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11 de febrero de 2020

El olor de la pobreza: De Cosmopolis a Parásitos, pasando por Joker

Una familia de Parásitos


Eric Packer (Robert Pattinson), un joven millonario propietario de un fondo de inversión lleva todo el día recorriendo la ciudad de Nueva York. En el interior de su limusina, no se escucha nada de lo que sucede en la calle, y prácticamente tampoco se ve. Es una burbuja en la que además encierra sus miedos, sus prejuicios. Se aísla del mundo. Porque él vive en una realidad paralela, hasta que, en el final de su viaje, se encuentra con el pasado, y se topa de bruces con la crudeza, personificada en Benno Levin (Paul Giamatti), un antiguo empleado.

Este hombre, de mediana edad, vive en una zona muy diferente a la de los rascacielos y los hombres trajeados. La atmósfera que le rodea es oscura, deprimente, repleta de suciedad. Una existencia marcada por el caos, en comparación con la de Eric, donde reina el orden. El frío orden de los números y los gráficos que se reflejan en una pantalla. Las matemáticas son fiables, exactas, te muestran lo que ocurre con el flujo de los mercados bursátiles. Aunque también puede ser que esos números muestren lo que uno quiere ver. O directamente es que nada de lo que aparece en las pantallas que Eric observa existe de verdad. ¿Y si todo es ficticio? La limusina, las bebidas, los asientos de cuero, su traje, sus poses, sus amistades. ¿Qué es más verdadero? ¿Su vida o la de Benno Levin, condenado a vivir casi en la clandestinidad? Pues en ese encuentro que cierra la película, Eric se topa definitivamente con la realidad: “¡Huéleme!” le espeta Benno mientras le apunta con un revólver a la cabeza. Se lo pide más veces, para que quede claro que el olor que emana es lo que le define. El olor de la miseria, de la ira, de la pobreza a la que las élites someten a las clases más pudientes, y a los suyos propios cuando estos no obedecen los designios de los que mandan. Eric satisfecho, solo mira al vacío, porque ya ha encontrado lo que necesitaba, eso que llevaba ansiando desde que ha salido de su oficina y se ha montado en la limusina. No quería solo un corte de pelo nuevo. Necesitaba saber si, como diría Henry David Thoreau, realmente, está viviendo.

Robert Pattinson en Cosmopolis


Así adaptaba David Cronenberg la novela de Don Delillo en el año 2012, tiempo después de la caída de Lehman Brothers y de que la realidad financiera nos diera a todos en las narices. Cronenberg ya había comenzado en años precedentes un particular cambio de registro en su filmografía (muy centrada en la ciencia ficción y el terror) para adentrarse en otros géneros y situarse en un plano más cercano al thriller. Lo hizo de forma brillante con Una historia de violencia y Promesas del Este, cintas marcadas precisamente por las consecuencias que genera la violencia en los seres humanos y, especialmente, en el terreno familiar. Después sorprendió a todos con Cosmopolis, y no es para menos. Precisamente porque en esta cinta, Cronenberg ya realiza un ejercicio sensacional de manejo de diferentes géneros, al comenzar lo que puede ser un thriller financiero pero que a medida que el metraje avanza, evoluciona hasta convertirse en una auténtica distopía que poco tiene que envidiar a Orwell u otros ejercicios similares de este tipo de literatura. Una distopía en la que no solo colapsa el particular imperio financiero de Eric, sino que, con él, explota el mundo entero.

El joven mira siempre al vacío de su propia existencia, encerrado en su brutal narcisismo; escucha, ve, y siente lo que sucede fuera de su limusina, pero es incapaz de albergar una mínima partícula de empatía. Es incapaz de admitir lo que sucede, el fin de una etapa, y el comienzo de otra en la que seguramente él no tendrá ningún papel.

Paul Giamatti en Cosmopolis

Cosmopolis es una cinta de intriga, es un drama personal, es un thriller. Pero también es una cinta de terror que se adentra en el universo de la distopía, ya que toda la miseria, los gritos, la destrucción que suceden alrededor de la limusina del protagonista, podrían suceder en cualquier momento. De hecho, al contemplarla ahora, no sería extraño esperar que en la cinta apareciese en algún momento el Joker interpretado por Joaquín Phoenix y mirase a la cámara para preguntar: “¿Soy yo, o todo el mundo está loco?” Se le podría preguntar a Todd Phillips si además de haberse fijado en Scorsese, ha podido inspirarse también en esta Cosmopolis tan sugerente. Ya que, en cierto modo, comparte una estética apocalíptica (las imágenes de la violencia callejera, la basura acumulada en los rincones de Gotham y Nueva York, son muy similares), y el malvado de los cómics de Batman no es sino la posible consecuencia de los actos perpetrados por gente como Eric Packer (el cuál, Todd Phillips reproduce en Thomas Wayne).

Igual que quien esto escribe ha pasado varios días reflexionando sobre la posibilidad de que el coreano Bong Jon Hoo haya estudiado a fondo esta obra de Cronenberg y le haya dejado huella en su multipremiada Parásitos (que ha ganado doble Oscar como película y película extranjera, marcando un hito histórico). Más allá de discusiones sobre si los premios han sido merecidos, porque no es el objeto de este ensayo, es adentrarse un poco en propuesta de Hoo para encontrar esas similitudes con el film del Cronenberg.

