Crítica de 'IT Capitulo 2', el esperado y terrorífico regreso de Pennywise

Warner no esperaba el éxito que tuvo el capítulo primero de esta nueva adaptación de IT, el clásico de Stephen King realizada por Andy Muschietti (Mamá). De hecho, la primera parte estuvo concebida como una película de bajo presupuesto en la que no había demasiadas expectativas. Fueron 35 millones de presupuesto, y acabó recaudando más de 700 millones en todo el mundo. Y desde entonces muchos se han preguntado qué es lo que ha contribuido a que esto se convirtiera en un fenómeno mediático, cuando llevamos mucho tiempo en que el terror es un género minoritario.

Pues bien, para responder a estas cuestiones me remito a dos cosas que mencioné en mi crítica de la primera entrega, dos elementos que se han cumplido con el estreno de esta segunda parte. Por un lado, dije que la primera tiene un fallo importante: el tono. Y claro, niños en bicicleta, años 80…las comparaciones eran muy fáciles…pero es que además el tono del film no ayudaba precisamente a que no se buscaran los parecidos. Porque Stephen King nunca se ha caracterizado por ser un escritor light en cuanto a miedo, tendrá obras más suaves que otras eso está claro, pero IT no es una de ellas, es violenta, es cruda, y refleja muy bien la adolescencia y el paso de esta a la edad adulta, donde los jóvenes no son santos precisamente. Y por otro lado dije que no se podía valorar bien la primera entrega sin tener la segunda, por la sencilla razón de que IT es una historia única dividida en dos partes. Y es sobre estos ejes sobre los que va a pivotar mi crítica. Tranquilos que no voy a hacer ningún spoiler. Vamos allá.

Todos en mayor o menor medida sabemos de qué va esta continuación. Pennywise regresa 27 años después para volver a matar, y con él, regresa el Club de los Perdedores, es decir, Bill, Beverly, Richie, Ben, Mike, Eddie y Stan, los chicos que le hicieron frente siendo unos niños. 

Ahora vuelven convertidos en adultos, pero por delante tienen una tarea muy complicada: recordar los niños que fueron y recuperar su identidad. Hasta aquí diré del argumento. Y es que la obra de IT lo que refleja es precisamente esto, los traumas, las heridas del pasado, el cómo nos enfrentamos a ellas y salimos adelante. Precisamente en esta nueva película vemos muy bien reflejado esto, que es la esencia de la novela y es por lo que no podemos analizar las dos películas de forma independiente. Ambas cintas se complementan, y este es el principal acierto del guión de Gary Dauberman, el hecho de que ves claramente la continuidad entre ambas entregas. Y aquí se ha pulido la cuestión principal: que esto tiene que dar algo de miedo. Pero se sigue notando que es un terror mucho más comercial, ajeno por ejemplo al espíritu que prima en los Expedientes Warren, películas mucho más perturbadoras por su oscuridad. Aun así, este IT Capítulo 2 sin duda es más perverso que su predecesor y tiene un Pennywise mucho más cercano a como es en el libro, la concepción del personaje ha cambiado un poco, sigue siendo violento pero actúa más como un payaso, como un lobo con piel de cordero; y el reparto encabezado por James Mcavoy, Jessica Chastain y Bill Hader sin duda brilla, reflejan muy bien a sus personajes, conectan bien con su identidad adolescente al mismo tiempo que luchan por ser unos adultos mejores.

Poco más voy a decir porque hay susceptibilidad de spoilers y pretendo guardar la sorpresa para que todos vayáis a verla. En general ha sido una buena adaptación, una modernización interesante del libro, del cual solo se han prescindido de dos subtramas que a lo mejor están más presentes en la hora suprimida del montaje original pero que tampoco es que suponga un problema. Solo me queda desearos que la disfrutéis y si puede ser en el nuevo formato ScreenX de Kinépolis, pues todavía mejor.

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Crítica de 'Quien a Hierro Mata': Paco Plaza firmando una historia de venganza nada sobrenatural

El concepto de cine está cambiando, y sin duda, el de cine español lo hace también. Si hace unos años el publico pasaba de la mayoría de producciones españolas que no estuvieran firmadas por Almodóvar o que no fueran de genero cómico, algo ha ido cambiando en los últimos tiempos y ahora, la perspectiva del espectador, y sobre todo de las productoras, resulta mucho más amplia.

Me atrevería a decir que cintas como [REC], Celda 211 o La Isla Mínima tienen mucho que ver en ese cambio, y curiosamente, hoy vengo a hablaros de una película, “Quien a Hierro Mata”, que cuenta con uno de los directores de la primera película (REC) y uno de los protagonistas de la segunda (Tosar).

Al igual que esos tres filmes que he nombrado, “Quien a Hierro Mata” nos trae una apuesta arriesgada, inteligente y original que consigue que el espectador se quede pegado a la butaca durante los 107 minutos que dura película.

Dirigida por Paco Plaza, el realizador de títulos como Verónica o REC 3: Genesis (recordad que las otras dos la dirigía junto a Jaume Balagueró), Quien a Hierro Mata nos presenta una historia menos sobrenatural que a las que nos tiene acostumbrado Plaza y nos lleva hasta Galicia para narrarnos un inquietante, duro y realísimo relato que os resumo ahora mismo:

Mario (Luis Tosar) es un dedicado enfermero que trabaja en una residencia de ancianos. A punto de ser padre, verá como toda su vida se tambalea al tener que atender a un viejo narcotraficante (interpretado por el ya fallecido Xan Cejudo) que se ha librado de la cárcel debido a una enfermedad terminal.

Acosado por viejos fantasmas y por los intereses que los hijos del narco tienen respecto al estado de salud de su padre, se meterá de lleno en una espiral de violencia y venganza que tocará de lleno tanto a sus conocidos y familiares, como a los del narcotraficante que buscaba pasar sus últimos días lejos de la cárcel y su familia.

Mi opinión sobre Quien a hierro Mata

Si habéis visto el tráiler, ya sabéis que la relación entre los personajes de Tosar y Cejudo (el capo Antonio Padín) no es precisamente sana, y aunque el tema principal de la película es la venganza y como la violencia no engendra más que violencia, hay muchos más aspectos que analizar.

Por un lado, Quien a Hierro Mata nos da que pensar sobre en manos de quienes nos encontramos cuando estamos en un hospital o en un centro para mayores. Aunque la mayoría de profesionales ejercen su labor de forma soberbia y con el bienestar de los pacientes como único objetivo, al ver la venganza del personaje de Luis Tosar no pude evitar pensar lo indefensos que nos encontramos en ciertos momentos de nuestras vidas.

Por otro lado, también nos muestra que no es oro todo lo que reluce en el ámbito de los capos y es que estos, que también arriesgan lo suyo (aunque sea a costa de otros), también acaban viéndoselas chungas y padeciendo eso que nos cuenta el refrán: “A todo cerdo le llega su San Martín” y eso, queramos o no, no entiende de apellidos, estatus o de cuentas bancarias.

El personaje de Xan Cejudo va mostrando, además de mucha mala leche, su deterioro físico ¿Cuánto habrá de real y de ficción en ello? Recordad que este es el último trabajo de Xan.

Con un ritmo bastante pausado al principio y un subidón de adrenalina en su tramo final “Quien a Hierro mata” pone sobre la mesa lo fácil que es complicarse la vida voluntaria o involuntariamente y nos hace pensar sobre las consecuencias que pueden tener esos actos que a muchos y muchas se nos pasan por la cabeza en mas de una ocasión cuando asistimos a una injusticia.

