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Crítica de "Del Revés" (Inside Out), un nuevo acierto de Pixar

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El por qué del declive de los Simpson

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Las películas con títulos musicales siempre sugieren algo al oído. Las hay repletas de temas preexistentes. Hay fascinantes melodías acompañadas por no menos fascinantes imágenes. Y hay hermosas historias que evocan delicadas y sutiles notas. De las primeras abundan los ejemplos, buenos y horripilantes. El Piano (Jane Campion, 1993) es paradigma de las segundas. Suite Francesa (Saul Dibb, 2104) es el alma de las terceras.

Suite Francesa debe leerse, verse y escucharse como si solo fuéramos sentidos: ojos para gastar cada plano, boca para devorar cada párrafo, oídos para amplificar los sonidos, nariz para oler la memoria, piel para tener los vellos de punta. Después, el silencio, la reflexión, el placer, y la tristeza melancólica de quien ya no podrá disfrutarla nunca más por primera vez.

Una historia de guerra donde está prohibida la paz. Donde el horror es aún más amargo por no ser material o físico, sino emocional y espiritual. El amor centro y periferia, por negación y afirmación. El dolor es el norte, el principal punto cardinal. Irène Némirowsky escribió como vivió. Sal Dibb extrajo el romanticismo. Rael Jones y Alexandre Desplat pusieron la guinda a un amargo pastel cuya amargura es, precisamente, la esencia de belleza.

Banner francés de la película "Suite Francesa"

Como ya ocurriera en Mi Semana Con Marilyn (Simon Curtis, 2011), Alexandre Desplat se limita a componer el tema principal, cuyo desarrollo dentro de la película quedó a cargo de Rael Jones. Desplat pone en el tema de Bruno la tristeza y nostalgia del soldado, la dulzura de la pasión, la contención del piano, la elegancia francesa y la seriedad alemana. Cuando Bruno toca el piano, el horror se desvanece. Como un Wladyslaw Szpilman enamorado. Todo desaparece alrededor para quedar solo un alemán cualquiera y una chica francesa. Sin bandos contrarios. Sin reminiscencias shakesperianas. La presencia y la ausencia de Bruno, su recuerdo, sus actos y sentimientos, son musicales. La actuación de Matthias Schoenaerts –que aprendió a tocar la pieza, aunque no sea él quien la interprete en pantalla-, también lo es.

Rael Jones, multifacético músico británico, más habitual en los créditos como editor musical, productor musical, orquestador, diseñador de sonido… (Los Miserables, 2012; Quantum of Solace, 2008; Under the skin, 2013), que como compositor; toma los adjetivos del tema de Desplat y los desarrolla de forma a la vez brutal y frágil.

Dibuja el miedo en termas como Threat of Occupation, The Germans Arrive. El monstruo de la guerra acercándose. Instalándose entre la inocencia y la expectación. La percusión, donde también introduce la propia marcha de los soldados, se mete como verdadera metralla en los tímpanos. Acelera el pulso y encrespa los nervios. Progresiva hasta notas ensordecedoras por el mismo silencio. El terror, la amenaza.



La tensión y el suspense en otros como They Come for Benoit, Enemies Forever o Running through Woods. Las intrigas de la guerra. Temas de estilo más minimalista, pero igual de amenazantes. Alemanes al acecho mientras nosotros permanecemos escondidos, hablando en susurros. Solo el tiempo y los latidos del corazón. Que salta a la vez de temor y de deleite.

Y, por supuesto, el amor. El romance entre el teniente Bruno von Falk y Lucille. Bruno´s Theme es el corazón que bombea temas como Green Shoots, Sunlit Kiss o Precious to Me. Las suaves notas del piano, acompañadas del dulce llanto de las cuerdas, atraen la única luz entre los humos de la guerra. Pero es una luz nebulosa a la que impiden brillar y, por ello, una luz triste e impotente. Conoce lo imposible y la soledad. Aun así, se niega a apagarse.

BSO Suite Francesa
Y entre todo ello, Francia y Alemania, tal como fueron musicalmente en 1940: Muzik Muzik Muzik (Otto Stenzel Tanzorchester con Wilfried Sommer), Parlez-moi d'Amour (Lucien Boyer), Das Ist Berlín (Oskar Orquesta Joost con Heyn Quartet), De Temps En Temps (Josephine Baker) y Bel Ami (Rosita Serrano). Porque la música siempre sobrevive a la guerra.

Nominada a los World Soundtrack Awards (puedes dejar tu voto en el siguiente enlace: http://www.worldsoundtrackawards.com/en/awards), la música de Suite Francesa, como la película y, sobre todo, el libro, son de obligado cumplimiento, tanto como las normas que impone en ejército alemán a su llegada al pueblo francés.

Puedes encontrarla en: la edición de Sony Classical salió a la venta el pasado marzo.

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¿Qué no ha inventado el western? cuantísimas cosas nos ha dado este género inmortal que a veces pensamos -sobre todo la crítica- que todo el cine es un western. Pocos se han resistido a la arena del desierto. No solo en la época clásica. Incluso hoy uno se sorprende escarbando en las filmografías de sus directores y actores favoritos. No pocos esconden un lado salvaje desconocido. Con los compositores ocurre lo mismo. Pocos géneros han dejado una huella tan profunda en la música de cine como el western. 

película de culto "Cuarenta Pistolas"

Podríamos hablar de Max Steiner, de Dimitri Tiomkin, de Elmer Bernstein, de Ennio Morricone…pero hoy vamos a hablar de un compositor que, no por poco conocido deja de tener sus genialidades. Su nombre es Harry Sukman. La película: Cuarenta Pistolas (Samuel Fuller, 1957).

El nombre de Harry Sukman quizás no nos diga nada (a pesar de haber ganado un Oscar por Sueño de Amor (Charles Vidor y George Cukor, 1960). Pero si hablamos de Bonanza, El Gran Chaparral, Daniel Boone o Laramie, la cosa cambia. Dedicado sobe todo a la televisión, pasó levente por el cine, siempre con el western por bandera. Cuarenta Pistolas fue su segunda inclusión en el género. Una banda sonora que ha pasado por el tiempo sin pena ni gloria, pero que tiene las pistolas suficientes (40 nada más y nada menos) como para dejarnos KO.

La pareja Fuller-Sukman es al western americano de los cincuenta lo que el dúo Leone-Morricone al spaghetti western. Trabajaron juntos en dos ocasiones (Bajos Fondos, 1961), y en ambas el resultado fue más que satisfactorio. Al manierismo formal de Fuller se suma la innovación musical de Sukman.

La música de Cuarenta Pistolas se encuadra dentro de la tendencia impuesta por Tiomkin con Solo Ante el Peligro (Fred Zinnemann 1952). Pero Sukman no se conforma con ser un mero copista. El ambiente era el más propicio para experimentar: un director personalísimo, un género que siempre iba por delante, y el hecho de trabajar en series de televisión, donde el margen de libertad era mucho mayor, son razones suficientes para pensar que, en el caso de Sukman y Fuller, uno más uno suman mucho más que dos.

Como no podía ser de otra forma, el tema principal es una canción: High Ridin' Woman, cuya melodía va a repetirse durante toda la película como leitmotiv de la protagonista, Jessica, una genialísima Barbara Stanwyck, adaptándose a las diferentes situaciones. La aparición de Jidge Carroll cantando es uno de los puntos fuertes de la película. Si los recursos utilizados en Birdman (Alejandro González Iñárritu, 2014) te parecieron sorprendentes, prueba a echarle un vistazo a estos de 1957.



Esta no es la única canción que escuchamos en la película, ni la única interpretada por Jidge Carroll. Si no nos bastaba con Sukman y Fuller, también encontramos el nombre del Victor Young, si, el de Johnny Guitar (Nicholas Ray, 1954). La canción God Has His Arms Around Me, dentro de su estilo romántico y elegante, es una de las más bonitas baladas western del cine clásico.