Parásitos nos cuenta la historia de dos familias. Una de clase alta, que vive en una urbanización de lujo de Seúl, y la otra de clase baja, habitantes de una barriada donde los buenos días se traducen en recibir en su domicilio las micciones de un vecino que constantemente empina el codo. Ambas familias viven en universos propios, totalmente distintos entre sí; mientras los ricos en apariencia no tienen ninguna preocupación, los más desfavorecidos luchan a diario por poder llevar algo de comida a su mesa. Y el destino hará una jugada en la que ambas familias poco a poco se irán uniendo de formas imprevistas. Poco a poco, la familia de clase baja se irá convirtiendo en un parásito de la otra familia. Pero la propuesta de Bong Jon Hoo no es tan sencilla. Sería muy fácil quedarse en la superficie de lo evidente: los de clase baja quieren vivir a costa de la familia rica.

Familia rica Parásitos

Porque al igual que sucede en Cosmopolis, dos realidades paralelas se van superponiendo la una a la otra, y la aparente frontera que marca una diferencia entre ambas se va difuminando. En Parásitos también se nos cuestiona la realidad, nos hace que nos preguntemos si hay efectivamente una o depende de los ojos con los que la miremos. Porque está claro que los ricos tienen comida en su nevera, y colegios caros con una buena educación, y trabajos muy bien remunerados. Además de una gran casa con jardín desde la cual solo se ve lo que rodea la pequeña parcela pero no se observa nada más. La percepción de la familia rica llega hasta un punto, pero cuando la otra familia irrumpe en su realidad, llega el momento Benno Levin de Parásitos, en el que el padre rico habla con su mujer: “Huelen de una forma particular ¿no crees? Los pobres tienen un olor especial”, y lo hace sin ser consciente de que los Parásitos están dentro de su casa, escuchando con atención.

Un punto y aparte en la cinta, que marca otra similitud con Cronenberg, y es mostrar a ese padre de familia adinerada como otro Eric Packer, que desprecia abiertamente a los que no son como él. Hoo además coincide con el director de Cosmopolis en el planteamiento de su cinta. Ambos beben de diferentes géneros, los mezclan, juegan con ellos de forma magistral, creando en sus respectivas películas giros de guión que nos muestran un sustrato común: el olvido del Otro, la ausencia de alteridad que es cada vez más común en todas las sociedades. Y en esta particular “Trilogía del Dolor” se ve claramente cuáles son las consecuencias de esa ausencia de empatía. No es el olor de la pobreza, sino el aroma que desprende la deshumanización creciente, y en cualquier momento podríamos encontrarnos en el autobús con un hombre que no para de reírse, porque “la vida no es un drama, sino una puta comedia”. 

Joaquin Phoenix en Joker

6 de febrero de 2020

Tráiler de 'Los Minions: El Origen de Gru' - Estreno en cines julio de 2020

Tráiler de 'Los Minions: El Origen de Gru'

La secuela de "Los Minions" y precuela de "Gru: Mi Villano Favorito" tuvo su momento de gloria durante la pasada SuperBowl 2020 y tras ese pequeño avance, por fin nos llega el tráiler completo de "Los Minions: El Origen de Gru".

Esta película de Ilumination sigue lo visto en la primera entrega de Los Minions y muestra como estas simpáticas criaturas se alían con el que será su "Villano Favorito".

"Los Minions: El Origen de Gru" (Minions: Rise of Gru) aún no tiene fecha de estreno exacta, pero desde Universal Pictures Spain nos indican que la podremos disfrutar en Julio de este 2020. ¡Aquí tenéis el tráiler!



Sinopsis oficial 'Los Minions: El Origen de Gru'


Son los años 70 y Gru (con voz en VO del nominado al Oscar® Steve Carell) crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, Los Salvajes Seis, Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos. Juntos, Kevin, Stuart, Bob, y Otto —un nuevo Minion con aparato en los dientes y desesperado por sentirse aceptado— desplegarán su potencial para construir junto a Gru su primera guarida, experimentar con sus primeras armas y llevar a cabo sus primeras misiones.

Cuando Los Salvajes Seis echan a su jefe, el legendario luchador Wild Knudillos (con voz en VO del ganador de un Oscar® Alan Arkin), Gru decide hacer la entrevista para que lo acepten como miembro del grupo. Pero fracasa en el intento y la cosa se pone aún más fea cuando intenta demostrar ser más astuto que ellos y acaba convirtiéndose en su enemigo mortal. Tratando de huir, Gru recurrirá a la insospechada ayuda del propio Wild Knudillos y descubrirá que hasta las mentes más perversas necesitan de vez en cuando la ayuda de sus amigos.