Fotografía, música, puesta en escena e interpretaciones resultan sobresalientes en este filme en el que Luis Tosar carga con casi todo el peso interpretativo. Por todo eso, y por un final que, como me decían por twitter, es mal rollero nivel “Tu Hijo” (la genial película de Miguel Ángel Vivas),  recomiendo la película para un público adulto aunque, también soy consciente de que su temática, su carga dramática y su argumento puede echar para atrás a muchos.

Es algo que pasa más veces de las que nos gusta admitir. Sabemos que una cinta es buena, pero elegimos otra al ir al cine. Sinceramente, y como decía al principio, creo que esto está cambiando, pero mientras ocurre, cruzo los dedos para que Quien a Hierro Mata recaude lo suficiente como para que este tipo de películas siga siendo rentable y podamos disfrutar de ellas en salas de cines. 

Los Hijos de Padin han heredado la mala leche de su padre, pero no su visión para los negocios

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Crítica de 'Angry Birds 2', el regreso al cine de los pájaros furiosos

Hace unos años, Rovio y Sony se aliaron para llevar a cabo uno de esos proyectos que en principio pueden despertar incredulidad. Todos de alguna forma conocemos o hemos oído hablar de Angry Birds. Un popular juego para teléfonos móviles que ha generado numerosas secuelas, incluida una inspirada en Star Wars. El juego es muy sencillo. Unos pájaros que se unen para pelear contra sus enemigos, unos cerdos de color verde con muy malas pulgas. En dicho juego los lanzas con un tirachinas y el pájaro golpea las estructuras de madera y metal causando la devastación de los cochinos. Así vas subiendo de niveles. Entre medias te cuentan que si les roban los huevos, que si les destruyen una casa etc. escenas breves y que tampoco tienen un hilo argumental. Posiblemente este sea el punto que más recelos levante porque puedes pensar en qué tipo de historia vas a sacar para hacer una película.

Pues bien, a pesar de esa falta de historia (y que Emoji sufrió en sus carnes), la primera parte contaba una historia bastante divertida dotando de personalidad a cada tipo de pájaros que veíamos en el videjuego. Dicha entrega, se centraba en Red, el pájaro protagonista al que pone voz Santiago Segura y contaba el enfrentamiento tradicional contra los cerdos. Además nos daba un pequeño perfil del protagonista que en su infancia y juventud había sido un incomprendido. Hasta que salva a sus amigos de un nuevo ataque porcino convirtiéndose en el héroe. Y en Angry Birds 2, arrancamos exactamente desde este punto. Red ya es el héroe de los pájaros y él y sus amigos Chuck y Bomb se siguen enfrentando a los cerdos. Hasta aquí, todo ok, pero de momento, entra en juego una tercera isla, habitada por Águilas, comandadas por Zelda (Macarena Gómez), que ansía conquistar las islas de los pájaros y los cerdos para hacerse un parque temático particular. Tanto cerdos como pájaros deberán unirse en una breve tregua para hacer frente a esta amenaza común.

Los villanos de 'Angry Birds 2' encabezados por una villana a la que pone voz Macarena Gómez

La continuación de las aventuras de estos pájaros es sin duda muy divertida y se mantiene en la premisa de la anterior entrega: lograr hacer pasar un buen rato de entretenimiento a los más pequeños de casa. Y también puede que a los adultos, porque en principio se puede pensar que se trata de una película destinada en exclusiva al público infantil, pero más de un mayor podrá pasarlo en grande, no solo por las gracietas del elenco protagonista, sino también por las aventuras de unos pollitos muy graciosos que emprenden su particular viaje de descubrimiento del mundo. Angry Birds 2 supone un buen estreno para este verano y una nueva oportunidad de unirse a este particular universo.

Angry Birds 2 se estrena en cines el 23 de Agosto de 2019.

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Crítica de 'Èrase una vez en Hollywood': Pitt, DiCaprio y Tarantino viajan a 1969

Érase una vez en Hollywood es la espeara novena película de Quentin Tarantino. El esperado regreso de este gran director que ha marcado una época. Comenzó con una cinta de bajo presupuesto, Reservoir Dogs, un festival de tiros y sangre deliciosos; siguió con Pulp Fiction, una de mafiosos y de caos por doquier que marcaría un estilo muy definido; después un homenaje al blaixplotiation con Jackie Brown y la gran Pam Grier, quizás esta sea la película menos valorada por la generalidad del público pero es de las favoritas de un servidor. Y su última trayectoria, mucho más conocida, con westerns y la burla histórica de Malditos Bastardos. Pero ojo, no debemos pasar por alto al Tarantino productor y padrino de otros talentos como Robert Rodriguez con esas grandes Desperado y Abierto hasta el Amanecer o con Eli Roth y su Hostel.

Y ahora el director nos sorprende con una carta de amor al cine. Porque Erase una vez en Hollywood es eso, además de un cuento, es una declaración de amor hacia el séptimo arte, hacia esa época dorada del cine repleta de tipos duros como John Wayne o Dean Martin, ese momento del western y donde las películas se hacían con muy poco dinero en comparación con las grandes sumas que se dan ahora. Pero ante todo era un período en el que importaba mucho la historia, el tener un buen relato que contar con la imagen. En definitiva, las películas que a él le marcaron y que han influido en su carrera. Y además se sirve de la simbología (Sharon Tate como encarnación de la inocencia, los dos protagonistas, Brad Pitt y Leo DiCaprio, que son en sí mismos unos vaqueros de los westerns que se realizaban en los estudios de cine), para narrarnos la historia. Lo cual supone, bajo mi punto de vista, el aspecto que más va a dificultar el que sea asumible por el público general. Ya que en la cinta aparecen nombres como Steve Mcqueen, Bruce Lee…nombres que para las generaciones jóvenes actuales ya quedan muy al olvido.

Pacino, Pitt y DiCaprio en Érase una vez en Hollywood

Podemos contar con que hayan oído hablar de Tarantino y vayan a ver la película, pero siendo honestos, esta cinta está hecha para los que amamos el cine. Y para los que conocemos un acontecimiento muy importante que tuvo lugar en ese tiempo: los terribles crímenes de la Familia Manson. No voy a decir nada más porque la película contiene sorpresas y es mejor que el público las descubra por sí mismo. Tan solo añadiré que Erase una vez en Hollywood es magnífica, está muy bien narrada y que Tarantino regresa para darnos una clase magistral de cómo se hace Cine auténtico.

No dejéis de verla ¡El 15 de agosto en cines!

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Crítica de 'Padre no hay más que uno': La comedia familiar de Santiago Segura

Con “Padre no hay más que uno”, Santiago Segura nos trae una comedia familiar con la que llenar las salas este próximo verano. Una de esas películas agradables y muy sencillas de ver con las que se puede combatir el calor. Dirigida por él mismo y coprotagonizada por Toni Acosta, Leo Harlem y Silvia Abril, “Padre no hay más que uno” es mucho más que una comedia con la que echarnos unas risas.

Javier y Marisa son un matrimonio con varios hijos y dos trabajos un tanto absorbentes. Todos los días tienen que lidiar con ese problema que tenemos en España: la conciliación de la vida profesional y la personal. Aunque en el caso de la película, lo que se refleja es que es la madre la que trabaja doblemente a diario mientras que el padre está sumergido en la pantalla de su ordenador, pasando de todo e ignorando lo que de verdad es importante.