Y mientras cantamos una y otra vez en nuestra cabeza estas enormes baladas, Sukman nos regala todo un concierto acústico de alto nivel, adelantado a su tiempo como el que más. Sé de alguien que utilizó la guitarra eléctrica en el western antes que MorriconeSukman la uso por primera vez en Fury at Showdown (Gerd Oswald, 1957). Cuarenta Pistolas fue la que dio en el clavo. No hay duda. Si le preguntásemos a Leone por sus referencias, esta película sería una de las principales.

Como éstas, se podrían comentar muchas cosas más: las interrupciones (un recurso muy utilizado en los películas de John Ford), las entradas y transiciones, los pasos acompañados de la guitarra punteada, el leitmotiv de Wes y Louvenia (¿Pensabas que el gumbarrel era cosa de James Bond?)…pero quizás es mejor comprobarlo por uno mismo.

Una película de culto. Olvidada dentro del gran baúl del western americano, pero de gran influencia para el western Europeo (no solo Leone, también Goddard le hizo un homenaje en Breathless, 1959). ¿A qué estás esperando?

Donde encontrarla: tristemente, solo se editó la balada de Victor Young, la cual aparece en el recopilatorio western Scenes Of The American West, junto a otros grandes temas como los de Centauros del Desierto, El Tren de las 3.10 o Los Siete Magníficos.

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Lejos del Mundanal Ruido. Un título que describe a la perfección, no solo la película en sí, sino todo lo que le rodea. No ha sido un éxito de taquilla, pero ha cosechado (nunca mejor dicho cuando se trata de granjeros del siglo XIX) críticas que van de lo bueno a lo excelente. No escucharás sus temas tarareados por la calle, pero aquellos que sepan apreciarlos, no podrán dejar de escucharlos en su cabeza una y otra vez. Su música no es mundana. Su música es todo, menos ruido.

Thomas Vinterberg. Dogma 95. Voto de castidad. Norma número dos: El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda)… ¿Estamos hablando del mismo director? Pues sí: “Ésto no es lo que hago normalmente. Fue un trabajo por contrato. Me enviaron el guión y dije: “muy bien, lo haré”. Fue un gran alivio no tener que hacer mis propias cosas una y otra vez”. Y nosotros le estamos totalmente agradecidos.

Craig Armastrong sería el encargado de componer esa música que una película Dogma nunca hubiera permitido. El compositor escocés, conocido sobre todo por sus trabajos con Baz Luhrmann (Romeo + Julieta, Moulinge Rouge y El Gran Gatsby, 2013), se adentra en la Inglaterra de finales del siglo XIX descrita por Thomas Hardy en su novela Lejos del Mundanal Ruido (Far From The Madding Crowd).

Los protagonistas de la película "Lejos del Mundanal Ruido"
En cada tema se puede respirar la atmósfera: “Gran parte de la score fue la crudeza del paisaje, lo sombrío, la dureza”. Una naturaleza llena de colores fríos, de cielos nublados, niebla y humedad. Es la época del romanticismo. Los paisajes no son alegres. Son enigmáticos, oscuros, dominados por los fenómenos naturales. Trasmiten las emociones más extremas. La música contribuye a ello con un tono lleno de melancolía y misterio, más cerca de la oscuridad que de la luz. El tema principal es el mejor ejemplo. Cercano al que Craig compuso para Elizabeth: La Edad de Oro (Shekhar Kapur, 2007), sin la acción de aquel, encuentra su mayor similitud en el tema principal de El Bosque (M. Night Shyamalan, 2004), de James Newton Howard. ¿Coincidencia? Paisaje sombrío y tenebroso, naturaleza intimidante…

También la época se ve reflejada. El violín, principal protagonista (¡costó 2.5 millones de dólares!). El siglo XIX fue la época de los virtuosos (la de Paganini), de los tratados sobre el instrumento, de las escuelas nacionales. Además de convocar a las emociones más intensas, el violín nos transporta en el tiempo. La inquietud es máxima cuando las notas corren como sentimientos desbocados. Por otra parte, la música preexistente. No solo los himnos, siempre presentes en la vida religiosa de Inglaterra, sino las canciones cantadas en las reuniones de amigos y celebraciones. De entre todas sobresale, por su belleza y significado: Let No Man Steal Your Thyme. Cantada e interpretada al piano por Bathsheba Everdene (Carey Mulligan), acompañada de como William Boldwood (Michael Sheen). Ella es una mujer fuerte e independiente, que nunca se ha dejado atar ni dominar por ningún hombre: “Let no man steal your thyme / For when your thyme it is past and gone / He'll care no more for you”. ¿Más claro? Él, un hombre de buenas intenciones que la pretende. El piano, el instrumento de las mujeres. Él le promete comprarle uno si acepta el matrimonio. Ella ya lo tiene. Toda mujer respetable tenía uno. Carey Mulligan ya demostró sus dotes en Shame (Steve McQueen, 2011), cantando New York New York. Con su voz discreta, suave, simple, sin florituras.



Por último, las emociones. Reflejadas no solo en el ambiente y el paisaje, sino en los diferentes personajes. El tema principal tiene algo de Bathsheba. De sentimientos contenidos pero impetuosos, de fuerza y de autonomía. Cada hombre lleva un sonido propio que, sin identificarlo como leitmotiv, se adapta a cada tema que los acompaña. Gabriel Oak (Matthias Schoenaerts). El granjero que cae en desgracia y que es rechazado en primer lugar. Reservado, sin rencor ni malos sentimientos. Su música es la más alegre, dentro de la alegría que supone perderlo todo aun teniéndolo delante. Spring Sheep Dip y Oak Returns son ejemplos de ello. William Boldwood (Michael Sheen), hombre digno de la más profunda compasión. Todo un señor. Bueno, sereno y perdidamente enamorado. Para él, un tema melancólico y elegante a la vez: Woldwood varuiation. Por último, el sargento Troy (Tom Sturridge). Engreido, presumido y…sus temas son los más oscuros: Never Been Kissed, Bathsheba and Troy Wedding o Troy Swims Out; nos avisan de sus intenciones.

Sin más, creo que es hora de alejarse del mundanal ruido y deleitarnos con la música de Craig Armstrong.
Caratula de la BSO de "Lejos del Mundanal Ruido"
Caratula de la BSO de "Lejos del
Mundanal Ruido"
Puedes encontrarla como: Far from the Madding Crowd [Original Motion Picture Soundtrack], Sony Classical, 2015.

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Los Siete Magníficos del Espacio

Aquel día se hundió el Titanic. El Valle Encantado quedó sepultado tras el mismo cataclismo que el resto del mundo. El 22 de junio de 2015 James Horner se fue a un nuevo mundo. No pudo ser un hombre bicentenario, pero tuvo una mente maravillosa para la música. James Horner es la leyenda de una pasión.

Todos hemos tarareado alguna vez un tema de James Horner. Algunos (no pocos) soñaron con ser “el rey del mundo”, y muchas (más todavía) con ser la reina en cuestión. Otros, los más valientes, prefirieron luchar a las órdenes de un tal William Wallace por la independencia de Escocia. Otros, los aventureros más modernos, soñaron con transportar su mente a Pandora. Pero sería un sacrilegio musical quedarnos tan solo con estas experiencias. Hoy, vamos a conocer al primer James Horner, sin el cual nada de esto habría sido posible.

