo como “es esa chica de esa serie de televisión sería perfecta”. De vez en cuando tu personaje simplemente aparece, y es increíble. Rosa llegó y me conmovió, es algo que casi nunca ocurre en los castings. Todo lo que hizo estuvo lleno de fuerza, me olvidé de que estaba leyendo. Se lo pasé a Jim y dijo, “no quiero precipitarme, pero si tuviéramos que empezar a rodar mañana, la elegiría a ella”. Volvió a verlo y dijo, “no creo que tengamos que buscar más, ella es claramente lo que buscamos”. Simplemente confirmó que estaba muy por encima del resto de candidatos.
Keean, ¿qué recuerdas de tu casting?
KJ:Fue muy interesante. Soy fan de Robert desde hace mucho tiempo y cuando me dijo que quería conocerme me puse muy nervioso. Me presenté allí y él estaba sentado en el sofá. Lo hice lo mejor que pude y después nos vimos de nuevo en el mismo lugar. La segunda vez tenía más confianza. Algunos meses después me llevaron a Austin e hice la prueba. Creo que fue la primera vez que vi a Rosa y tuvimos una conexión instantánea. No lo forzamos, simplemente sucedió, surgió una gran química entre nosotros. Después esperé más o menos un mes y me llegó un mail de Robert con el asunto ‘ADIVINA QUÉ’ y una imagen de Hugo y Alita besándose en el manga. Recuerdo que pensé, “o me han dado el papel o está gastándome la peor broma de todos los tiempos”.
- Fin de la Entrevista-
Sobre Alita: Ángel de Combate
Repleta de trepidante acción, ALITA: ÁNGEL DE COMBATE consiguió 405 millones de dólares en la taquilla mundial y también cuenta en su reparto con Jennifer Connelly, Mahershala Ali, Ed Skrein, Jackie Earle Haley y Keenan Johnson.
El lanzamiento de ALITA: ÁNGEL DE COMBATE incluye más de 1 hora y media de extensos contenidos adicionales en formato Blu-ray™ que te llevarán detrás de las cámaras en compañía de James Cameron y Robert Rodriguez para disfrutar del viaje desde el Manga hasta la gran pantalla y todo lo que supuso dar vida a Alita. Además, podrás profundizar en el mundo de ALITA: ÁNGEL DE COMBATE, saber más sobre su pasado, sobre los personajes de la película y sobre el emocionante deporte del Motorball.
ALITA: ÁNGEL DE COMBATE ya está disponible en venta digital y a partir del 24 de julio en 4K Ultra HD™, Blu-ray 3D™ Steelbook®, Blu-ray 3D™, Blu-ray™, DVD y alquiler digital.
Extras de Alita: Ángel de Combate en Blu-ray™
·El mundo de Alita – Adéntrate en el mundo de Alita: Ángel de Combate con estos cómics animados.
oLa Caída – Una mirada a la terrible guerra casi destruyó dos planetas y preparó el camino para el regreso del regreso de la cíborg Alita 300 años después.
oIron City - Hugo nos ofrece una visita guiada por Iron City, mostrándonos sus rincones más oscuros y sus decadentes vecindarios.
oQué es ser un cíborg – El cazador-guerrero Zapan deja su huella en Iron City mientras reflexiona acerca de lo que significa ser un cíborg.
oLas reglas del juego – Un curso acelerado de alto voltaje sobre Motorball, sus reglas y un ranking de sus mejores jugadores y su arsenal de armas.
·Del manga a la pantalla – Una mirada detrás de las cámaras a los orígenes del apreciado manga de Yukito Kishiro, “Gunnm”, y el largo camino para adaptarlo a la gran pantalla.
·La evolución de Alita – Cómo se dio vida a Alita, desde el casting de Rosa Salazar, pasando por la captura de movimientos y los efectos finales de WETA Digital.
·Motorball – Adéntrate en el pasatiempo favorito de Iron City, desde los orígenes y la evolución del deporte hasta las reglas del juego.
·Escuela de cocina en 10 minutos de Robert Rodriguez: Chocolate – una clase de cocina para hacer el delicioso chocolate que podemos ver en la película.
·Bobina de arte de 2005 (2019) – La recopilación de arte conceptual que James Cameron hizo la película entonces titulada “Ángel de Combate: Alita”, presentada con nueva música y voz en off.