El guión nos trae un interesante subtexto sobre este problema y también sobre los prejuicios que genera, como si las familias numerosas fueran todas radicales y religiosas, la discriminación que se produce en los centros escolares clasificando ya incluso a los niños de preescolar como si fueran unos más listos u otros más tontos y haciéndolo además con un subterfugio políticamente correcto que da nauseas; los grupos de What´s App de los padres; todo ello por citar solo algunos ejemplos, ya que la peli, aprovechando la comedia, se muestra muy crítica, realizando esta de forma inteligente.


No es que “Padre no hay más que uno” sea la mejor comedia de los últimos años, pero sí hay que admitir que se trata de un ejercicio muy inteligente con el que espero Santiago Segura pueda desligarse aún más de Torrente. Pese a eso, es posible que tanta crítica en una comedia se convierta en un hándicap, uno que, que junto al hecho de que todavía hay mucha gente que relaciona a Segura con del esperpéntico personaje que tanta fama le ha dado a este actor y director, puede acabar por afectar a la recaudación.

En definitiva, y sin ser agorero, decir que “Padre no hay más que uno” es una película agradable, es divertida y es familiar, ingredientes que son necesarios para el triunfo en la taquilla. No os la perdáis.

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Crítica de 'Annabelle: Vuelve a casa' [SIN SPOILERS]

Si algo está demostrando James Wan es que es un maestro del thriller y del terror. No sé si contemporáneo, pero desde luego lo borda, o lo está haciendo francamente bien…¡como queráis decirlo! Porque, las cosas como son, si hay películas que últimamente van suscitando cada vez más ganas y un público fan son las de la Saga Warren, el Warrenverso o el Universo de The Conjuring, que es como se llamaba originalmente la primera película.

Personalmente, casi que prefiero la primera denominación, por aquello de que tampoco es que hagan un universo compartido al estilo Marvel exactamente, ya que, en estas películas, hay personajes que coinciden en diferentes cintas, como el Padre Pérez de la primera Annabelle, que sale en La Llorona, pero eso no quiere decir que no haya más nexos en común. Y esta cinta que nos ocupa ahora no es una excepción. Pues bien, “Annabelle: Vuelve a casa”, es una aventura independiente dentro de esta saga, porque tampoco los Warren son los protas aquí, y no diré más.

Un fin de semana en el que Ed y Lorraine se marchan a investigar un caso, dejan a su hija Judy acompañada de Mary Ellen y Daniela, dos vecinas que ejercen de cuidadoras de la niña. Y como en cualquier historia de fin de semana en el que los hijos se quedan solos en casa sin autoridad paterna, pues aquí suceden cosillas, pero no hablamos de un botellón o de un desfase de colegas, no. Aquí hablamos de una muñeca, Annabelle, que es muy peligrosa y que va a hacerles pasar un fin de semana que nunca olvidarán.

Estas chicas serán las responsables de mantener a raya a la diabólica muñeca Annabelle

“Annabelle:Vuelve a Casa” es un thriller al más puro estilo clásico como ya sucedía con la anterior entrega, Creation, donde no hay apenas sustos, pero sí mucha inquietud, grandes momentos de tensión en una atmósfera hogareña pero al mismo tiempo opresiva. Una historia sencilla donde se nos plantean nuevos personajes (seguramente futuros spin offs) y en donde Gary Dauberman se consagra como un buen director y escritor de historias de miedo. De hecho, es el guionista de IT CAPTÍTULO 2 de próximo estreno en Septiembre.

“Esta habitación, aunque contiene mucho mal, al mismo tiempo me recuerda algo muy importante: todo el bien que hay ahí fuera”. Esta es la esencia de la película en palabras de la propia Lorraine Warren. Solo me queda desearos que la disfrutéis, para mi es de lo mejor de este año en cuanto a terror se trata.

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Black Mirror Temporada 5: La crítica

En estos últimos meses, ha habido dos grandes series a las que los aficionados y aficionadas han castigado de forma exagerada. Una ha sido Juego de Tronos por ese final que no ha satisfecho a una gran mayoría del público, y la otra, ha sido la quinta temporada de Black Mirror.

Personalmente, creo que Black Museum, el capítulo de cierre de la anterior temporada de Black Mirror, podía haber sido el punto y final perfecto de esta estupenda serie, pero viendo que Netflix, tras la adquisición del show de Charlie Brooker, quiere monetizarla a base de bien, tengo que decir que esta última tanda de capítulos me sigue pareciendo de un nivel muy superior al de la mayoría de series que llega a nosotros a día de hoy.

Desde luego, soy el primero en admitir que esta última temporada es menos rebuscada y menos oscura que las anteriores, pero, aun así, es digna de tener en cuenta. Dicho esto, paso a dar mi opinión sobre cada uno de los episodios para, después, dar mi conclusión final.

Striking Vipers

El primero de los tres episodios de esta temporada está protagonizada por Anthony Mackie (Halcón en The Avengers) y nos presenta una situación que está más presente de lo que creemos: encuentros sexuales en  videojuegos.

El capítulo nos presenta uno de los muchos artilugios de esta serie y lo extrapola al mundo de la realidad virtual y los videojuegos para ofrecer un relato que nos hace reflexionar sobre los límites de la sexualidad, lo que podemos considerar una infidelidad y otra serie de apreciaciones que tienen más miga al margen del rocambolesco capitulo del que muchos solo se quedan en lo superficial.



A día de hoy, son muchos los que llevan al límite ciertas facetas de los videojuegos para explorar o experimentar su sexualidad desde la privacidad de sus casas y como digo, esto es solo uno de los aspectos que explora Striking Vipers.

Sexo, videojuegos, mentiras, adiciones y un vistazo al interior de cada uno (incluida a la monotonía de la vida familiar) son algunos de los temas que aborda el capítulo, y bueno, sin tener giros oscuros ni una ambientación futurista, creo que el capítulo cumple con la premisa principal de la serie desde sus inicios: hacernos pensar sobre los cambios a los que, como individuos, nos podemos enfrentar con el uso de las nuevas tecnologías.

Smithereens (Añicos)

Sabemos perfectamente que las empresas tecnológicas juegan con nuestros datos privados, pero ¿hasta qué punto tienen control? En eso incide este capítulo en el que un pobre desgraciado, víctima de su adicción a las redes pretende vengarse de una gran empresa tecnológica. Por el camino, vamos viendo hasta qué punto estas empresas tienen más datos sobre nosotros que cualquier autoridad gubernamental y, sobre todo,  cuál es su capacidad de influir en gobiernos y otros ambitos de la vida civil.

Resulta aterrador ver como estas empresas manejan, con nuestro permiso, datos personales que le permiten ofrecernos experiencias adictivas y que nos mantienen inmersos en un mundo irreal del que difícilmente podemos o queremos salir.



Sin duda, son muchos los que ignoran el modus operandi de estas empresas, pero su capacidad de mantenernos en su sistema, influenciarnos y hacernos actuar en una u otra dirección es digna de estudio (bueno en realidad, ya hay cientos de estudios al respecto).

Netflix ya había profundizado en esto con el capítulo Nosedive (el que protagonizaba Bryce Dallas Howard), pero aquí, alejándonos del tema de los likes, se abordan otros aspectos oscuros de las empresas que viven de los usuarios que usan sus redes sociales.

Rachel, Jack y Ashley Too

Con una estrella invitada tan especial como Miley Cyrus, nos encontramos con un capítulo que, a priori parece una estupenda venganza por parte de la actriz y cantante por sus inicios como Hannah Montana. Desde luego, no soy de los que piensa que esos inicios tuvieran que ser rocambolescos por narices, pero viendo como evolucionaron todas las chicas Disney, está claro que algo chungo se instauro en estos shows.