Y cuando digo que nada hubiera sido posible, lo digo de forma literal. Allá por 1980, un director llamado Jimmy T. Murakami confió al joven Horner la música del remake espacial de Los Siete Samurais (Akira Kurosawa, 1954): Los Siete Magníficos del Espacio (Battle Beyond the Stars). Allí mismo, trabajando en el departamento de arte, estaba un tal James Cameron…

Una película de calidad bastante cuestionable, un compositor novel… ¿Qué podríamos esperar de la música? Podría haber sido una catástrofe, sin embargo, se trata de una composición ciertamente interesante.

Siendo un remake tan claro de la película japonesa, cuya música, cortesía de Fumio Hayasaka, está construida a base de leitmotivs; con la referencia de La Guerra de las Galaxias de John Williams a la vuelta de la esquina, y la clara influencia del score de Jerry Goldsmith para Stark Treck, cabría esperar una música repleta de leitmotivs de la forma más pura. Pero James Horner acierta a fusionar esos referentes con otros más cercanos, como son los sonidos de América.



Adentrándose, pues, en el mundo de Los Siete Magníficos (John Sturges, 1960), más que recurrir a Elmer Bernstein, Horner acudió directamente a la fuente de aquel: la americana. Varios de los temas de la película recuerdan a Copland. Es el caso del tema principal y del que acompaña incidentalmente al personaje de Cowboy, quien, además, aparece siempre escuchando country en la radio o tocando la armónica. Adiós jidai geki, hola western. También hay reminiscencias de música americana en el caso de Gelt, un personaje apartado de la sociedad, en cuyos dominios no podría escucharse otra cosa que jazz, la música que en su día llevó la etiqueta de depravada.

El resto lo compone un tema romántico tradicional, a base de cuerdas; uno dedicado a los bandidos, donde como era de esperar entra en juego la percusión (algo que se da de forma muy clara en la partitura de Hayasaka), y varios destinados a las diferentes situaciones clave, muy en la línea general, dando así un sentido de continuidad a toda la composición.

James Horner nos lleva al espacio sin salir de casa, enseñándonos el universo a partir de sonidos reconocibles. Presta al espacio infinito la música de las, también infinitas, praderas americanas. Porque ¿qué es en esencia esta película sino un western espacial?

Claro antecedente de futuras composiciones como la de Krull (Peter Yates, 1983), hubiera podido ser una curiosa y lejana anécdota para la música del nuevo remake de Los Siete Magníficos previsto para 2018. Una pena que ya no podamos disfrutarlo. Sea quien sea que tome el relevo, ya no será lo mismo sin JAMES HORNER.

Puedes encontrar la música de Los Siete Magníficos del Espacio en: en 2011 BSX Records sacó una edición limitada que incluye, además de los temas principales, una librería de efectos de sonido y dos bonus track.

cd bso Battle Beyond the Stars



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Cómo suena una hormiga? ¿Cómo suenan miles de hormigas? ¿Y una marabunta? La verdad está ahí abajo. Acechando. Christophe Beck ha aumentado los decibelios para que podamos averiguarlo.

BSO Ant-Man


Uno del los poderes más potentes de los superhéroes, no importa de qué universo, es la música. El origen de estos poderes puede remontarse a la conocida expresión: “¿Es un pájaro? ¿Es un avión?, ¡no! ¡Es John Williams haciéndonos volar con una batuta!” (O algo parecido...). Desde entonces, estos hombres, mujeres y criaturas enfundados en trajes ajustados han contemplado siempre el derecho a una buena banda sonora para acompañar sus hazañas. Ant Man, pese a su tamaño, no ha querido ser menos.

Recién llegado de Frozen con varios premios en la mochila, y con una larga lista de comedias (Resacón en las Vegas, Cracy, Stupid, Love) y acción (Buffy Cazavampiros, Al filo del Mañana) en su cuaderno de partituras, Christophe Beck se adentra en lo más profundo del hormiguero.

Siguiendo las directrices del productor de Marvel Kevin Feige, partidario del sinfonismo “superheroico” tradicional, con la inevitable influencia de John Williams (“Creo que si preguntas a un compositor de mi generación cuál es su principal influencia, qué le hizo convertirse en compositor cinematográfico, nueve de diez responderán Star Wars (…) Yo soy uno de ellos”) y con toda una colección de referentes en los que fijarse: Hans Zimmer (El Caballero Oscuro), Alan Silvestri (Los Vengadores)…Beck emplea sus dotes de cómico, un aspecto que Marvel viene defendiendo últimamente, la potencia del metal y la percusión, y la tensión y gravedad de un piano casi percusivo, para dar vida a este especial superhéroe y a sus compañeros miniatura con una partitura llena de matices.

Prueba de ello es el tema principal, en el que las hormigas parecen estar paseando entre la orquesta, mientras que la sección de metal pone la nota de fuerza tensión propia de toda aventura comiquera. Pero, quizás, el tema más potente sea Scott Surfs on Ants, de ritmo vertiginoso, donde la percusión y el piano llevan la voz cantante, mientras que la melodía principal se cuela a modo de leitmotiv.

Una vez escuchada completa, te propongo dar un curioso paseo: los créditos iniciales de Cuando Ruge La Marabunta (19534), con música de Daniele Amfitheatrof, y el tema principal de la nueva serie de Flash, compuesto por Blake Neely. Luego me cuentas.




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Jurassic Park a Capela
Siempre lo he dicho. La red está llena de gente con talento que ha conseguido hacerse huecos en nuestros corazones gracias a la existencia de YouTube y otros medios similares, y tal y como demuestra el post de hoy, lo han conseguido gracias a su originalidad y buen hacer.

Un ejemplo de esto es el de los chicos de The Warp Zone, un divertido canal de YouTube en el que se aglutinan aficiones destacadas como el cine, los comics, las series y los videojuegos y que cada semana otorgan a sus fans contenidos geniales como los que os traigo a colación.

Personalmente, conocía de su existencia desde hace tiempo, pero no ha sido hasta hoy que he descubierto todo el potencial musical de estos chicos. ¿El responsable de ello? La increíble versiona a capela (música realizada solo con voces) que han realizado con motivo del estreno de Jurassic World y que pondría celosa a las mismísimas Barden Bellas (las protagonistas de “Dando la nota”).

Este tema en concreto os lo dejo por aquí, y junto a él, además de recomendaros que no perdáis de vista a estos chicos, os dejo cinco interpretaciones a capela de temas que podríamos considerar bastante frikis.



Mortal Kombat


El tema musical que se comercializo con motivo de la primera película de “Mortal Kombat” se convirtió en uno de los primeros éxitos de ventas en lo que a temas de videojuegos se trataba, y como estos chicos son muy gamers, no han podido reprimirse y evitar traernos su particular adaptación de esta pieza musical y maquinera.



Power Rangers


La serie de los noventa hizo que la fama de estos personajes alcanzara su momento máximo al conseguir que el show se convirtiera en una película y como el tema original era tan potente y pegadizo, se realizó una increíble versión para la banda sonora. Sobre ese tema creo que he hablado otras veces, pero sin duda, lo que han hecho estos chavales adaptándolo con sus voces no se queda atrás.



Teenage Mutant Ninja Turtles


Otro clásico de los ochenta / noventa era la serie de las Tortugas Ninjas y teniendo en cuenta que son unos personajes que siguen muy en boga, era de cajón hacer una versión del tema principal de la serie animada original. ¿El resultado? Una pasada para los fans.



Transformers


Ya había oído diferentes versiones del tema de esta serie que disfrutaba mientras tomaba la merienda, y ahora, nos llega esta versión a capela que es capaz de competir con el cover metalero que se popularizo hace algunos años con la llegada de youtube y otros medios sociales con los que distribuir música al público.



X-Men


En los noventa se hicieron las que posiblemente sean las mejores series de animación basadas en superhéroes, y aunque el tema de Spider-Man estaba bastante bien, no podía competir con el opening de la serie de los X-Men que logro que me interesara por estos personajes del universo Marvel.