Crítica de 'Aves de Presa y la fantabulosa emancipacion de Harley Quinn'

Crítica de 'Aves de Presa y la fantabulosa emancipacion de Harley Quinn'

DC ha encontrado su lugar en el panorama de películas superheroicas. En otros artículos ya comentábamos que acabarían hallando un estilo personal que les diferenciaría de Marvel y seguramente para mejor. Muchos profetizaron que con Zack Snyder no iban a ninguna parte, y también seguramente estos mismos agoreros sean los que ahora piden ver el Snyder´s Cut de la Liga de la Justicia. Paradojas de la vida. El caso es que ahora tienen un camino trazado. Más bien una doble vía: por un lado, películas de presupuesto alto dedicadas a los personajes más icónicos como Wonder Woman o Batman, y, por otro lado, cintas de bajo presupuesto y que además tengan un sello personal de autor como la masterpiece Joker. Aves de Presa ronda los 75 millones. No es un presupuesto alto, y sin duda, tiene un sello personal. Tan solo sea porque el personaje de Harley Quinn pertenece a Margot Robbie y su productora, de tal forma que todo lo que concierne a la enloquecida novia del Joker, lo decide la actriz, una tendencia que ya se viene dando con Ryan Reynolds y Deadpool, y con Dwayne Johnson y su próximo Black Addam en Shazam. Los actores se adueñan de personajes, se buscan sus propias franquicias y se las producen ellos mismos, al margen de los estudios.

Y puede ser cierto que esto de buenos resultados porque Aves de Presa, sin duda es un soplo de aire fresco, además de que es sin duda de las mejores películas de acción que se pueden encontrar en el subgénero de los supertipos. Porque decir que esta cinta es de superhéroes es mentira, pero tenemos la manía de etiquetarlo todo para simplificarnos la vida, por lo que diremos que la cinta de estas antiheroínas se engloba dentro de los superhéroes.

Margot Robbie y Ewan McGregor en 'Aves de Presa y la fantabulosa emancipacion de Harley Quinn'
Margot Robbie y Ewan McGregor... entre otros

Bien, la película Aves de Presa (Birds of Prey) nos la narra la propia Harley “como a ella misma le sale de los ovarios”. Nos relata un breve prólogo para los que aun no la conozcan en el que se explica de forma abreviada su origen y después nos lleva al punto de partida de la cinta: su ruptura con el señor J, su pastelito, o sea, el Joker. Y esto supone que pierde la protección, por lo que se convierte en blanco de mercenarios y asesinos diversos; a esto hay que añadir que Máscara Negra (un brillante Ewan Mcgregor) busca un diamante en el que se ocultan cuentas bancarias de un antiguo líder de la mafia de Gotham. ¿Cómo se entremezclan las locuras de Harley con la búsqueda de la joya? Pues tendréis que ir al cine para averiguarlo.

Aquí lo que interesa es destacar principalmente dos cosas: primero, el tono de Escuadrón Suicida sigue presente en esta cinta, y funciona mucho mejor que en su cinta precedente, por supuesto porque Margot Robbie es una gran actriz y aquí desarrolla mucho mejor su personaje, mostrando no solo su lado más sicalíptico sino que también tiene una gran inteligencia y un código moral muy particular. Una villana de aquella manera vamos. Y por otro lado, la estructura narrativa, muy loca, con saltos temporales que obligan al espectador a estar muy atento a los acontecimientos.

Las chicas de Aves de Presa
En Aves de Presa nos encontramos a Harley, a Canario Negro, a la Cazadora,
a una joven Cassandra Kain (futura Batgirl) y a Renee Montoya (una agente de la GPD)

No es que sea una película difícil de entender pero en fin, hay que prestar atención a los detalles y a los cambios de tiempo. Y no perder de vista tampoco el subtítulo de la película: la fantabulosa emancipación de Harley Quinn, porque hay un subtexto muy interesante acerca del concepto emancipatorio, una evolución personal de Harley de la dependencia psicológica hacia su fortaleza interior para sobreponerse a todo. La directora, Cathy Yan, demuestra además que las escenas de acción no son ningún problema y como ya pasara con Aquaman, son de las mejores escenas rodadas en una cinta de este tipo, muy en la línea de lo que podemos ver en John Wick, combates bien hechos con planos generales donde vemos y percibimos bien los golpes y los disparos. Algo que se diferencia con Marvel donde la acción abusa de primeros planos y de un montaje más frenético.

En definitiva, Aves de Presa nos sumerge de nuevo en los bajos fondos de la ciudad del murciélago, pero desde una óptica muy diferente, muy pegada al estilo del cómic (aunque las aves de presa de las viñetas son en concreto Batgirl y Canario Negro) y que sin duda es un placer para los sentidos. Nunca la emancipación había sido tan divertida.

1 de febrero de 2020

Locke & Key: Crítica sin spoilers de la primera temporada


2009 fue un buen año para mí. La crisis todavía no me había afectado y mis visitas a mi tienda de cómics favorita eran bastante habituales. En una de ellas, y ansioso por descubrir nuevas joyas, me dejé convencer por mi librero para leer un cómic titulado Locke & Key. Este venía firmado por Joe Hill, un nombre que me sonaba por ser el autor del libro “El Traje del Muerto”, pero del que no tenía más referencias. Sinceramente, una de las razones por las que me lo llevé a casa, además de porque mi librero solía acertar con sus recomendaciones, fue por el hecho de que apareciera la palabra Lovecraft en la portada, y siendo un fan del Solitario de Providence, me dejé seducir.