·Deconstrucción de escenas – Observa las tres fases de la producción: la captura original de acción real, la fase de animación y el corte final de cuatro escenas diferentes.
oNi siquiera sé mi nombre
oSolo una chica insignificante
oSoy una guerrera, ¿verdad?
oKansas Bar
Extras de Alita: Ángel de Combate en DVD
·El mundo de Alita – Adéntrate en el mundo de Alita: Ángel de Combate con estos cómics animados.
oLa Caída – Una mirada a la terrible guerra casi destruyó dos planetas y preparó el camino para el regreso del regreso de la cíborg Alita 300 años después.
oIron City - Hugo nos ofrece una visita guiada por Iron City, mostrándonos sus rincones más oscuros y sus decadentes vecindarios.
oQué es ser un cíborg – El cazador-guerrero Zapan deja su huella en Iron City mientras reflexiona acerca de lo que significa ser un cíborg.
oLas reglas del juego – Un curso acelerado de alto voltaje sobre Motorball, sus reglas y un ranking de sus mejores jugadores y su arsenal de armas.
·Del manga a la pantalla – Una mirada detrás de las cámaras a los orígenes del apreciado manga de Yukito Kishiro, “Gunnm”, y el largo camino para adaptarlo a la gran pantalla.
Este viernes 12 de Julio, Annabelle Vuelve a Casa y a los cines con su nueva película. En ella, podremos ver de nuevo como se las gasta la dichosa muñeca, y en vez de verla en un entorno nuevo, disfrutaremos de ella dentro de la mismísima casa de los Warren.
Aunque parezca lo contrario, Annabelle: Vuelve a Casa no es The Conjuring 3, sino que explota a los personajes de Expediente Warren para mostrarnos otras habilidades de los demonios y espíritus a los que se enfrentaban estos expertos.
Si eres fan del Universo Warren (tienes lacrítica de Annabelle: Vuelve a casa a un clic), estarás deseando saber más de ellos y su hogar, y aunque te recomiendo el especial que Cuarto Milenio les dedicó a los personajes en los que se basan las películas, aquí te dejo un video VR con el que podrás visitar la casa de Los Warren y, en concreto, su terrorífico museo de “trofeos”.
Puedes disfrutarlo desde el ordenador, pero lo suyo es que pongas tu móvil dentro de una de esas gafas VR, enchufes los auriculares y te dispongas a pasar un buen rato a base de miedo.
La naturaleza agoniza por culpa del hombre. En los últimos 15 años, la contaminación ha alcanzado niveles nunca antes visto y estamos perdiendo especies a un ritmo alarmante. Para algunos, eso puede no significar nada, pero está en juego la supervivencia de la humanidad.
Si queremos garantizar nuestra propia integridad y la de las generaciones que vienen, debemos tomar cartas en el asunto y sin lugar a dudas, una de las urgencias más importantes es la de reducir los desechos y limpiar los mares de plásticos.
Lemon, un corto creado por la Fundación Reina Sofía se empezó a distribuir el pasado 5 de junio con motivo del día mundial del Medio Ambiente, y la verdad, aunque es solo un gesto, desde De Fan a Fan estamos seguros de que ayudará a agitar alguna consciencia.
Así pues, y aunque lo hemos compartido directamente en nuestras redes sociales (Facebook y Twitter), lo dejamos también por aquí.
Difundirlo es una forma de ayudar a concienciar a aquellos que ignoran la magnitud de este problema y aunque hace falta mucho más, esperamos que gestos como estos enciendan la mecha necesaria para que todos nos concienciemos del problema tan grave que tenemos entre manos.
En Lemon, nos encontramos con una tortuga recién nacida que busca el mar para salvarse de sus depredadores, los cuales, igual que ella, tienen que lidiar con la problemática de los plásticos que inundan mares, playas, ríos y bosques.
Juego de Tronos ha terminado recientemente y su octava temporada nos ha dejado, al menos en mi opinión, grandes momentos. Aún así, yo también soy critico con algunas escenas, y si bien, son males menores en comparación con otras cosillas que se han visto en cine y televisión, no soy ajeno a algunas de las quejas del fandom.