El tema en si ya era una joya, pero con esta versión vocal y los gestos de los intérpretes de The Warp Zone gana muchos enteros.

¿Cuál os ha gustado más? ¿Creéis que deberíamos haber incluido alguno más en el post? Comentad y compartir ¡QUE ES GRATIS!




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Kung Fury

La década de los ochenta nos ofreció algunos de los films más recordados de todos los tiempos, y lo hizo en una época marcada por unos estilismos y tópicos que creo que jamás se podrán repetir con tal intensidad.

Fruto de dicha influencia, los chicos de Laser Unicorn decidieron lanzar a la red un crowdfunding para realizar su propio homenaje a dicha época y como resultado nos llega una de las bizarradas más divertidas que se han visto en la red en mucho tiempo.

Bajo el nombre de “Kung Fury”, nos encontramos con un cortometraje de treinta minutos en el que tenemos dinosaurios, ninjas, delincuentes armados hasta los dientes, salas de arcade, guerreras, viajes en el tiempo, nazis y muchas otras cosas que no os podéis perder.



Por si fuera poco, el proyecto contó con el apoyo del mismísimo David Hasselhoff, una de las estrellas más recordadas de los ochenta debido a sus éxitos musicales y la serie “El Coche Fantástico”, quien se prestó a grabar un tema musical para “Kung Fury” que con la misma estética del corto y con el título “True Survivor” nos transporta directamente a los ochenta con una canción que podría estar en nuestra selección de mejores temas ochenteros y que muchos ya disfrutan al menos una vez al día por recomendación médica.

Disfrutadlo todo y no os olvidéis de mover vuestras cabezas al ritmo de este fenómeno que será recordado sin duda como una de las aportaciones culturales más interesantes de este año 2015.



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Tyrion canta por el Red Nose Day

Este martes 19 de mayo, además de emitirse el final de la primera temporada de The Flash en CW, la NBC celebraba un maratón para niños necesitados bajo el nombre de Red Nose Day, y entre los artistas que participaron en este evento, nos encontramos con Peter Dinklage, nuestro querido Tyrion Lannister de Juego de Tronos.

Para animar las donaciones, Dinklage realizo una actuación junto a algunos de los miembros de Coldplay e interpreto una canción sobre las muertes de la serie.

Curiosamente, hay que decir que no es la primera colaboración entre Coldplay y Juego de Tronos, ya que Will Champion, el batería de la banda británica, aparecía en el episodio de “La Boda Roja” de la tercera temporada de esta serie, pero claro, no lo hacían con tanto humor negro como el que vemos en la actuación de Dinklage / Tyrion.





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¿Os acordáis del temazo de Queen para la película Flash Gordon? Pues pensad en él y en los mejores momentos de la serie de The Flash y os sale esta joyita.

The Flash by Queen

The Flash es actualmente la mejor serie de superhéroes que se emite en televisión, y como tal, esta dando pie a multitud de homenajes, parodias y memes.

En relación a ellos, hoy os traigo un montaje realizado por un tal Alex Cerrato (en cuyo canal cuelga ciertos trabajos de edición de video) en el que mezcla el mítico tema de Queen para la BSO de la película Flash Gordon, con parte del metraje del capítulo The man in the Yellow Suit, el episodio en el que veíamos por fin al Flash Reverso de esta magnífica serie del canal CW.

El resultado es una pequeña joya que apreciamos los fans de Queen y The Flash y que no debéis perderos, y esperamos que clips como este animen a la distribución de la serie en otros países fuera de USA, algo que venimos reclamando desde hace tiempo y que parece que por fin, al menos en España, se hará posible gracias a Antena 3, quien ha anunciado que empezará a emitirla en abierto este verano.



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La protagonista del esperado film que adapta la novela “50 sombras de Grey” aparece atada de pies y manos y colgando en el video musical que el artista conocido como The Weeknd ha realizado para la BSO del film.




“50 sombras de Grey” es noticia hoy por dos razones. La primera de ellas es que la directora del film ha admitido que cierta escena erótica relacionada con un tampón ha quedado fuera del film, y la otra, sin lugar a dudas, es la aparición Dakota Johnson, la protagonista del film atada al más puro estilo bondage en el video musical que The Weeknd aporta a la banda sonora del film.


El videoclip de este tema titulado “Earned It”, dura unos cuatro minutos y medio y forma parte de un disco en el que participan otros artistas como Beyonce, Sia, Ellie Goulding, Jessie Ware o los Rolling Stones, y siguiendo con los elementos sado y bondage light que están presente en la cinta y la novela original, exhibe a bastantes bailarinas atadas y ataviadas con atuendos que claramente podemos relacionar con ciertas prácticas sexuales relacionadas con la sumisión.

Al margen de que el tema resulta elegante y adecuado para el film, probablemente muchos no nos pararíamos a verlo si no fuera porque la joven que da vida a Anastasia Steele aparece semidesnuda, por lo que si os interesa, aquí tenéis el clip al completo para vuestro disfrute, aunque os advierto que al igual que en el libro (y la película por descontado), no hay nada llevarse las manos a la cabeza más allá de un gran uso de la sugestión.



“50 sombras de Grey” se estrena en cines el próximo 13 de febrero, y salvo alguna excepción, la mayoría de salas españolas han vendido ya sus entradas para los primeros días del estreno.

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"El Árbol del Ahorcado" (The Hanging Tree), el tema que Katniss Everdeen entona en "Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1" se convierte en el nº 1de las listas de éxitos musicales de Reino Unido.

Jennifer Lawrence cantando

Como la mayoría de estrellas de cine, Jennifer Lawrence no se libra de tener ciertas manías, y entre ellas, además de gustarle comer ajo antes de besar a sus “compañeros” en las películas, encontramos un miedo atroz a cantar en público.

Curiosamente, esa especie de fobia no ha impedido que el tema “El Árbol del Ahorcado” (The Hanging Tree) que canta en la última entrega de “Los Juegos del Hambre” se haya convertido en un éxito musical, y pese que le costó sudor y lágrimas (el director cuenta que los nervios hicieron llorar a la actriz al grabar esta parte del film), el esfuerzo ha merecido la pena, ya que la canción se ha colocado en el primer puesto de las listas de éxitos musicales en Reino Unido.

La canción, que parece estar funcionando mejor que Yellow Flicker Beat (el temazo de Lorde para la película), se une a otros éxitos musicales recientes de películas como el Let it go del film Frozen, cuya versión original está interpretada por Demi Lovato, aunque en España recibimos la canción gracias a Martina Stoessel (Violetta) bajo el títuloLibre Soy”.

Os dejamos con el tema en cuestión por si aún no lo habéis escuchado al ver “Sinsajo parte 1”.



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Agrupamos en un mismo post los ocho temas cantados tanto para la saga de "El Hobbit" como para "El Señor de los Anillos".


Warner Bros ha distribuido por la red el tema vocal que oiremos como parte de la banda sonora de El Hobbit: La Batalla de los cinco ejércitosy debido a que falta justo un mes para el estreno de dicho film, nos ha parecido un gran momento para recapitular los grandes temas musicales que nos han dejado las tres trilogías dirigidas por Peter Jackson y basadas en las novelas de Tolkien.

El nuevo tema que oiremos, se titula “The Last Goodbye” (El ultimo adiós) y está interpretado por Billy Boyd, el actor que interpretaba a Pippin en la trilogía de “El Señor de los Anillos”, y que tras cantar una canción para Faramir (la misma que suena en el tráiler que hemos incluido al final del post y que podéis oir en V.O. haciendo clic aquí), ha sido el elegido para poner su voz al tema vocal de la última entrega de la trilogía de El Hobbit.