Eso fue agosto o septiembre de 2009 y tras leer el primer capítulo del tomo en el que Panini recopilaba los primeros números de la colección, tengo que admitir que me quede enganchado a la historia.

Para mí, Locke & Key fue una estupenda sorpresa y es una de esas colecciones que me gusta releer todos los años y de la cual no me canso nunca. Por ese motivo, cuando se hicieron públicos los anuncios de una posible adaptación, me puse en alerta con miedo a lo que pudieran hacer.

Desde entonces, ha llovido mucho. Hubo un piloto que fue rechazado y cuyo tráiler aun me fascina, un anuncio de película y tras muchas idas y venidas, la confirmación de que Netflix estrenaría Locke & Key en su plataforma, algo que tendrá lugar el 7 de febrero de este 2020.

Como parte de este medio especializado, ya he tenido la oportunidad de ver la primera temporada de Locke & Key al completo, y aunque no me prodigo demasiado últimamente en materia de series, mi vinculación personal con la obra de Joe Hill (que seguro que a estas alturas ya sabéis que es hijo de Stephen King) y Gabriel Rodríguez me obliga a hablar de esta esperada adaptación.

¿Qué nos cuentan en la primera temporada de Locke & Key?


La versión de Netflix (producida entre otros, por el director de las nuevas pelis de IT, Andy Muschietti), nos cuenta básicamente lo mismo que el cómic, pero con pequeñas diferencias: La familia Locke ha sufrido un traumático suceso en la que ha estado involucrado un alumno del patriarca familiar y que le ha costado la vida a este.

Tras eso, la viuda Locke, y sus tres hijos, se mudan a la casa familiar de su esposo, un lugar asombroso en el que, poco a poco, descubrirán secretos de la vida anterior del Sr. Locke.

Los jóvenes Locke se erigen como guardianes de las Llaves de Key House (Locke and Key)
Los jóvenes Locke se erigen como guardianes de las Llaves de Key House

Así pues, la mayoría de la acción de Locke & Key transcurre en la llamada Casa de las Llaves, un lugar que nos recuerda a las viejas casas victorianas que hemos visto en tantas historias de terror y en la que lo sobrenatural llega de la mano de una serie de llaves mágicas que son el principal leit motive de la historia.

Sinceramente, siento no contar más detalles, pero creo que descubrir cada elemento de la serie forma parte del encanto del show, y si bien hay que decir que la serie me parece excesivamente enfocada a los conocedores de la obra original, estoy seguro de que cualquier aficionado a la fantasía y a las historias de fantasmas pillará todas dinámicas del show.

¿Es Locke & Key una buena adaptación del cómic?


Responder a esta pregunta no es fácil. Es algo que depende mucho de los gustos personales de cada uno, y como entenderás, al tener un vínculo tan especial como el que tengo con la obra original, criticar la serie de tv de Locke and Key de forma más o menos objetiva (como si eso fuera posible en una crítica jajaja) no es nada fácil.

Pese a todo, y como siempre, me voy a mojar y te voy a contar mis impresiones empezando por responder a la pregunta de ahí arriba: Si, el Locke & Key de Netflix es una buena adaptación del cómic.

Si no lo fuera, no me habría bebido los diez primeros episodios al ritmo que lo he hecho, pero también tengo que puntualizar que, si bien es una buena adaptación, sus cambios, necesarios o no, no hacen de ella una adaptación fiel, y te explico por qué.

Cualquier lector habitual de cómics que ha visto adaptaciones para cine o televisión, comprenderá a estas alturas que hacer una adaptación 100% fiel a una obra no es sinónimo de éxito.

Cierto es que hay gente que prefiere ver dos veces la misma historia en formatos diferentes, pero personalmente, yo prefiero disfrutar de productos diferentes cuya base común sea respetuosa con los autores, y porque no, con los lectores y espectadores. En este sentido, la adaptación de Locke & Key cumple y lo hace, además, ofreciéndonos sorpresas y novedades.

Bode es, sin lugar a dudas, el mejor personaje de la serie de Locke & Key
Bode es, sin lugar a dudas, el mejor personaje de la serie
Si bien es cierto que cuando empiezas a ver la serie te sorprenden cambios tan extraños como el de cambiar el nombre de la ciudad de Lovecraft a Mattheson, rebautizar a ciertos personajes, añadir nuevos o alterar los roles de los que conocemos de los cómics, la esencia de la obra de Joe Hill sigue ahí: tenemos una familia destrozada, una casa mágica y una trama con un ser maligno que busca hacerse con las llaves que hay en la casa de la familia Locke.