Pensando en esos errores estratégicos durante la batalla contra los Caminantes Blancos o lo chistoso y poco creíble que pueda resultar que Daenerys arrase toda una ciudad sin recibir un mal flechazo, se me vienen a la cabeza cinco películas que también incluyen escenas de acción que provocan vergüenza ajena. A grandes rasgos, todas fueron masacradas por la crítica y si bien, tienen sus momentos disfrutables, hay que admitir que tienen detalles que hay que coger con pinzas.
En fin, os las dejo por aquí y si os apetece comentar otras escenas de acción que os hayan dado vergüenza ajena ¡USAD LOS COMENTARIOS! 😉
Indi y el frigorífico
Indiana Jones y la Calavera de Cristal es, sin lugar a dudas, la peor entrega de Indiana Jones y la única de la saga de la que he oído quejas.
Al margen del momento Tarzán que se marcaba Shia Labeouf (¡también de vergüenza ajena!), la película se iniciaba con un Indi visitando un almacén (¿Era el área 51?... ya no me acuerdo… intento borrar de mi mente esta peli) en el que se escondían muchos objetos especiales y escapaba de una explosión nuclear dentro de un frigorífico.
Sin duda, es uno de esos momentos de vergüenza ajena del cine de acción y aunque con este tipo de escenas, y en favor del espectáculo nos tragamos mentiras bastante importantes, esto no había quien se lo creyera.
Tal es la vergüenza que despierta la escena, que en este artículo (¡haz clic!) analizan si hay alguna posibilidad de que eso fuera posible (hacen lo mismo con otras escenas que no verás aquí) y cómo os imaginaréis, las posibilidades son muy escasas.
Los siguientes protagonistas de la lista son Clive Owen y Monica Bellucci por su papel en “Shoot 'Em Up - En el punto de mira”. Esta pareja de estupendos actores protagonizaba una tórrida escena de acción en la que, seguro que lo recordáis bien, el personaje de Bellucci disfrutaba de varios orgasmos mientras que Clive Owen le hacia el amor y mataba a un grupo de mercenarios que venía a acabar con ellos. ¡Todo sin despegarse y con un bebé de por medio!
No seré yo el que se queje de ver a Bellucci en situaciones como estas, pero desde luego, cualquiera con un mínimo de experiencia sexual sabe que esto es imposible ¡PERO QUE VIVA EL CINE! Jajaja
Las balas giratorias
Esta tercera candidata me duele especialmente. Wanted es uno de mis cómics favoritos de Mark Millar (lo leo una vez al año) y ver en lo que se convirtió su adaptación fue como recibir una puñalada.
En el cómic, un pringado acaba uniéndose a una hermandad de supervillanos tras la muerte de su padre (el asesino más grande de la hermandad) y tras un entrenamiento brutal, logra imponerse dentro del sistema de “malosos” que protagonizan la historia.
En la película, la historia cambia un montón y pese a un reparto espectacular, el director de Guardianes del Dia (su nombre es casi impronunciable) ofrecía un producto bastante lamentable.
Con un panorama como ese, es evidente que no es una cinta para tomarse en serio, pero cuando ves que los protagonistas realizan disparos girando brazos y muñecas para conseguir balas giratorias como si fueran Roberto Carlos atizándole a un balón… entonces dices… ¡Hasta aquí! ¡Una lástima de oportunidad perdida!
Perforando cometas
Armagedón es una de mis películas favoritas de Michael Bay, pero conociendo al director, sabrás que parte de su marca personal no es precisamente la de hacer cine creíble.
Como fan de los superhéroes y los zombis, esto no me supone un problema, pero cuando la película intenta pasar por algo serio y no se toma a si misma como lo que es (puro entretenimiento), hace que te rías de ciertas cosas y eso, queramos o no da vergüenza ajena.
Desde luego, la idea de desviar un cometa que se dirige a la Tierra no es disparatada, pero hacerlo mandando a un equipo de mineros para que aterricen en un cuerpo celeste que se mueve a ciertas velocidades no se lo cree ni el gato… y menos aún que si lo lograran, pudieran perforar y ponerle explosivos. Sin duda, pese a que esta película era mas entretenida de Deep Impact, la formula de resolución del problema hace que la otra cinta hermana (ambas coincidieron en el tiempo) sea “un pelín más creíble”.