Os lo dejamos aquí (ahora tambien con el videoclip oficial), y seguimos repasando los otros temas vocales destacables de ambas trilogías, película por película.





El Hobbit: Un viaje inesperado.

Con una banda sonora de las más completas de las seis películas que hoy traemos a colación, la OST de la primera entrega del Hobbit incluía una versión de lujo de “Song of the Lonely Mountain” interpretada por Neil Finn y que como sabéis, también fue interpretada por los actores que hacían de enanos en el film cuando se reúnen con Bilbo esperando a Gandalf.

¡Temazo!



El Hobbit: La Desolación de Smaug

Para la segunda entrega de esta polémica trilogía, se optó por el Ed Sheeran para que pusiera voz al tema cantado de turno, el cual, nos llegaría bajo el nombre “I See fire” en clara alusión al encuentro con Smaug.



El Señor de los Anillos – La comunidad del Anillo

Su espectacular banda sonora fue coronada por la participación de Enya, una interprete que con sus temas siempre nos ha transportado a lugares mágicos.

Enya hacia doblete en esta BSO incluyendo dos temas. El primero, de ellos está dentro de la pista titulada “The Council of Elrond” .



El segundo, y mucho más importante e intersante es “May it Be”, uno de los últimos éxitos de esta cantante dedicada componer música especialmente relajante.



El Señor de los Anillos – Las Dos Torres

A pesar de ser una gran cinta y tener una banda sonora épica para poner en perspectiva algunas de las batallas más espectaculares que hemos visto en el cine, “Las Dos Torres” solo incluía un tema vocal y no se hizo especialmente popular.

Dicho tema era la canción a Gollum (Gollum´s Song) y cuenta con la voz de Emiliana Torrini.



El Señor de los Anillos – El Retorno del Rey

Annie Lennox, la voz de Eurythmics, fue la elegida para poner el broche de oro a la banda sonora de la película final de esta trilogía, y lo haría con dos temas. El primero y el más famoso, es “Into the West”, la canción con la que acababa la película.



El segundo, incluido solo en las ediciones limitadas de la banda sonora era “Use Well the Days”, y aunque suena genial, me quedo con el trabajo anterior de Lenox o incluso la canción que incluyo en la banda sonora de “Drácula de Bram Stoker”.



Desde luego, además de seis grandes películas, la obra de Jackson nos ha otorgado también grandes momentos cinematográficos, los cuales, pasaran a la historia tras el estreno de La Batalla de los cinco ejércitos, cinta que se estrena el próximo 17 de diciembre en nuestro país y cuyo último tráiler os dejamos aquí para despedir este “post musical”.



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La enésima versión del tema de apertura de la popular serie de televisión “Juego de Tronos”, es interpretada al estilo flamenco en honor al inicio del rodaje en Sevilla.

Juego de Tronos: El tema principal de la serie tocado por bulerías

Con motivo del rodaje de varias escenas de la quinta de Juego de Tronos en Sevilla, una pequeña productora sevillana ha decidido ofrecernos una estupenda interpretación del tema musical del show de HBO tocado con elementos típicos del flamenco, y aunque pueda parecer que se trata de algo difícil, el resultado es sorprendentemente bueno.

Con un comienzo que respeta al cien por cien el tema original, este cover (versión) va avanzando hasta convertirse en una bulería que nos retrotrae al mundo inventado por George R.R. Martin, y se une así a la infinidad de versiones que existe sobre el tema de apertura de Juego de Tronos.

Grabada en el Museo del Baile Flamenco de Cristina Hoyos, esta versión flamenca está interpretada por los guitarristas Pedro Espinosa e Israel Martin, y cuenta también con el percusionista Selu Sarmiento para añadir los elementos que la guitarra no puede ofrecer.

El tema, lleva unas veinticuatro horas en línea y lleva ya más de seis mil visitas, algo que sin duda conseguirá una buena repercusión para estos emprendedores a los que el rodaje de Juego de Tronos en Sevilla les ha dado una visibilidad que seguramente no se esperaban.



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A veintiún días del estreno mundial de ‘Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1’ nos llega el tema musical central de esta penúltima entrega de las aventuras de Katniss Everdeen y Cía. en el misterioso país de Panem.

Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1" nuevas imágenes
 El estreno de la primera entrega de ‘Los Juegos del Hambre’ vino acompañado de un tema musical del grupoArcade Fire. La segunda parte, ‘En Llamas’, llego de la mano de un tema bastante “apañado” de parte de Coldplay y ahora, la primera parte de Sinsajo vuelve a presentarnos una canción de alguien que, al menos para mí, resulta poco conocida: Lorde.

Con el título ‘Yellow flicker beat’ esta cantante (¿alguien me dice de donde viene lo de “Lorde”) se convierte automáticamente en alguien del que todo el mundo buscará más información, y la verdad, aunque el tema no me desagrada, tendré que darle tiempo a la artista para convertirla en alguien que frecuente mis listas de preferencias musicales.

Mientras la voy descubriendo, os dejo el tema en cuestión, y a continuación, os dejo algunas imágenes nuevas de Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte 1 que E-One Films nos ha hecho llegar hoy mismo.



En las imágenes, podemos ver a muchos de los protagonistas de esta nueva entrega que nos encamina hacia el final del dominio del Capitolio y entre los que encontramos a Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Donald Sutherland, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Stanley Tucci, Natalie Dormer y Julianne Moore entre otros.



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Creo que fue allá por 2009 cuando el humorista Werd Al Yankovic lanzaba a la red su excelente parodia del tema "American Pie" de Don Mclean tuneado con el argumento de Star Wars, y aunque desde entonces este tipo de videos se han popularizado hasta la saciedad, hoy os traigo otra parodia  relacionada con un éxito musical y la saga inmortal de George Lucas.


En este caso su artífice es un tal ZDoggMd, y para la ocasión ha utilizado el tema de Coldplay 'Viva La Vida', utilizando este hit de los británicos para contarnos sus impresiones sobre Star Wars, saga con la que parece bastante disgustado ya que el tema, a diferencia del de Werd Al Yankovic no narra historias galácticas, sino que tiene un toque más cercano a la venganza debido a cierto trauma del actor por “los retoques” que Lucas hizo en su saga.

Os dejo este “Viva la Vader” (que en poco más de dos semanas ha recibido más de 5000 visitas) por aquí para que os echéis unas risas, y me despido con el texto / chiste malo que acompaña al video en youtube y que os traigo traducido:

“George Lucas arruinó retroactivamente mi infancia al ‘mejorar’ su trilogía original de Star Wars. Bueno, dos personas pueden jugar ese juego. La venganza es un plato que se sirve Cold … play.”



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Hoy 2 de septiembre, nos hemos enterado de que Jimi Jamison, el segundo vocalista del grupo ‘Survivor’ ha muerto a los 63 años de un ataque al corazón y debido a que interpreto algunos de los temas estelares de la banda sonora de Rocky, hemos aprovechado para traeros una lista de temas vocales pertenecientes a películas de los años ochenta que estamos seguro que te encantan.

10 Canciones de bandas sonoras ochenteras que seguro que amas
El número de canciones de este tipo es enorme ya que, como seguro que sabréis, la década de los ochenta fue especialmente prolífica en música y clásicos cinematográficos, así que lejos de querer realizar un ranking, la lista viene a refrescar temas pertenecientes a películas muy populares que, estoy seguro, que todo el mundo recordara.

Aclarado este detalle, empezamos con la lista, en la que el primer lugar lo ocupa un tema del fallecido Jimi Jamison, a quien le deseamos que descanse en paz y le agradecemos todo lo que hizo por la música.