Entonces ¿por qué digo que no es fiel? Pues principalmente, porque falta muchísimo contenido en esta primera temporada. Aunque la he disfrutado mucho y he visto magistralmente adaptados muchos elementos del cómic, en mi opinión, estos primeros diez episodios, además de terminar con una explicación un tanto forzada, parecen haber sido víctimas de algún tipo de recorte o contratiempo que han hecho que el producto parezca inacabado o acabado apresuradamente. Eso, junto a una reducción del aspecto terrorífico, es algo que estoy seguro que le pasará factura al show.

Sin revelar demasiado, y solo viendo el tráiler, los fans del cómic verán que el avance de la primera temporada muestra elementos que se deberían desarrollar a lo largo de varias temporadas, sin embargo, en solo diez episodios han concentrado la trama de casi toda la obra original, dando esa sensación de prisas (sobre todo en los últimos dos episodios) que comento. Esto, sinceramente, ni es fácil de conseguir, ni ha sido una buena idea ya que deja en el aire muchas incógnitas que, si bien, no son determinantes, dejará con dudas a quienes no hayan leído los cómics. ¿A qué me refiero? Pues a que en ningún momento se cuenta el origen del villano, la razón por la que está en Mattheson / Lovecraft, ni cual es el origen de las llaves, algo que, en mi opinión, es primordial para desarrollar y adaptar por completo toda la mitología mágica que Joe Hill desarrolló en el cómic original.

Pese a todo, y esperando que haya una segunda temporada que ofrezca más material, no puedo condenar esta nueva serie de Netflix. Estoy seguro que, por sus arriesgados cambios (y no me refiero a decisiones lógicas como cambiar el aspecto de los afectados por la “Headkey o eliminar ciertos pasajes demasiado escabrosos), dividirá a los aficionados, algo que sinceramente se podría haber evitado fácilmente.

En fin, espero que la disfrutes (¡no te pierdas los simpáticos cameos de famosos!) y que, tras verla, te pases por aquí para comentarla con el equipo de De Fan a Fan.


30 de enero de 2020

Crítica de 'Las Aventuras del Doctor Dolittle'

Crítica de 'Las Aventuras del Doctor Dolittle'

Una vez más es necesario sacar a colación el manido debate acerca del cine industria o cine arte. Una vez más hay que defender el cine de género frente a la horda que es incapaz de comprender la existencia de películas que nacen sin ningún tipo de pretensión salvo la de hacer pasar un buen rato, es decir, productos que sirven para una evasión. Y también se hace imprescindible hablar sobre las diferentes visiones que se dan de personajes que han tenido una vida anterior al cine en las páginas de los libros. Porque claro, si el punto de partida para valorar esta película es tener en cuenta lo que hizo Eddy Murphy, ignorando que ya hubo versiones de cine y tv anteriores y que antes de todo esto, estuvo el Doctor Dolittle de los cuentos, entonces ¿Cuál e es el sentido de hacer una crítica a esta película? ¿Simplemente insultarla y denigrarla porque es la moda? Una vez más, y como ha ocurrido recientemente con Cats, Internet nos da una muestra de sus males, al crear una moda que la sociedad ha de seguir de forma ovejuna.

Pero no es el caso de quien esto escribe, que ha acudido a la sala de cine para poder ver esta película, sin ninguna expectativa concreta salvo la de dejarse llevar por la propuesta. Porque las películas también son eso, propuestas, y los espectadores podrían hacer alguna vez el sano ejercicio de contemplarlas desde esa perspectiva. Pero es más fácil no reflexionar y dejarse llevar por lo que digan el resto de las ovejas del obediente rebaño, lo cual por supuesto incluye el no acercarse a ver la película. Porque desde luego cualquier persona aficionada mínimamente al séptimo arte, si ve a este nuevo Doctor Dolittle interpretado por Robert Downey Jr., no podría en ningún momento aseverar con tanta rabia que se trate de una de las peores películas de la historia. Sobre todo sin verla. Un servidor la ha visto y la disfrutó, pasó un rato muy agradable y sintió que el dinero de la entrada había sido bien empleado.

Robert Downey Jr en 'Las Aventuras del Doctor Dolittle'

Para empezar a hablar del Doctor Dolittle, hay que tener en cuenta sus orígenes, en la pluma de Hugh Lofting, un escritor británico, coetáneo de Tolkien, CS Lewis, y posiblemente compañero de trinchera del creador de la Tierra Media durante la Primera Guerra Mundial. Lofting contempló el horror de la guerra, la muerte y la destrucción; y especialmente, vio con estupor el reguero de muerte que dejaba en los animales. Una chispa se encendió en su mente y entonces, ese miedo que él sufría comenzó a plasmarse en el papel bajo la figura del doctor John Dolittle, un médico de la época victoriana que tenía una especial empatía con los animales. Unas trece novelas se publicaron con las aventuras del personaje. Libros que en su momento fueron calificados como juveniles, algo que el autor siempre denostó porque él pretendía transmitir otra serie de cosas. De hecho, algunos estudiosos de la obra aseguran que en sus textos se puede percibir un trasfondo bastante pesimista acerca del ser humano.