Con este tercer capítulo de la quinta temporada de Black Mirror, se exploran aspectos positivos como los asistentes virtuales y como estos pueden, dejando un lado lo negativo que vende la serie, aportar confianza a ciertos consumidores. Ese es solo uno de los puntos a tener en cuenta en el capítulo ya que, el más importante es el de la explotación de artistas cuando su tutela recae en familiares ambiciosos, algo que aquí se expande hasta llegar al asunto de la explotación de los derechos de los artistas una vez fallecidos.

Hemos visto como la imagen de actores se usa tras su muerte, como se organizan conciertos con emisiones holográficas y en este capítulo de Black Mirror se aborda la idea de extraer pensamiento de un cerebro cuyo cuerpo ya no funciona. Sin duda, nos hace pensar sobre hasta qué punto un artista se convierte en un producto cien por cien explotable y deja entrever el lado más oscuro de una industria que, al tiempo, es muy probable que se revele muy similar a lo que Rooker muestra aquí.

Conclusiones Quinta temporada Black Mirror

Como veis, la quinta temporada de Black Mirror me ha gustado. Es evidente que su impacto y su presupuesto es menor que en anteriores ocasiones, pero, aun así, mantiene su capacidad de sorprender al espectador, hacernos pensar y mantenernos en atentos con capítulos de una hora, algo que en este tiempo no resulta fácil.

Criticar un show como este cuando en anteriores temporadas se ha rozado la excelencia puede ser fácil, pero sinceramente, habría que aceptar el show como es, y lejos de enfadarnos tanto por un producto pensado para entretenernos, deberíamos empezar a ser más críticos con otros aspectos más importantes de la vida, aunque claro, eso no dará el mismo subidón de ego que produce el poner a parir el trabajo de los demás en redes sociales simplemente porque nuestras expectativas no hayan cumplido.

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Crítica de 'Spider-Man: Lejos de Casa' [SIN SPOILERS]

El peso del legado. Así se puede resumir la esencia de esta película. Y en palabras del propio Kevin Fiege, Spider-Man: Lejos de Casa “es la parte que falta del tríptico formado por Infinity War y Endgame”. En cierto modo es así, porque esta nueva aventura del hombre araña se basa precisamente en la herencia, en lo que nos dejan ambas películas. Y creo que a estas alturas todos ya sabemos de qué hablamos. Pues Peter Parker, este Peter Parker, no es el que nos plantearon en las viñetas, ni es el que interpretaron Toby Mcguire y Andrew Garfield. Aquí la cosa va de un elegido, de alguien, Tony Stark, que ve algo especial en este chico y le nombra Vengador. Ese gesto es el que hace caer sobre Peter una importante carga, porque ya no es que sea solo el amigo y vecino Spider-Man, es algo más.

Partiendo de esta base, Spider-Man se va de vacaciones con sus amigos del instituto, y entra en juego un misterioso personaje llamado Quentin Beck (Jake Gyllenhall) y hasta aquí diré sobre la trama de la película. Tampoco es que sea difícil imaginar lo que viene a continuación tras la multitud de tráilers que hemos recibido, pero en fin... En Spider-Man: Lejos de Casa, tenemos acción, explosiones, peleas mucha telaraña y también puntos de humor bien encajados y que no cargan al espectador como sucedía en la entrega anterior Homecoming.

Parece que con Spider-Man: Lejos de Casa han decidido tomarse un poco más en serio la historia y en concreto al personaje. Le han hecho más consciente de quien es. Y sí, es un adolescente, pero no es un chico cualquiera. Tiene que crecer, no solo físicamente, sino a nivel ético y moral, por algo es súper ¿No? En definitiva, me he llevado una especial alegría al encontrarme un guión mejor llevado y por fin con un buen villano después de Thanos y de Killgrave.

¿Qué nos da Spiderman: Lejos de Casa? Pues un paso más en la historia del personaje y también un avance en el universo Marvel de cine y, sobre todo, dos giros de guión realmente bien hechos. Un producto que sorprende y que demuestra que cuando se toman las cosas en serio se pueden hacer bien y al mismo tiempo dar una fiesta de entretenimiento de cierta calidad, porque al final estas películas ante todo deberían aspirar a eso, a ser entretenidas. Y este Spider-Man poco a poco va ganándose ese estatus de Vengador. Como diría Thor, solo el tiempo dirá si es digno. En esta película desde luego consigue hacernos disfrutar.

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Crítica de 'Los Japón': Dani Rovira y María León se van al país del sol naciente

Esta crítica de “Los Japón” será, seguramente, una de las valoraciones más breves que escribiré nunca. Y es que no hay cosa que más me duela que encontrarme con una comedia sin gracia alguna.

A ver, esto no quiere decir que en “Los Japón” no haya algún gag bueno, que los hay, pero desgraciadamente a nivel de estructura, de guión, esta película supone un jarro no de agua fría, sino helada, casi diría yo congelada, y es esto lo que más me preocupa de todo, porque la cinta tiene ingredientes de sobra para estar bien, pero hay algo que no termina de encajar, puede ser la propia historia, puede ser un tema de producción, puede ser la dirección, pero es que sin duda hay algo que no me permite poder valorarla ni siquiera bien. Creo que es un conjunto de malas decisiones y sobre todo, una cinta que percibo anticuada, un tipo de comedia que yo pensaba que habíamos superado ya, porque este mismo año, tenemos la muestra de “Lo dejo cuando quiera”, que es divertidísima y además tiene un guión bien estructurado. Pero esto de “Los Japón”, partiendo de una buena base, incluso histórica, porque hay documentos que avalan la visita de samuráis japoneses a tierras andaluzas en el siglo XVII, la cinta no aprovecha bien esto para hacer una película elegante con un humor que no resulte zafio o vulgar; desgraciadamente todo deriva en estereotipos facilones y en un tramo final con un mensaje inclusivo feminista que, hay que decirlo, no hace ninguna falta ya no solo por el argumento sino por la inverosimilitud del mismo.

 Dani Rovira y María León en "Los Japón"

Como decía al comienzo, y esforzándome mucho en encontrar puntos positivos, los hay; María León está graciosa y se nota que hay un esfuerzo por su parte en lograr hacer una interpretación digna; el hijo mayor de la pareja protagonista que quiere ser samurái tiene su gracia también hasta cierto punto, y la verdad es que la película saca una fotografía estupenda de Japón. Pero al margen de estos puntos, y del hecho de que el protagonista, Dani Rovira, sea heredero al trono imperial del crisantemo, la cinta no funciona. Porque por las razones que sean no se ha sabido explotar bien el esperpento y el surrealismo que conlleva dicha posibilidad.

En definitiva, seguramente sea una película que llame la atención por el tándem Rovira- León, y esto haga que haya mucha gente que acuda a la sala este fin de semana. Y como siempre digo, el hecho de que personalmente no me haya terminado de encajar no significa que a vosotros no os guste, así que, si “Los Japón” os seduce, dadle una oportunidad y luego, venid a contarme que os ha parecido… ¡A lo mejor hasta me convencéis! XD

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Crítica de 'Godzilla: Rey de los Monstruos': El dios lagarto vuelve a Hollywood

Con Godzilla: Rey de los Monstruos… ¡Vuelve el titan! Regresa todo su poder, toda su fuerza, y de forma aun más bestia que en películas precedentes. El estudio Legendary, de propiedad china, apuesta firmemente por el género Kaiju Eiga en lo que se está conformando como un universo de monstruos, donde los seres humanos tendremos que elegir: si estamos con ellos, o contra ellos. Porque si algo queda claro en esta película es que Godzilla está de nuestro bando…de momento. Y también queda claro que es el Rey…de momento. Lo cierto es que lo que empezó hace cuatro años con aquella película dirigida por Gareth Edwards y protagonizada, entre otros, por Bryan Cranston (Heisenberg en Breaking Bad) es que estos colosos de la destrucción han venido para quedarse.