‘Burning Heart’ de Survivor para la BSO de ‘Rocky IV’

Pese a que el tema más conocido de la banda sonora de Rocky es probablemente ‘Eye of the Tiger’, se trata de un tema que en su momento interpreto David Bickler antes de que Jamison (anterior vocalista de Cobra) lo sustituyera. Es por eso, que destacamos este tema, el cual, al igual que la mayoría de temas que acompañaron a Rocky os habrán acompañado en algún que otro día de entrenamiento.



‘The Moment of Truth’ de Survivor para la BSO de ‘Karate Kid’

Por su labor en el AOR (Adult Oriented Rock), Jamison bien se merece aparecer otra vez en este listado, y aunque en esta ocasión no lo hace con el que para mí es el mejor tema musical de este film de artes marciales, hay que admitir que se trata de una canción que también nos trae estupendos recuerdos.



‘Cry Little Sister’ de Gerard McMann para la BSO de ‘Jóvenes Ocultos’ (The Lost Boys)

Y de dos cintas de tortas, a una de vampiros que cuenta con una gran BSO. “Jóvenes Ocultos”, un film protagonizado por unos jóvenes Kiefer Sutherland y Corey Feldman que está dirigido por Joel Schumacher, realizador que tras joyas como estas nos castigó con sus cintas de Batman.

El tema ‘Cry Little Sister’ está vinculado inconfundiblemente con el este particular film de vampiros, y es un gustazo escucharlo cada vez que se puede.



‘Ghostbusters’ de Ray Parker Jr. para la BSO de ‘Cazafantasmas’

Con un estilo muy diferente a los temas anteriores, la BSO de Cazafantasmas es otro clásico inconfundible y siendo sinceros, hay que decir que ha envejecido realmente bien…. ¿A quién vas a llamar?



‘The NeverEnding Story’ de Limahl para la BSO de ‘La Historia Interminable’

Uno de los clásicos juveniles más recordados de los ochenta (y hay muchos excepcionales) es sin lugar a dudas ‘La Historia Interminable’, la adaptación del libro de Michael Ende que a muchos nos descubrió los caminos hacia el país de la fantasía, un lugar donde seguro que vivía el peluquero de Limahl, el autor de este precioso tema que tantas veces oímos en los ochenta.



‘Magic Dance’ de David Bowie para la BSO de ‘Dentro del Laberinto’

Siguiendo con temazos perteneciente a películas de fantasía no podíamos ignorar al gran David Bowie, quien haciendo de sí mismo interpretaba al malvado y cantarín rey de los goblins en este clásico del grandísimo y también fallecido Jim Henson.



‘You´re the best around’ de Joe Esposito para la BSO de Karate Kid

Y volvemos a películas ya tratadas pero atendiendo a temas musicales diferentes como este enorme “You´re the best around’ de Joe Esposito, tema que junto al tema exclusivamente instrumental (sin voces) de Bill ContiTraining Hard’ me parecen las mejores canciones del film (sin menospreciar el gran tema de Survivor).



‘The Eye of the Tiger’ de Survivor para la BSO de Rocky III

Todos los temas incluidos en las diferentes BSO de Rocky resultan especialmente relevantes dentro de los temas ochenteros, pero hay que admitir que este “Ojo del Tigre” es probablemente un himno para deportistas y cinéfilos, y como tal no puede faltar en esta lista ni en ninguna dedicada a subir nuestros ánimos.



‘It´s a Long Road’ de Jerry Goldsmith con Dan Hill a la voz para la BSO de Rambo / Acorralado (First Blood)

Y continuamos con otra cinta de Stallone, en este caso, a primera película en la que conocimos a John Rambo. Su BSO es básicamente instrumental, pero como colofón a una gran película y un enorme trabajo, su compositor, Jerry Goldsmith nos ofreció una versión cantada de ‘It´s a long road’ el tema principal del film, a quien le puso voz un para mi desconocido Dan Hill. ¡MUY GRANDE!



‘I still believe’ de Tim Cappello para la BSO de ‘Jóvenes Ocultos’ (The Lost Boys)

Para terminar, volvemos al film de Joel Schumacher y aunque en su BSO sonaban temas tan grandes como el ‘People are Strange’ de The Doors, nos quedamos con el tema de Tim Cappello ya que a diferencia del tema de Jim Morrison, este si fue compuesto en los ochenta y su saxo es realmente un sonido muy característico de la década.



Y hasta aquí la lista. Sin duda, he revelado cuales fueron algunos de mis títulos favoritos de los ochenta, y si bien hay muchos, pero que muchos más, puedo concluir que estos temas musicales están siempre conmigo.

¿Os atrevéis a revelar cuales son vuestros temas predilectos? ¡Animo y si además os ha gustado el post, no dudéis en compartir y seguirnos en nuestras redes sociales.




Jake, Finn y el resto de personajes de la serie animada ‘Hora de Aventuras’ se han convertido, además de en miembros indispensables de la parrilla televisiva, en difusores de todos aquellos aspectos que rodean la llamada subcultura, y dentro de esta, se encuentran también algunos elementos virales que se hacen famosos por internet y de los que todo el mundo acaba enterándose.

Jake baila "What does the fox say"
Uno de estos videos virales que arraso hace algunos meses (casi un año diría yo), fue el tema What does the fox say? que el humorista Ylvis difundió por la red, y si desde entonces hemos visto multitud de interpretaciones (incluyendo la genial versión que hizo Florentino Fernández en el programa de TV ‘Tu cara me suena’), hoy nos hacemos eco de un clip en el que los protagonistas de Hora de Aventuras bailan al ritmo de esta simpatiquísima y cachonda canción.

Sinceramente no se cuánto hay de oficial en el clip (subido por un tal "Finn ElHumano" en youtube) pero la verdad, creo que se trata de una promoción estupenda para esta serie que arrasa en Cartoon Network (aunque en España la vemos en Boing) y que encanta tanto a niños como adultos (sobre todo a estos últimos).

Os dejo el video y espero que consiga sacaros la misma sonrisa que yo he esbozado al verlo.


Meriendi selfie en el baño

A estas alturas del verano, y sin un tema musical que podamos considerar como el típico “hit estival”, las diferentes marcas que pueblan nuestro país se esfuerzan por presentar alguna cancioncilla que consiga grabarse a fuego en la mente de los consumidores, y, mientras que algunas marcas buscan temas para promocionar el turismo u aprovecha la fama de ciertos humoristas para lanzar “la canción menos seria del verano”, Bifrutas de Pascual apuesta por “Enamorado 2.0.”, la obra viral de Meriendi, un cantautor creado ad hoc.

Enamorado 2.0.” tiene todos los elementos para convertirse en un himno para los internautas que buscan encontrar “el amor” (o más bien un ligue) por la red, y a diferencia de temas conocidos como “Atrapados en la Red” de Tam Tam Go, Meriendi demuestra un enorme sentido del humor y nivel de autocrítica en un video en el que todos aquellos que alguna vez hemos “buitreado” por la red (yo también soy de la generación “¿Me das tu Messenger?”) podrán sentirse identificados.



El video cuenta con la dirección de Daniel Etura, un realizador habitual en la escena española y creador de los clips más conocidos de gente como M-Clan o Ivan Ferreiro (el ex-vocalista del grupo indie “Los Piratas”) y como apoyo para la campaña se ha lanzado un microsite en el que, siguiendo con la clave de humor que caracteriza a esta acción, se nos presenta una curiosa biografía de Meriendi en la que nos hablan de los orígenes de este tipo.

Ciertamente, y una vez más, la creatividad y el humor, dejan patentes que se puede hacer publicidad sin que esta nos invite a sacarnos los ojos, algo que personalmente agradezco enormemente en estos tiempos que corren.
El Festival de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), no sólo ha logrado arrancar y sostenerse, en unos años especialmente nefastos para la cultura en general en nuestro país (y en las Islas Canarias en particular) sino que, transcendiendo de ser uno de los actos culturales más esperados en la agenda de “La Isla amable”, ha logrado erigirse como un baluarte, un referente del maravilloso universo de la música del cine. Fimucité es uno de los certámenes de cine de referencia internacional.