Todas las de Dragon Ball Evolution
Para acabar y esperando vuestras propuestas, os propongo la que probablemente sea la peor adaptación y la película más loca que ha recibido el fandom desde los tiempos de Super Mario Bros.
Todo Dragon Ball Evolution es un despropósito y ver a su protagonista en escenas de acción, tirando kame hames y luchando contra el peor Piccolo de la historia (y eso que soy muy fan de James Marsters) te deja con el culo torcido si o sí.
Fue una pésima idea por parte de Hollywood y sin duda, la peor elección que pudieron hacer los actores protagonistas ¡Así les ha ido a todos tras ello!
Dicho esto, toca despedirse. Hay muchas más escenas de acción que dan vergüenza ajena, pero espero que seáis vosotros, queridos lectores, los que me las propongáis ¡Abrazos!
Hace unos días, un amigo de toda la vida me enviaba por WhatsApp una foto en la que se veía a un grupo de chavales caracterizados como los personajes de la serie animada de Dragones y Mazmorras (Dungeons and Dragons). El nivel del cosplay me pareció sorprendente y lo compartí en los canales deFacebook y Twitter de De Fan a Fan como un mensaje esperanzador de que algún día podríamos tener una película o una serie de imagen real en la que se recuperaran a estos personajes… y ahí quedo la cosa.
Nuestros lectores reaccionaron y poco más, pero hoy, el mismo amigo (¡gracias Paco!), me pasa un video promocional de Renault Brasil en el que los chavales de esa foto cobran vida en el que será uno de los spots del año y un autentico fenómeno para los fans de Dragones y Mazmorras.
Como si de una película o serie de televisión se tratara, vemos a un grupo de actores interpretando a Hank, Diana, Sheila, Eric, Presto y Bobby en un enfrentamiento contra un Tiamat de imagen real verdaderamente terrorífico. Todos ponen en practica sus poderes y como en la serie, Venger y el Amo del Calabozo también hacen su aparición.
Siendo un spot promocional de un coche, tenemos que aguantar la presencia del bólido de Renault, pero la verdad, merece la pena tragarnos esa promo por ver un anuncio tan currado y que desprende tanto amor por una serie que, para muchos, es un hito de la infancia.
Viendo esto, cabe preguntarse porque nadie ha tenido aún la idea de llevar a televisión o al cine una adaptación de dicho show juvenil, y es que ahora, con la desaparición de Juego de Tronos (y pese a la inminentes The Witcher y Lord of the Rings) sería un gran momento para explorar el universo deDragones y Mazmorrasdesde esta perspectiva que tan buenos recuerdos nos trae. ¿No os parece? En fin… disfrutad del spot tanto como yo 😉
Escribo estas líneas tras ver el final de Juego de Tronos, y también tras haber podido disfrutar de la nueva película de Hellboy. Comento estos dos ejemplos porque son la muestra de polémica más reciente entre el fandom y los creado y, porque creo que es necesario volver a tratar de nuevo el asunto del fandom, o más bien, el fanatismo que cada vez impregna más a las hordas de twitter, facebook y el resto de redes sociales en general.
Hordas que consiguen, con sus actitudes vocingleras, acojonar a los productores de Hollywood, que ya no son como esos Cecil B. Demille, o David O. Serznick, es decir personas que además de tener dinero sabían de arte. Ahora todos están pendientes del postureo. Las historias ya no se escriben dejando que los personajes se desarrollen solos, con naturalidad, sino que vienen impuestos una serie de criterios sociológicos, como el hecho de incluir tantos personajes de este tipo para no ofender a tal colectivo, incluir una parejita porque sino pues como que la gente no entiende (¡no pasa absolutamente nada porque no haya romance en una película!). Podría seguir porque esto es un suma y sigue, pero el tema aquí es el siguiente: si en los estudios, ya sea de cine o de tv se hacen estas cosas, es porque detrás hay un público que dice saber lo que quiere, y cuatro ejecutivos que solo son eso, ejecutivos, que no tienen ni idea de cómo se hace un guión ni de cómo estructurar una historia o como desarrollar psicológicamente un personaje, se creen que las encuestas o los estudios de mercado son absolutamente certeros y piensan que eso es lo que quiere el público.