Teniendo en cuenta estos datos ya se puede explicar el motivo por el que Stephen Gaghan ha realizado su película como lo ha hecho. Él fue lector de niño de los libros, y ahora quería hacerles un regalo a sus hijos, para que estos sintieran lo mismo que él experimentaba cuando leía las andanzas del peculiar personaje. Por lo que estamos ante una visión personal, que se ajusta perfectamente a los antecedentes literarios donde no predomina la comedia, aunque esta forme parte de las historias, sino un tono diferente. Quizás sea esto lo que a numerosos espectadores y críticos les ha llevado por el camino de la amargura, esperando algo parecido a lo que hizo Eddy Murphy y encontrándose con otra historia bien distinta. Porque el Doctor Dolittle siempre ha sido ante todo un personaje nacido en el género de los libros de aventuras como la Isla del Tesoro o cualquier otro de Julio Verne; libros que llevan a los lectores a sitios exóticos, buscando tesoros etc. El director ha optado en la película por reflejarnos a un protagonista ya conocido, una especie de héroe popular caído en desgracia y que lucha durante la cinta para superar un hecho traumático. Y lo hará gracias a que debe salvar a la reina de Inglaterra de una terrible conspiración, que le llevará a viajar a una isla perdida y vivir una gran aventura.

Antonio Banderas en 'Las Aventuras del Doctor Dolittle'
Antonio Banderas en 'Las Aventuras del Doctor Dolittle'

Sin haber leído ninguno de los textos originales, sí que el que esto escribe ha podido percibir un aroma clásico de aventura muy sencilla. En el aspecto formal de la película quizás la primera parte, con un maravilloso prólogo en animación, son lo mejor de la cinta, ya que la segunda parte más centrada en la acción es más irregular cayendo en ocasiones en situaciones algo forzadas. En líneas generales la cinta se deja ver bien, especialmente, si el espectador se quita los anteojos de los prejuicios y se transforma en un niño. Esto puede que sea lo más complicado debido a que ahora la concepción que hay del género de aventuras solo abarca un tipo concreto de películas más relacionadas con los superhéroes. El Doctor Dolittle es un superhéroe de una época y de una sociedad muy concretas. Posiblemente el principal escollo sea el puramente generacional.

Sin duda, ha sido una experiencia amena, con un importante subtexto marcado por el ecologismo y un tono outsider en el que los animales son más humanos que los humanos y nos hablan de nuestras emociones más profundas como la orfandad, el corazón roto por el desamor, la necesidad de un vínculo familiar y alguna que otra cuestión complicada de percibir si solo se permanece en la anécdota de que son animales parlantes. ¿Un problema de tono? ¿Quizás es una mezcla demasiado arriesgada de comedia y drama? A pesar de ello, las aventuras del Doctor Dolittle son un delicioso entretenimiento.


24 de enero de 2020

Dibbuks: Novedades Enero de 2020

Dibbuks: Novedades Enero de 2020

Dibbuks, otra de las editoriales de cómics de nuestra ciudad, también nos remitió recientemente su listado de novedades para enero y la dejo por aquí para que puedas consultarla. Sin duda, hay mucha variedad para un mes tan complicado como el de este con el que da comienzo 2020.

Martin Sheen: un actor norteamericano con orígenes gallegos

Martin Sheen: un actor norteamericano con orígenes gallegos

Martin Sheen es un actor que se ha destacado tanto en cine como en shows televisivos. En Estados Unidos, es un personaje muy reconocido por su labor artística desde su gloriosa y legendaria aparición en Apocalypse Now (1979). Esta película, con la dirección de Francis Ford Coppolla y con las actuaciones de Marlon Brando, Robert Duvall y Dennis Hopper, le trajo a Sheen la fama de hombre de talento. Ha aparecido en más de 65 películas, algunas de ellas muy conocidas como Atrápame si puedes (2002), Mi querido presidente (1995), Gandhi (1982) y Wall Street (1987). Aun no habiendo sido premiado con un Oscar todavía, el actor norteamericano posee múltiples Emmys y un Golden Globe. Nació en Dayton, Ohio, aunque su madre, Mary Ann, era de Irlanda (Borrisokane, en el condado de Tipperary). Su padre, por otro lado, era un trabajador de una fábrica e inspector mecánico en España (de Parderrubias, Galicia). Por su origen gallego, su nombre original es Ramón Antonio Gerardo Estévez.

Sus logros y su carrera continúan en constante movimiento. Tras ganar la nominación de un BAFTA por su rol en Apocalypse now, y de recibir una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, Sheen continuó trabajando. Si bien tiene uno de los prontuarios penales más complicados entre las estrellas de cine, esto no le impidió tener éxito en su trabajo. Es cierto que ha tenido escandalosas caídas bajo la mirada del público, cuando los excesos y el alcohol lo llevaron a la cárcel varias veces. Sin embargo, nunca dejó de producir. Además, la actuación y el cine son disciplinas que también comparte con sus hijos. Todos se dedican al mundo del espectáculo: Charlie Sheen, Emilio Estévez, Ramón Estévez y Reneé Estévez. Además de sus logros como actor, Martin Sheen ha sido un gran activista antibélico, y hasta logró ser alcalde de honor de Malibú, en California. Fervoroso seguidor del principio de desobediencia civil de Henry David Thoreau, promueve que si la ley no es buena para los ciudadanos, entonces su desacato es necesario. Según él, esto no afecta a los gobiernos pero sí a quienes lo llevan a cabo. Sus posiciones políticas han despertado la oposición de muchos y la indiferencia de ninguno.