El festival contiene tres apartados: Proyecciones Cinematográficas, con una cuidada programación de documentales, cortometrajes y largometrajes, cuyas bandas sonoras entran en competición; Talleres para Compositores, con la posibilidad, para los asistentes, de recibir clases magistrales de músicos de prestigio; y Conciertos, en especial los celebrados en el Auditorio Adán Martín de la capital tinerfeña, donde La Orquesta sinfónica de Tenerife (OST), que recientemente asumió el encargo de grabar la banda sonora compuesta por el australiano Johnny Klimek para la película 6 Miranda Drive dirigida por el también australiano Gregg McLean, y El Tenerife Film Choir, bajo la dirección del maestro Diego Navarro y de los compositores invitados, con el apoyo de artistas de reconocida prensa a nivel mundial, deleitan a los presentes con maravillosas veladas musicales. Ocho han sido ya los años que el festival lleva sorprendiéndonos y emocionándonos a los aficionados que acudimos una y otra vez y que damos por consolidado en nuestro suelo tal festín de acordes y notas cinéfilas. Músicos como Mychael Danna, Marco Beltrami, David Arnold, Patrick Doyle, Stephen Warbeck o los españoles Alfonso de Villalonga y Roque Baños, han pasado por Tenerife, dejando una enorme huella en los espacios armónicos del Fimucité.

El desarrollo de Fimucité 2014, en su octava edición, que ha tenido lugar entre los días 4 y 12 de julio, ha demostrado que el certamen goza de una salud envidiable. Hemos podido observar como la prestigiosa web score magazine, que se autoproclaman como la web más extensa de música de cine en castellano, para su décima entrega de premios, ha depositado la confianza en el Fimucité. La noche del viernes se entregaron dos galardones. El de mejor banda sonora nacional recayó en el compositor Víctor Reyes, por su hermaniana partitura para la película Gran Piano (España, 2013), de Eugenio Mira. El premio al mejor compositor español, o afincado en España, fue para al compositor de origen francés Pascal Gaigne, que dedicó su premio a la Orquesta Sinfónica de Tenerife, porque sin los músicos que materializan las ideas de los creadores, “no somos nada”.

Comenzando por el apartado de las proyecciones, en clara armonía y complicidad con la Filmoteca Canaria, cuya sede, desaparecidos los cines Renoir-Price de nuestra capital, radica actualmente en el Espacio Cultural Aguere, en la ciudad Universitaria de La Laguna, la programación arrancó una retrospectiva de seis películas que cuentan con la banda sonora del maestro Don Antón García Abril, quien estuvo presente en el Festival haciendo gala de sus sabiduría y buen humor. El ciclo se inició, en clara avanzadilla, desde el 12 de junio y culmina el jueves 17 de julio. Durante todos los jueves entre ambas fechas, se han podido visionar una película impregnada de los acordes compuestos por el maestro García Abril. Así, el Crimen de Cuenca (España, 1979) y Gary Cooper que estás en los cielos (España, 1981), ambas de Pilar Miró o Los Santos Inocentes (España, 1984), de Mario Camus, han podido verse en las referidas salas laguneras.

Durante la semana del festival, el TEA (Tenerife Espacio de las Artes), acogió el grueso del variado menú cinematográfico, que incluyó un mini-ciclo de tres películas producidas por la mayor industria del cine mundial de cine, Bollywood, entre ellas una adaptación de la obra universal de William Shakespeare Romeo y Julieta titulada Goliyon Ki Rasleela Ram-Leela (India, 2013), Dirigida por Sanjay Leela Bhansali. La programación incluyó varios formatos audiovisuales. En el terreno del documental destacaron varias propuestas. Un recorrido por el cine de terror español nos lo proponía Zarpazos, un viaje por el Spanish Horror (España, 2014), dirigido por Víctor Matellano; una crónica periodística sobre el magnicidio de Dallas de 1963, narrado exclusivamente a través de la información recabada y ofrecida aquél día por los diferentes medios, The Assassination of President Kennedy (EE UU, 2013), o un profundo homenaje a la carrera del maestro García Abril, Antón García Abril… el hombre y la música, de Laura Sipán, entre otros muchos. El cortometraje tuvo amplia representación, con predominio claro del producido en España. Así, se pudieron ver cortos como Decrescendo (España, 2013), dirigido por Roberto Salvador, Cuarenta y uno (41) (España, 2014), dirigido por el actor canario José Luis de Madariaga, o Mudanza (España, 2013), de Marta Parreño Gala. En el apartado de Largometrajes de Ficción, la sala de cine del TEA, ofreció, entre otros, los filmes Las Cartas de Malex (España, 2014), de Carlos Reyes Lima, o Wax (España, 2014), de Víctor Matellano.

Elliot Goldenthal, Paul William y Garcia Abril
Los trabajos ganadores de los premios Alex North del Fimucité 2014, fueron cuatro. El documental de corte histórico Entre dos mundos: La historia de Gonzalo Guerrero (México-España, 2012), de Fernando González Sitges, acerca del soldado español mencionado en el título, náufrago en la península del Yucatán, e integrado en la civilización Maya, en los tiempos de Hernán Cortés. Imágenes de ficción y narración en primera persona, cuyo peso recae en la poderosa y carismática voz de Ramón Langa, se alternan con pareceres de expertos (arqueólogos, historiadores, etc) de España y México. Se aportan los diferentes puntos de vista, según los distintos cronistas de la época. La banda sonora, compuesta por Santi Vega, se mueve principalmente entre los coros (donde destaca la voz masculina desgarrada al inicio y final del filme) y la percusión (indisoluble en el cine al mestizaje cultural). El correctísimo trabajo de Vega, se hizo con el galardón a la mejor banda sonora en su categoría.

El cortometraje Shalom Kabul (Reino Unido, 2013), dirigido por Jack Jewers fue premiado por el soporte musical al mejor cortometraje. Un estupendo trabajo, sobre la absurda rivalidad existente entre los dos únicos integrantes de la comunidad judía en territorio talibán, concretamente en la capital de Afganistán, en 1999. La banda sonora de Debbie Wiseman, cuenta con unos emotivos solos de violín (el referente es sin duda la memorable banda sonora de John Williams para el magistral filme de Steven Spielberg sobre el Holocausto Judío) y de flauta étnica,. Dos instrumentos que contextualizan perfectamente la trama. El rincón de la ciudad de Kabul en que transcurre el cortometraje, fue meticulosamente reproducido en los famosos estudios Shepperton, de Inglaterra.

El largometraje Meetings with a Young Poet (Canadá, 2012), de Rudy Barichello, narra la relación personal y epistolar de un joven Paul Susser con el veterano escritor, poeta y dramaturgo, el irlandés Samuel Beckett (del que el excelente actor canadiense Stephen McHattie, muy bien caracterizado, realiza una estupenda composición). El film cruza esa narración (poblada de encuentros en diferentes años, sobre todo en un modesto café) con la relación de Susser con la actriz Carole Thomas (excelente como siempre la actriz portuguesa María de Medeiros), que desea interpretar el papel principal de la obra teatral de Beckett, de un solo acto y para un solo actor, La última cinta de Krapp.

Finalmente, el premio a la mejor canción del certamen recayó en Subhanallah, de la película Yeh Jawaani Hai Deewani (India, 2013), de Ayan Mukherjee.