De momento este film lleva más de 290 millones recaudados, una cifra que no está mal, pero que para el estudio ha sido sorpresiva ya que esperaban más. Desconozco si el film ya se ha estrenado en territorio asiático, pero claramente es una película realizada y pensada para ese público en concreto, pues en Europa hay pocos fans de este género. De momento, el estudio ha anunciado que el rodaje de Godzilla vs Kong se retrasa y se cambia la fecha de estreno de cara a hacer algo mejor. Por nuestra parte, a partir de este viernes 21 de junio, podremos disfrutar en las salas de este nuevo duelo del lagarto gigante contra otros titanes que no se lo van a poner nada fácil.

Partiendo de los acontecimientos ocurridos en San Francisco en la anterior película, Godzilla: Rey de los Monstruos nos sumerge en la vida de Emma (Vera Fármiga, Expediente Warren) y de su hija Maddison (Millie Bobbie Brown, Stranger Things) que atraviesan por un momento personal complicado. Emma es una científica que desarrolla un sistema sónar con el que captar los sonidos de los titanes para así poder comunicarse con ellos., pro un terrorista llamado Alan Jonah (Charles Dance, Juego de Tronos) tiene otros planes relacionados con ese invento: el comienzo de un apocalipsis para devolver el equilibrio natural al planeta. Nada más diré de la trama, porque el resto hay que descubrirlo por uno mismo viendo la película.

Por mi parte solo diré que es una película que se disfruta plenamente. Quizás lo único que le puedo achacar es la duración, un tanto excesiva, y se añora un mayor equilibrio de la acción para no saturar con demasiada destrucción seguida. Independientemente de esto, Godzilla: Rey de los Monstruos sigue siendo consciente de lo que es: un producto palomitero divertido con el que pasar un buen rato. Eso lo consigue y hay muchas veces que eso es suficiente y no es necesario pedir más. Lo que está claro es que la película abre un buen espectro de ideas para futuras entregas, solo falta que no se caiga en la tentación de intentar hacer guiones rebuscados o complicados. Godzilla solo necesita repartir leña, nada más. Hagan cosas sencillas y se agradecerá. Desde luego, sigue siendo el Rey de los Monstruos.

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Crítica de 'Campamento Alienígena' (Rim of the World)

Desde hace un par de semanas, disponemos en Netflix de “Campamento Alienígena” (Rim of the world), una película familiar, de esas que puede disfrutar todo tipo de público, y que perfectamente podría haberse estrenado en el cine; pero bueno, tampoco es necesario del todo, porque disfrutarla en la plataforma está muy bien.

Campamento Alienígena, la nueva película del director MCG, responsable de cintas como Los Ángeles de Charlie, ha realizado un cóctel de productos exitosos: Stranger Things, Jurassic Park, ET, Independence Day, con toques de cinta apocalíptica tipo the Walking Dead, todo se ha metido en una batidora, y tenemos esta película, básicamente. Esto lo digo para que nadie se espere que se ha descubierto la pólvora ni nada parecido. Quizás lo mejor de la película sean los propios actores jóvenes que interpretan a los protagonistas, nuevos talentos que seguramente en el futuro darán qué hablar. Destacan por su química, por el buen rollo que desprenden en cuanto a grupo de chavales que se encuentran en una situación de fin del mundo literalmente: una invasión alienígena que ha diezmado el planeta mientras ellos están de campamento de verano.
 

El comienzo de Campamento Alienígena es un poco pesado, y eso que no es muy largo, pero sí que se percibe que le cuesta arrancar. Una vez lo hace parece que todo funciona mejor, sin necesidad tampoco de destrozar la película porque haya situaciones de la misma que parezcan un tanto forzadas. Y es que ya hay guiones que se pueden desmontar, y percibes en ellos que están compuestos de claros fragmentos como si fueran puzles que debemos encajar de alguna forma. Repito, salvo por estas cuestiones que son yo creo marca de la casa de este tipo de películas, la cinta funciona bien como producto de entretenimiento muy básico, teniendo momentos graciosos de parodia de cultura pop y con personajes bien presentados.

Más allá de todo esto, que nadie se espere una obra maestra, no lo es, Campamento Alienígena simplemente quiere divertirnos, hacernos pasar un rato agradable y lo consigue.

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Crítica de John Wick: Capítulo 3 - Parabellum (Chad Stahelski, 2019)

Chad Stahelski dirige la tercera entrega de la saga de “John Wick”. Deliciosa trama que concibió su socio y amigo Derek Kolstad y que, tal vez sin pensarlo en un inicio, esta historia del sicario del cachorro asesinado, está expandiéndose cada vez más. Ahora con este tercer capítulo del babayaga, la trilogía Stahelski/Kolstad/Reeves apuesta más alto y mejor por conservar intacto el prestigio ganado con las dos anteriores entregas.

Después de dos largas vueltas al Sol, “John Wick” vuelve a las carteleras cinematográficas con el Capítulo 3 de su adrenalínica historia. Al haber matado a “Santino D’Antonio” (un antiguo aliado y posterior enemigo) dentro de las instalaciones del mítico “Hotel Continental”, “La Orden Suprema” (o “High Table” en inglés) pone precio a su cabeza por la estratosférica cifra de 14 millones de dólares. En palabras de la mitología johnwiquesca, “John Wick” (Keanu Reeves) queda excomunicado, por lo que “John” tendrá una hora para huir y lograr ponerse a salvo de toda la jauría de despiadados colegas suyos que buscarán ponerle fin a su existencia. Pero ante la imposibilidad de salir de Nueva York en hora punta (rush hour), “Wick” decide hacer frente a lo que venga, a final de cuentas en algún punto del camino tendrá que portar el traje que mejor le queda: el de la muerte.

“Wick” nos ha llevado a lo largo de 3 películas por un sinuoso andar que te remite a tus más terribles sueños o temores: quedarte solo, sin más apoyo que tus propias habilidades; habilidades que han ido mermando con el tiempo; el desgaste por emplear tu energía en tus cometidos, objetivos o metas; ya no eres tan rápido como antes; ya no resistes como antes; ya tu sistema inmunológico no te defiende como antes; ya no eres el mismo de antes. Llega un instante en el que piensas que es tiempo de rendirte porque tu momento ha llegado. No se hable más. No se diga más. Una oscura tranquilidad habita tu mente…Pero tal vez, sólo tal vez, una antigua enemiga del hombre vuelve para su salvación: la memoria. Y el deseo de “John Wick” por seguir recordando el amor de Helen o, por lo menos, tener la oportunidad de merecer seguir recordando a su esposa, lo ponga a salvo nuevamente.

Laurence Fishburne e Ian McShane

Y para ello tendrá la necesidad de cobrar viejos favores a colegas a quienes ayudó en el pasado, como “Sofia” (Halle Berry). Este personaje resultará clave en el periplo de este tercer capítulo para “John Wick”. Tenía tiempo de no ver a Halle en algo memorable dentro del cine (tal vez desde su consagración en “Monster’s Ball” de Marc Foster); se le mira resuelta, segura en sus ejecuciones; loable labor de Berry en las escenas de acción: plano-secuencias enteros donde demuestra que practicó durante horas sus coreografías y realmente le han quedado estupendas. Un desdoble corporal energético con categoría.