Martin Sheen, hijo de inmigrantes, es un ejemplo de progreso y ascenso social. Su recorrido demuestra que, a pesar de vivir momentos difíciles, supo construir una excelente carrera laboral y artística, como así también una familia en la que el talento y el arte son moneda corriente.

Ediciones La Cúpula: Novedades Enero de 2020


Pese a que Enero ya casi está terminando, no hace mucho que nos llegaban algunos listados de novedades, y tal y como me he propuesto, los voy a seguir colgando por aquí. En este caso, son las novedades de Ediciones La Cúpula las que te dejo en este post y como no tengo PDF, os hago un copy paste de las sinopsis oficiales que nos ofrece la editorial de las tres novedades para este primer mes de 2020. Aquí llevas

Credo (Peter Bagge)Credo (Peter Bagge)

Peter Bagge regresa con una biografía de otra fascinante pionera del siglo XX: la escritora, feminista, corresponsal de guerra y libertaria Rose Wilder Lane. Siguiendo la estela de La mujer rebelde y Fire!!, Credo es un acercamiento vertiginoso y fascinante a la brillante Lane, fundadora del movimiento libertario estadounidense, una de las escritoras mejor pagadas de su tiempo, y con toda probabilidad coautora junto a su madre, Laura Ingalls Wilder, del clásico La casa de la pradera. Al igual que Sanger y Hurston, Lane fue una defensora de los derechos de las mujeres que predicaba con el ejemplo, desafiando todas las normas en su vida personal y profesional, convirtiéndose en una celebridad política y literaria. (17,90 €, a la venta el 23 de enero)


Balas Perdidas nº 6: Asesinos (David Laphan)Balas Perdidas nº 6: Asesinos (David Laphan)

Aunque sabe apañárselas muy bien sola, Virginia Applejack se ha instalado por unos días en casa de su tía Jane, que tiene demasiado tiempo libre desde que el tío Jack dejó la medicación, se instaló en el garaje y se sumió en un estado catatónico. Eli les hace recados. Según tía Jane, Eli es el chico más guapo de todo el condado de Worcerster, por no decir de todo el estado de Maryland. Su madre es una bruja posesiva y manipuladora y su padre murió en un sospechoso accidente. El chaval lleva consigo un tremendo equipaje emocional y en una ocasión se apuñaló un pie. Tanto él como Virginia tienen claro que si no estuvieran tan jodidos tal vez serían más felices… pero más aburridos.

Ahora Dedos tiene un negocio para Virginia. Dedos se llama Dedos por algo, no lo olvidemos. La sensación general, en cualquier caso, es que de aquí nadie va a salir vivo. (20,50 €, a la venta el 16 de enero).


Croqueta y Empanadilla 1 (reedición Ana Oncina)Croqueta y Empanadilla 1 (reedición Ana Oncina)

¡16ª EDICIÓN!

Cuando uno es una croqueta, está inexorablemente predestinado a enamorarse con locura de una empanadilla. Y como cualquier pareja de bien, deciden irse a vivir juntos, ¡aunque nadie ha dicho que la convivencia fuera fácil!

Croqueta y Empanadilla es tierno, divertido, y transmite un increíble buen rollo. ¡Para comérselos! (12,20 €, a la venta el 23 de enero)

19 de enero de 2020

A Walk Through Hell nº1, de Garth Ennis y Goran Sudzuka [Reseña]

A walk Through Hell nº1, de Garth Ennis y Goran Sudzuka [Reseña]

Acercarse a un comic de Garth Ennis siempre suele ser una experiencia. Es uno de mis autores favoritos y entre sus éxitos, además de la todopoderosa “Preacher”, encontramos hits del nivel de The Boys y Crossed.

En todos sus trabajos, ha demostrado que la libertad le sienta muy bien, y no en vano, hay que admitir que sus historias no son precisamente lo que se etiquetaría como “políticamente correctas”, así que al ver su nombre ligado a un proyecto dentro de la editorial Aftershock, me vi inevitablemente atraído.

Así es que llegué a A Walk Trough Hell, o como lo podríamos traducir aquí, un Paseo por el Infierno.

Alejándose de infectados, dioses o superhéroes corruptos, en esta obra Ennis nos presenta a dos parejas de agentes del FBI cuyo nexo resulta ser un asesino en serie al que la justicia no podía detener y que, sospechosamente, apareció muerto en su hogar.

Esto que os comento y que se va desvelando a lo largo del primer volumen de A Walk Trough Hell, forma parte de un relato que se centra en la desaparición de una de estas parejas de agentes dentro de un almacén y como cuando sus compañeros entran a por ellos, se verán transportados a una extraña dimensión que ellos mismos acabarán por relacionar con el purgatorio.