Mira a los ojos de Alan Moore y confiésate XD
Me permito aquí citar a Alan Moore:“El público no sabe lo que quiere, si lo supiera, sería el artista”. Creo que el maestro de Watchmen o V de Vendetta lo tiene muy claro. El creador es el único que tiene potestad para decidir respecto a su historia y personajes. Nadie más tiene el derecho de decidir ni de marcar la agenda. Puede que el problema sea que hay mucha gente aburrida y con una existencia vacua, que se desvanece un poquito más cada día.
¿Hasta qué punto estamos llegando? ¿Pero quienes somos nosotros para decirles a estos tipos lo que tienen que hacer y cómo? Porque bueno, es muy típico de nuestra sociedad el que todo el mundo sepa de todo. Una cosa es que en un momento dado podamos tener un criterio divergente respecto a tal o cual decisión, lo cual es muy legítimo; pero otra muy diferente es “tenemos 800.000 firmas para que se rehaga la última temporada de Juego de Tronos”. Muy bien, felicidades. Ya podríais recaudar esas firmas para construir un colegio en algún país Africano, para dar becas a chavales que no pueden estudiar, para mejorar la investigación de alguna enfermedad…no sé, las cosas que se os ocurran que hay varias digo yo. Pero ¿de verdad este mundo está tan enloquecido? El final de la serie es el que es, punto. Al que le parezca bien pues perfecto, al que le parezca mal pues solo tiene que comprar los derechos y hacer él su propia versión de la serie, a ver si es capaz de hacerlo más o menos con el mismo nivel de calidad.
Personalmente, estoy muy satisfecho con el final. Creo que es muy coherente. ¿Ha terminado quizás demasiado rápido? Puede. ¿Hay cosillas que se pueden criticar? Sin duda. Por ejemplo, no me gusta cómo ha muerto Cersei. No me gusta cómo se finaliza la trama de los Caminantes Blancos. Pero creo que estas dos últimas temporadas en concreto nos han dejado grandes momentos. Y yo lloré, me emocioné viendo a Tyrion contemplando los cadáveres de sus hermanos sobre todo porque Jaime se ha ganado mi admiración en esta última tanda de episodios, ha muerto como un hombre de honor; y sobre todo, mi momento favorito de toda la serie precisamente será ese gran dragón fundiendo el trono de hierro, la causa de todos los males, de tanta sangre y fuego derramados. Como le ocurre a todo. No hay nada perfecto.
Mike Mignola y su querido Rojo
Y respecto a Hellboy. Pues personalmente la he disfrutado, me lo he pasado tremendamente bien con ella. Muy macarra, sangrienta, un tono de serie b que hacía tiempo que no se veía en el cine. Creo sin duda que es una de las películas más auténticas que veremos este año. Pero claro, llegan las hordas diciendo “es que no está Guillermo del Toro, es que no es Ron Perlman, es que no sé qué, es que esto otro”, y uno acaba hasta los c…de tanto ignorante y de tanto payaso. Hellboy no es creación de Guillermo del Toro, sino de Mike Mignola. Mucho antes que las películas, estuvo en las viñetas. Del Toro hizo su propia versión. Igual que ahora Mignola ha hecho la suya con otro director, Neil Marshall. ¿Quién se cree con derecho a decir si esto es o no es Hellboy? Es una interpretación. Personalmente, no me termina de gustar el Spiderman de Tom Holland, pero porque me gusta más el personaje de las viñetas, me gusta más esa llamada a la responsabilidad al esfuerzo personal que hay en el cómic, veremos la nueva película y a ver qué tal, pero yo no obligo a nadie a que despidan al chaval ni a que lo hagan como a mí me gusta.
En un artículo anterior ya comentamos el caso de Star Wars en el cual no me voy a detener. Tan solo voy a decir lo siguiente. ¿No es mejor dar las gracias, estar agradecidos por tener la oportunidad de ir al cine y de ver HBO, Netflix, etc. cuando hay seguramente muchas personas en el mundo que no pueden hacerlo? ¿No es mejor tener la mente abierta y disfrutar de las cosas? ¿No es mejor antes de abrir la boca leer un libro, el que sea? Lo digo por aquello de que una vez que lees, como dice Obi Wan, das el primer paso hacia un mundo sin límites. Creo que es mejor eso que quedar como ignorantes y pretenciosos por nuestros egoísmos….