Un viejo amigo de Keanu Reeves vuelve a aparecer junto a él: el frondoso Laurence Fishburne como “Bowery King”, el mandamás de la tribu urbana “El Barrio” y con quien sostendrá un diálogo final que representa un punto de inflexión importante para toda esta saga. También cabe agregar la participación de Mark Dacascos (a quien recuerdo en aquella curiosa pieza de acción de 1993, “Only the strong” junto a Paco Prieto) como el mortal enemigo de ocasión para John Wick interpretando a Zero. Y sí, en efecto, no podía faltar “Winston” (Ian McShane), que ha sido para “Wick” como el soldado del cuento de Aleksandr Afanasiev, que libera a “John” para que cumpla con su misión, con la quintaesencia de su filosofía: “¡Los mataré a todos!”.

Dos actrices también merecen mención aparte. Empezando con Asia Kate Dillon (“Billions”, “Orange is the New Black”) como “La adjudicadora” (o “The adjudicator” en inglés), quien será la mano fiscalizadora de “La Orden Suprema” en la agobiante persecución a “John Wick”. Fría y taciturna (qué bien le quedan estos condimentos a su rostro cuando está serio), no dará marcha atrás en su objetivo final: la cabeza de babayaga.

Halle Berry

Y qué decir de la primerísima actriz Angelica Huston (“El honor de los Prizzi”, “La maldición de las brujas”) como “La Directora” de la “Roma Ruska” (un órgano adyacente, pero disociado de “La Orden Suprema”), que canjeará el resguardo de “John Wick” por un viaje a Casablanca, Marruecos para éste. Sabia y contenida, Angelica Huston ejecuta sus diálogos a cuadro y agrega un plus invalorable al cast entero del film de Stahelski, quien no ha escatimado (como ya es su sana costumbre) en las perfectamente coreografiadas, salvajes, estrujantes, por demás sangrientas secuencias de acción. Un festín de lucha en la casa de los cuchillos voladores, acupuntura mortal y hachas; duelos a todo gas en dos ruedas con katanas; y tintes de western urbanizado y motorizado para delicia de los miles de fans que “John Wick” ha generado en estos cinco años de existencia cinematográfica.

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Crítica de 'El Hijo': ¡Viene a conquistar la taquilla... y algo más!

Pocas son las películas que pueden ser transgresoras y suponer una sorpresa en la taquilla. Especialmente cuando la cartelera está prácticamente copada por superhéroes y productos dirigidos al público masivo. El cine sin duda está reviviendo un cambio. Muy tímido, pero poco a poco va asomando la patita una leve transformación o regreso a lo que siempre ha sido: Películas de todo tipo, con múltiples historias diversas.

La cuestión, es si el público puede experimentar también ese cambio o no, especialmente, cuando muchas de estas películas ya no se estrenan en pantalla grande y pasan directamente al formato doméstico o a alguna plataforma de streaming. Así estamos ahora. Pero con “El Hijo” (Brightburn), llega una película que puede ser una sorpresa. Un thriller que coge la idea de Superman y le da una vuelta de tuerca que, al menos en los cómics, se ha explotado exitosamente en multitud de relatos.

Elizabeth Banks es una madre ciega (o parcialmente ciega) en El Hijo

La historia del hombre del mañana ya la conocemos. Llega un bebé en una nave que aterriza en una granja de Kansas. El bebé crece y va descubriendo que no es como los demás seres humanos, que tiene habilidades que le hacen especial. El protagonista de El Hijo, Brandon, es tan consciente de ser especial que viene con una misión: Hazte con el mundo. Y este pequeño no ha venido para ser nuestra inspiración, ni para que le sigamos bajo el sol cuando realice grandes gestas. No, este niño quiere matarnos, es un psicópata de manual. Y aquí es donde la película se convierte en uno de los grandes ejercicios cinematográficos de este año.

Pues con poco presupuesto, y una idea conocida de sobra, el equipo tras “El Hijo” es capaz de hacer un producto que resulta totalmente nuevo y original. Seguramente ya habrás leído o visto alguna historia sobre “un Superman malo”, pero esta cinta no es de superhéroes, no vamos a ver efectos especiales para el fandom ni nada por el estilo. Aquí, en El Hijo, nos adentramos en un relato asfixiante, crudo, inquietante y deliciosamente gore.

Jackson Dunn es el desconcertante protagonista de El Hijo

Una película muy atrevida, producida por James Gunn (Guardianes de la Galaxia), una cinta que espero y deseo rompa absolutamente con la taquilla y suponga el regreso definitivo del thriller tal y como lo conocemos, al más puro estilo Hitchcock, con mucho suspense y mucha tensión en la que se sugieren las cosas más horribles. Hay mucha valentía tras este proyecto. Espero que estas ganas de innovar regresen a los estudios y volvamos a tener películas con un sello personal y sobre todo, sencillas, sin complicaciones, cintas que te impacten. El Hijo viene para conquistar la taquilla. Esperemos que lo consiga, lo merece, y mucho más que cualquier remake o repetición de películas que ya hemos visto.

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Crítica de 'Detective Pikachu': El tierno comienzo de una nueva franquicia

Yo he sido un niño Pokémon. He jugado a los juegos, vi la serie de animación, vi también la primera película que se hizo. Luego crecí y como que me olvidé un poco de estos personajes, pero eso no significa que me dejasen de gustar. Y ahora, con Detective Pikachu, regresan en una nueva historia, basada en un juego spin off de la saga original, y con la intención de convertirse en una nueva franquicia de cine. Comandada por Ryan Reynolds, cuyo Deadpool ahora se encuentra en el limbo debido a la compra de Fox por Disney, el actor sin duda está demostrando tener buen ojo para hacerse con personajes importantes.

Producida por Legendary, es decir, con dinero procedente de china y Japón, Detective Pikachu es una tierna aventura y no la comedia que aparenta en su tráiler. Hay momentos graciosos sin duda, pero el trasfondo de la historia tiene más enjundia. Y también una gran virtud: la sencillez. Porque la peli se limita a ser lo que es, una metáfora de lo que podemos conseguir como seres humanos, pues eso son los Pokémon, criaturas que evolucionan siempre para intentar ser mejores. Y al mismo tiempo nos brinda un mini thriller, una pequeña historia de investigación con Tim Goodman (Justice Smith) un joven que busca a su padre desaparecido.

 Justice Smith y Kathryn Newton en Detective Pikachu

Con economía de medios, porque tampoco el presupuesto de la misma es desorbitado en Detective Pikachu, se ha logrado una buena fotografía, unos buenos escenarios, un gran realismo en el aspecto de los Pokémon y desde luego se transmite muy bien esa sensación de convivencia entre los humanos y estos animales. Queda ahora la pregunta siguiente: teniendo en cuenta que ahora el cine está plagado de superhéroes, en un contexto en el que se han mutado los gustos y preferencias de los espectadores, ¿recuperarán los Pokémon su nicho de mercado? Yo sinceramente lo espero, de hecho, creo que esta película no deja de ser puramente generacional y ese es quizás su factor limitante, pues las nuevas generaciones no conocen Pokémon. Aun así, le deseo el mayor de los éxitos porque Detective Pikachu es una película con entidad propia sin pretensiones y que si en el devenir de la franquicia se mantiene en la misma línea, puede tener un buen funcionamiento.