Detalle A walk Through Hell nº1, de Garth Ennis y Goran SudzukaDetalle A walk Through Hell nº1, de Garth Ennis y Goran Sudzuka
 Páginas de ejemplo de A Walk Though Hell



Trauma tras trauma, iremos descubriendo más detalles de la relación de estos agentes, del caso principal que investigaban y del individuo que sospechan que los ha metido en el embrollo en el que se encuentran.

Sin duda, A Walk Trough Hell es un trabajo muy diferente en lo que a la bibliografía de Ennis se refiere, y personalmente, tengo que decir que es de esas obras que te dejan… ¿cómo decirlo? ¿Con el culo torcido?

Sí, creo que ese termino es el que mejor describe a A Walk Trough Hell, ya que, aunque la sinopsis oficial y mi descripción puedan hacerte parecer que estamos ante un cómic de unos agentes enfrentándose a un caso con toques sobrenaturales, lo que encontramos en esta obra es otra cosa.

Junto a lo dibujo de Goran Sudžuka (Y: The Last Man, Hellblazer), Ennis nos muestra en esta obra una serie de situaciones dantescas que giran alrededor de los sentimientos de culpa de los protagonistas, llevándonos por una serie de derroteros que no son fáciles de descifrar en una simple reseña y que hacen de A Walk Trough Hell un título especialmente complejo.

Detalle A walk Through Hell nº1, de Garth Ennis y Goran SudzukaDetalle A walk Through Hell nº1, de Garth Ennis y Goran Sudzuka
Los protagonistas de A Walk Though Hell se enfrentan a su jefa...

¿Estamos ante una obra de terror? Desde luego, hay pasajes de horror, pero hay mucho más. Como digo, es difícil etiquetar en un genero esta obra publicada por Planeta, y aunque esta recibiendo muchos reconocimientos, con este primer volumen aun no me queda claro si estoy ante una obra maestra al nivel de la primera temporada de True Detective, o ante un truño como el sombrero de un picador.

Entonces… ¿Recomiendo esta obra? Sin duda, es diferente y tiene elementos geniales, pero igual que me esta costando trabajo escribir esta reseña, me cuesta trabajo recomendarla a la base de lectores que tiene este blog y entre los que, sinceramente, creo que no será una obra relevante, pero intentaré decidirme tras leer el segundo volumen ¡Paciencia!

Ecc Ediciones: Novedades Enero y Febrero 2020

Ecc Ediciones: Novedades Enero y Febrero 2020

El adelanto editorial que nos traen los amigos de ECC es más largo de lo habitual, y además de presentarnos dos meses, nos desglosan por completo lo que podemos esperar de sus cuatro líneas principales en los dos primeros meses de 2020. Toma buena nota, porque hay material de sobra tanto para fans de los superhéroes DC, como para los amantes del manga o lo padres que busquen títulos para los más pequeños de la casa.

LINEA SERIES DC




LINEA MANGA




LINEA NOVELA GRÁFICA




LINEA KODOMO



Satanás, de Mario Mendoza y Keco Olano [RESEÑA]

Satanás, de Mario Mendoza y Keco Olano [RESEÑA]

Satanás es la adaptación de la obra homónima de 2002 de Mario Mendoza. Este escritor colombiano cuenta con una lista bastante extensa de obras publicadas y la citada Satanás, recibió en el año de su publicación el premio Biblioteca Breve de Seix Barral.

Con esta adaptación, que corre de su cuenta y a la que ha puesto imagen el para mi desconocido Keco Olano, Mendoza vuelve a revisitar una obra inspirada por un caso real y que también ha sido llevada a los cines.

Satanás nos presenta a varios personajes. Por un lado, encontramos a María, una joven a la que, tras una serie de acontecimientos, convencen para usar su atractivo con el único propósito de engañar a hombres ricos y desvalijarlos.

Por otro lado, tenemos a Andrés, un artista que acaba coincidiendo con María y que lleva un tiempo sufriendo visiones sobre “el fin de los tiempos”.

Y en el otro extremo, tenemos a Campo Elías Delgado, un ex soldado americano directamente inspirado en el militar que acabo la vida de 30 comensales en Bogotá y que sirve de base a la obra de Mendoza.

Campo Elias Delgado, el personaje más atormentado y peligroso de "Satanás"
Campo Elias Delgado, el personaje más atormentado y peligroso de "Satanás"

Con los tres personajes asistimos a la decadencia moral de la sociedad. Violaciones, falta de compromiso, prostitución y soberbia se va entremezclando en una trama oscura y dura en la que vemos ajustes de cuenta, exorcismos y una explosión de violencia terrible.

Así contado, puede parecer caótico, pero lo cierto es que “Satanás” resulta en un conjunto de relatos realmente interesante y que, aunque no está ambientado en nuestro país ni en nuestra época, refleja a la perfección el mundo que nos rodea.

No diré que este cómic sea una obra fácil ni una lectura obligada para todos los amantes de los tebeos, pero si que resulta un soplo de aire fresco en lo que a temáticas extra explotadas se entiende.

En mi caso, creo que Satanás merece varias lecturas para apreciarla al completo, y bueno, si buscas algo diferente, realista y duro, es una gran opción.

Premio del Público

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