En Asia desde luego va a arrasar. Id al cine, dejaros llevar, porque Detective Pikachu mola.

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Crítica de 'Vengadores: Endgame'

Escribo estas líneas sabiendo que, pese a que Disney ya nos ha avisado del tremendo éxito que ha tenido Vengadores: Endgame en taquilla (los números son impresionantes), no todos habrán visto la película, por lo tanto, no voy a hacer ningún spoiler.

Lo que sí que haré, es mencionar algunas cosas a nivel de guión y apartado técnico para argumentar mis impresiones acerca de la película, pero sin revelar nada importante así que, ¡podéis leer con tranquilidad!

Vengadores Endgame es el fin de una era. Diez años de películas que empezaron con Iron Man en solitario, y que ahora, tras el ya de por si destacado trabajo de Infinity War, ha reunido a una auténtica familia que va a marcar a varias generaciones.

¿Qué vendrá a partir de ahora? Solo el tiempo nos lo dirá. Por lo pronto hay anuncio de más Doctor Extraño, más Black Panther…y a mí, personalmente me surge una pregunta: ¿Tendrán estos personajes el mismo eco, el mismo impacto emocional que han supuesto estos diez primeros años de vida de Marvel Studios? (No nos olvidemos que Marvel, en el fondo, lleva más años haciendo películas, los X-MEN, el primer Hulk, Daredevil, Spiderman)

Vengadores... Reunidos... XD

Tras esta particular digresión que lanzo a los lectores, toca entrar directamente en el Fin del Juego que nos muestra Vengadores Endgame, el capítulo final de este viaje apoteósico que me ha dejado sonrisas y también lágrimas, mucha épica (el ingrediente que Marvel hacía tiempo que no tenía) y desde luego ganas de una pausa, de un tiempo de descanso, y ganas de más aventuras, pero esta vez sin saturar demasiado.

Todos en cierta medida sabemos lo que ocurre en este film, el argumento: La mitad de la población del universo destruida, Thanos en busca y captura, y la necesidad de obtener una mínima oportunidad para reparar el daño causado.

Iron Man, Thor, Viuda Negra, Hulk y Ojo de Halcón se reúnen de nuevo para buscar al genocida de Titán y vengar a los caídos. Más allá de esto, la cinta consigue hacer un homenaje, y al mismo tiempo plantear algo nuevo para el futuro. Porque en el conjunto el film es eso, un tributo a sí mismos y a lo que han sido estos diez años de aventuras. ¿Cómo es esto? Tendréis que ver la película para saberlo. Hay grandes momentos, como pasaba en Infinity War, escenas de mucha épica, y un buen cierre de tramas principales, con sorpresas en algunos personajes.

Thanos pensaba que se iba a poder "jubilar" e irse de rositas... pero sobre él caerá la justicia de Los Vengadores.

Ahora bien, y es aquí donde entra lo negativo, al final, la esencia de la película se vuelve un poco contra ella misma. Me explico. Como sucedía en la anterior, juntar a tantos personajes implica que cada uno debe tener su espacio y su momento de gloria. Pues al final, creo que hay más secundarios que principales. Esto puede descompensar un poco a nivel argumental, pero tampoco es que sea un hándicap que impida el disfrute de la película. Eso sí, creo que a Marvel y Disney se les está yendo un poco de las manos el asunto del marketing y las cuotas de poder en relación a los personajes femeninos y, me refiero en concreto a cierto personaje de reciente incorporación que, una vez más demuestra mi teoría de que es superfluo y no sirve para nada, además de que provoca uno de los momentos más ridículos de toda la saga.

Independientemente de todo esto, VENGADORES: ENDGAME es una fiesta para los sentidos. Se disfruta enormemente. El metraje de tres horas, lejos de parecer excesivo, viene bien y es lo que garantiza precisamente que el guión se cohesione mejor. Ha sido un placer acompañar a estos personajes durante diez años y espero que el futuro nos depare algo sino mejor, que por lo menos esté a la altura.

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Crítica de 'La Llorona': Expandiendo el universo de The Conjuring con mitos latinos

Quien iba a decirnos que Expediente Warren iba a suponer el nacimiento de un “Universo” particular de fantasmas y espíritus inhumanos diversos. Y es que estas películas van teniendo sus seguidores fieles a medida que se estrena una nueva entrega.

Este año, tenemos esta “La Llorona” de la que vamos a hablar a continuación, y en unos meses Annabelle vuelve a casa, en una nueva película donde el matrimonio de parapsicólogos regresa para frenar los desmanes de la muñeca diabólica. Pero ahora, la cosa va de folklore mexicano, de una de las leyendas más conocidas del país. Una cinta que a la crítica internacional no le está entusiasmando demasiado, pero al que escribe esto si le parece que responde perfectamente a lo que se puede esperar de ella.

En mayor o menor medida, todos conocemos la historia de la Llorona. De esa mujer que en un arrebato de celos mató a sus hijos, y después se suicidó. Ahora, vaga como un alma en pena, buscando nuevos hijos que reemplacen a los suyos. La protagonista de la película, una mujer que acaba de enviudar y que es asistente social, se topa con un caso extraño: una mujer que protege a sus hijos de la Llorona, pero la protagonista no conoce nada de esta leyenda…hasta que uno de sus hijos, escucha el llanto del espíritu, lo que supone, que la maldición ahora va a por ellos.

Hora y media de inquietud y de misterios que aparentemente no tienen explicación en una cinta que podría firmarse con “basada en hechos reales” porque consigue perfectamente que te creas que esto ha sucedido.

Como dicen algunos, quizás no sea la mejor de la franquicia de The Conjuring. Pero es que yo a esto le añado: La historia es la que es, y no da para mucho más. ¿De verdad es necesario ahondar en cuestiones emocionales o metafísicas de algún tipo? Creo que la filosofía de esta saga no es esa, sino precisamente la de ilustrar esos acontecimientos extraños con sencillez. Otra cosa es que la película pueda pecar de que haya demasiados sustos, eso también es posible, pero en esta ocasión tampoco es demasiada molestia porque precisamente la ejecución del relato está muy bien llevada, te mantiene pendiente en todo momento de lo que va a suceder.

¿Cuántas películas de acción con efectos especiales pueden presumir de lo mismo a día de hoy? En fin, espero que la disfrutéis y que La Llorona no vaya a por vosotros… XD

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Crítica de 'Lo dejo cuando quiera': Un Breaking Bad a la española

El próximo 12 de abril llega a nuestras carteleras “Lo dejo cuando quiera”, una nueva comedia española producida por Mediaset y Movistar, que es además un remake de una película italiana.

Esto de los remakes extranjeros, es una moda que parece estar extendiendo Telecinco, ya que hizo lo mismo hace unos años con Perfectos desconocidos, brillante film por otro lado realizado por Alex de la Iglesia y cuya versión original podemos encontrar actualmente en Netflix bajo el título “El Juego”. Los mismos productores de esta, y de Superlópez, ponen ahora el ojo en una historia realmente divertida, un Breaking Bad buenrollista y gamberro, con pocas pretensiones, salvo la de hacernos pasar un rato entretenido, algo que, sinceramente, consigue con creces.

El trio protagonista, compuesto por caras muy conocidas de la comedia como son David Verdaguer, Ernesto Sevilla y Carlos Santos, se ha dejado la piel estudiando una carrera universitaria para acabar en trabajos mal pagados y no poder hacer lo que verdaderamente les gusta. La vida, como a muchísimos españoles que optaron por la ciencia, les juega malas pasadas y entonces deciden aprovecharse de la situación para convertirse en unos auténticos triunfadores: vender unas pastillas que potencian la concentración entre el público estudiantil.

Ernesto Alterio es el mafioso villano de "Lo Dejo Cuando Quiera"

Es aquí donde “Lo dejo cuando quiera” comienza a narrarnos una cadena de acontecimientos que los lleva a estar en las manos de un mafioso (Ernesto Alterio) y una atractiva policía (Cristina Castaño) que no cejará en su empeño en desmantelar a la nueva y peligrosa “banda” criminal que está llenando las discotecas con una nueva y peligrosa droga.

Divertida, repleta de situaciones enloquecidas y actores secundarios de lujo como Luis Varela o Amaia Salamanca, “Lo dejo cuando quiera” es una de esas películas que atraerá en masa al público joven y también logrará hacernos pasar un rato entretenido y de muchas risas.

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Crítica de Emboscada Final: La caza de Bonnie y Clyde según Netflix

Netflix vuelve a estrenar un peliculón. Con “Emboscada Final”, nos encontramos nuevamente con una cinta que perfectamente podría haber acabado en pantalla grande, pero debido a vicisitudes de los estudios actuales, se ha decidido que en las salas grandes solo cabe un tipo de películas.

Dirigida por John Lee Hancock, guionista que ha trabajado con Clint Eastwood cuando este hizo Medianoche en el jardín del bien y del mal, y un Mundo Perfecto, dirige una historia que nos cuenta cómo se atrapó a los legendarios Bonnie y Clyde.

Protagonizada por Woody Harrelson, Kevin Costner y Kathy Bates, “Emboscada Final” es una cinta que tiene todos los ingredientes de un buen noir. Intriga, corrupción, política, y dos personajes principales que buscan la redención, pero, al mismo tiempo, demostrar que no son dinosaurios en el mundo de los locos años treinta posteriores al crack del 29. Harrelson y Costner interpretan a los dos Rangers de Texas a los que recurren cuando ni el FBI ni ninguna otra agencia de policía ha sido capaz de atrapar a la pareja de delincuentes, que allá por donde van, dejan un reguero de sangre.

“Emboscada Final” podría perfectamente haber sido dirigida por Clint Eastwood, está narrada muy a su estilo. Es de ritmo pausado, y nos presenta muy bien a los personajes, incluso a los dos villanos, que solo aparecen un momento al final, pues en toda la película se les representa casi como fantasmas, como sombras que deambulan en un coche y como si fueran una maldición que aparece de vez en cuando para sembrar el pánico.

Además, cabe destacar las interpretaciones de los veteranos protagonistas, que demuestran que siguen siendo grandes actores y que han sido relegados a un injusto lugar por parte de la maquinaria de Hollywood.

En definitiva, para todos aquellos que se quejan de que Netflix no tiene buen producto cinematográfico, “Emboscada Final” es una muestra más de todo lo contrario. Ojalá la mayor parte de las cintas que llegan a la sala grande reuniese esta calidad.

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Crítica de 'Dumbo': la versión en imagen real del clasico Disney segun Tim Burton

“Me has hecho ser niño otra vez” dice un alucinado Michael Keaton en el film cuando ve a Dumbo, el elefante volando a su alrededor. Una expresión que yo adopto como espectador de una película realmente maravillosa. Una nueva versión de un clásico que brilla con luz propia y todo gracias a la magia y al corazón que Tim Burton ha puesto en cada detalle de la película, la cual, él tenía muchas ganas de hacer. Y es que cuando un creador está a gusto con una obra, se nota en todo momento.

Ya es habitual que en mis artículos sobre películas de la casa del ratón avise sobre si los niños muy peques pueden verla o no. De nuevo lo digo porque creo que debo hacerlo. Y es que este nuevo Dumbo tiene mucho más guión que su predecesora. Me explico. Hay una serie de cuestiones mostradas con sutileza que solo alguien muy avezado captará, no guiños a la obra original, sino cuestiones de los personajes (Holt, el protagonista interpretado por Colin Farrell, regresando de la guerra). Y es que los primeros cinco minutos de la película son de gran impacto emocional, y Burton no tiembla a la hora de lanzarnos dichos mensajes.

Holt y su familia junto a Dumbo

No solo se habla de la familia, una vez más, como núcleo fundamental y vertebrador. Se trata de la familia más allá de los lazos de sangre, de aquellas personas unidas por otras cuestiones. Además, en Dumbo también se hace un retrato sociológico del período de entreguerras y poco antes de llegar al Crack económico, un momento en el que la sociedad estaba sumida en una grave crisis espiritual y rota por todos aquellos que perdieron por los horrores de la guerra. Es en este contexto donde surge la historia del tierno elefante que todos conocemos:

Dumbo nace con unas orejas muy grandes, no es un elefante normal, por lo que enseguida adquiere el estatus de freak, que sufre al principio la incomprensión de otros freaks del circo Medici. Pero serán los hijos de Holt, los que conectarán con el elefante y le ayudarán a reunirse con su madre.
 

Ecos del Gran Gatsby de Fitzgerald, esa opulencia de algunos y la extrema pobreza de otros; la crítica al capitalismo desmedido y sin escrúpulos. Elementos que enriquecen una historia, dándola profundidad dramática pero al mismo tiempo un toque esperanzador y una oda preciosa a la libertad. Tim Burton, con Dumbo, ha regresado tras algún que otro fracaso estrepitoso, con una película preciosa, repleta de ternura y que nos devuelve la fe en nosotros mismos. No os la perdáis.

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La Protectora: Noomi Rapace también se apunta a las plataformas de V.O.D.[CRÍTICA]

Disponible ya en varias plataformas de video bajo demanda y próximamente Netflix, La Protectora es la nueva película protagonizada por Noomi Rapace (trilogía Milenium, Sherlock Holmes), un thriller de acción al más puro estilo tradicional, con una historia sencilla y un planteamiento básico para que la acción sea el plato principal del film.


Desde luego y como bien asegura un colega, desde hace diez años a esta parte, ha habido una mutación en el estilo de películas que se estrenan en pantalla grande, siendo desterradas algunas que antes tenían su hueco en salas y que para las que ahora hay que recurrir al streaming para verlas en dispositivos o en televisión directamente. Algo que no es un deshonor ni mucho menos (la primera de John Wick llegó a España por esta vía y con Triple Frontera hemos visto recientemente otro ejemplo similar), pero sí que me llama la atención cuando escucho a tanta gente quejarse de que en el cine no se estrena nada que no sean superhéroes. Bueno, pues la solución es sencilla: Id a ver otro tipo de películas más a menudo y entonces volveremos a tener más variedad.

Como decía en La Protectora, la propuesta es muy sencilla. Sam (Noomi Rapace) es una ex militar especializada en servicios de escolta a personajes diversos. Inserta en una crisis personal, recibe el encargo de proteger a una joven heredera de una importante fortuna. Y lo que a simple vista parece un encargo sencillo, poco a poco se va transformando en una carrera por sobrevivir en un país desconocido. Sam tendrá que proteger a la joven Zoe (Sophie Nelisse), quien poco a poco se va convirtiendo también en una amiga, casi en una hermana pequeña.

Un film muy facilón, con una trama algo plana pero que no es aburrida, mantiene bien el interés y sobre todo, tiene un gran acierto, la actriz protagonista, que demuestra que está hecha para este tipo de personajes de acción. En definitiva, La Protegida resulta una cinta entretenida y que es un buen divertimento para una sobremesa, no pidáis más porque tampoco lo tiene y no lo necesita.

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