El encuentro con el músico Paul Williams el sábado 12 de julio, permitió revisar en pantalla grande la obra maestra de Brian de Palma, El Fantasma del Paraíso (Phantom of the Paradise, USA, 1974), variante en clave musical de la obra, literaria y cinematográfica, El Fantasma de la Ópera, trufada con numerosos ingredientes de Fausto, la inmortal obra del escritor alemán Johan Wolfgang Von Goethe.

Los Talleres Musicales en la edición de 2014, con el título Workshop: Legado y Modernidad de la Música para Televisión, albergaron las tardes del 10 al 12 de julio unas jornadas auspiciadas por el referenciado (y reverenciado) maestro don Antón García Abril, y los compositores españoles Víctor Reyes y Pascal Gaigne, así como los invitados Lee Holdridge, Trevor Morris o Joseph LoDuca, o el mencionado Paul Williams. La idea, tal y como puede leerse en la web del Festival es ofrecer “… una oportunidad única para acercarse a las características específicas de la composición para la televisión, así como los entresijos y evolución de la pequeña pantalla”.

David Navarro dirigiendo
En el apartado de Los Conciertos, sin duda las actividades del certamen más esperadas por los cinéfilos, el programa arrancó el sábado 5 de Julio en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos, al sur de la isla. Al frente del espectáculo se erigieron La Big Band de Canarias, con el saxofonista tinerfeño Kike Perdomo, que contaron con la inestimable ayuda de la contundente voz de Esther Ovejero y la cautivadora flauta de la artista de reconocido prestigio internacional, Sara Andon. Bajo el título genérico Film Noir, con un claro predominio del Jazz, ofrecieron un selecto repertorio con algunas de las composiciones clásicas que han marcado la evolución del género, entre las que destacaron varias piezas inmortales de artistas como Henry Mancini, de quien se interpretó la banda sonora de la obra maestra de Orson Welles Sed de Mal (Touch of Evil, USA, 1958), piedra angular (música y película) en la dinámica del género; Elmer Bernstein, de quien destacaron los temas de El Hombre del Brazo de Oro (The Man with the Golden Arm, USA, 195), de Otto Preminger, o de la obra maestra Chantaje en Broadway (The Sweet Smell of Success, USA, 196), de Alexander Mckendrick; Leonard Bernstein, compositor de la excelente banda sonora de la película de Elia Kazan La Ley del Silencio (On The Waterfront, USA, 1954). Todo ello junto a piezas más contemporáneas como el hermosísimo Love theme de Vangelis para Blade Runner (USA, 1982), el clásico del británico Ridley Scott.

El domingo 6 de junio, The Pop Culture Band, encabezada por el guitarrista Ikay Ledesma, se hicieron con el público asistente, en los dos pases del concierto Back to the 80’s. Como su propio nombre indica, se realizó un nostálgico y dinámico recorrido musical a esa década prodigiosa. Éxitos como The Heat is on, escrito por Glenn Frey para la magnífica banda sonora de la primera entrega de Superdetective en Hollywood (Beverly Hills Cop, USA, 1984), de Martin Brest, hasta el tema principal de Los Cazafantasmas (Ghostbusters, USA, 1984), de Ivan Reitman, pasando por dos fantásticos remix, uno acerca de los éxitos del grupo Queen para las películas Highlanders y Flash Gordon, ejecutado estupendamente por Marc Quee, y otro que versó en el álbum Pink Floyd’s The Wall, convertido en película musical por el realizador británico Alan Parker. Salió al escenario Rafa Saavedra, que ha interpretado en repetidas ocasiones la obra de Pink Floyd al completo. El tablado capitalino estuvo literalmente invadido por acordes de temazos de las bandas sonoras de títulos tan emblemáticos de la década como Top Gun, Flashdance, Dirty Dancing, Fama, Oficial y Caballero o The Blue Brothers, que sonaron maravillosamente. El público, entregado a una banda que conquistó en las dos sesiones, se levantó y bailó al ritmo de canciones emblemáticas, pertenecientes a películas no menos significativas, surgidas en unos años donde quien escribe estas líneas y mi generación, comenzamos a ir al cine con asiduidad y fuera del manto protector de nuestros progenitores. El acto, marcado por la compenetración de la banda, así como de los cantantes (estupendas las intervenciones de Esther Ovejero, Lorena García o Fran León, entre otros) y los bailarines, que contextualizaban la canción con las imágenes reconocibles de los distintos filmes, permitió al maestro Diego Navarro comparecer con una guitarra eléctrica y ejecutar los compases de The Power of love, el pegadizo tema de Huey Lewis and the News para la banda sonora de Regreso al futuro (Back to the future, USA, 1985), de Robert Zemeckis. Se anunció por parte de Navarro, al final del concierto, el proyecto de continuar con la banda de gira, llevando el Back to the 80’s por la geografía nacional… y hasta donde llegue. Todo un viaje en el tiempo hacia unos años irrepetibles, del que personalmente extrañé alguna canción de la mítica película de Walter Hill, Calles de fuego (Streets of fire, USA, 1984).

El emblemático teatro capitalino, acogió el jueves 10 de julio a partir de las 20.30 horas, a la Banda Sinfónica del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife, dirigida por Benigno Cedrés, que, bajo el título Niños y Héroes, acometieron las sintonías de series de televisión como McGyver, el show de los Teleñecos, o series de animación como el Inspector Gadget, Tom y Jerry, Los Picapiedra, o La Pantera Rosa y temas de cine de superhéroes, con interpretación de las bandas sonoras de éxitos recientes como Spider Man, Los Increíbles o El Hombre de Acero.

El Auditorio Adam Martín de Santa Cruz de Tenerife, acogió los días 11 y 12, los pesos pesados del Festival. La Gran Gala de la Televisión y El Señor de la Noche: Sinfonía de Gotham.

Tina Guo interpretando una de las piezas que homenajean a Batman por su 75 aniversario
El viernes 11, tras la entrega de los premios de la web Score Magazine antes mencionados, comenzó un maravilloso concierto, que se estructuró de la siguiente forma. La primera parte comenzó con la interpretación, por parte de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, dirigida por Diego Navarro, de temas musicales de los premiados por la referenciada Web. La Hitchconiana banda sonora de Gran Piano, de Víctor Reyes, para la cual se contó con la pianista inglesa Sophia Unsworth, fue seguida por temas de Pascal Gaigne, destacando la impecable fusión de coros y orquesta para el documental histórico de 2011, La Chanson de Roland, que contiene toda una banda sonora a reivindicar, rica en matices y variedades.

A continuación Diego Navarro cedió la batuta al maestro Lee Holdridge, veterano compositor y músico, cuya carrera de más de treinta años abarca cine, televisión y musicales, abordó con sabiduría y liderazgo, la dirección de nuestra orquesta para acometer grandes clásicos de la televisión. Así, títulos míticos como la serie Al Este del Edén (banda sonora creada por el propio Holdridge), El Pájaro Espino, de Henri Mancini, Norte y Sur, de Bill Conti o El Equipo A, de Mike Post y Pete Carpenter, se fueron sucediendo de modo muy entusiasta. Junto a estas series ya clásicas de la pequeña pantalla, se coló la suite urdida por Federico Jusid para la serie creada por RTVE, Isabel, sobre el reinado de Isabel I de Castilla. Una banda sonora que navega equilibradamente entre lo épico y lo íntimo. Toda una joya. A Holdridge más de una vez se le escaparon razonables gestos de satisfacción al comprobar la eficacia de la orquesta que dirigía y la sinergia que reinaba en el escenario.

El segmento dedicado a la obra del maestro Antón García Abril puso el broche a la primera parte del concierto. Un recorrido muy emotivo, pues, al escucharse una selección de temas (uno de ellos con un exquisito uso del arpa) de El Hombre y la tierra, la maravillosa serie documental de Félix Rodríguez de la Fuente, o de series televisivas como Fortunata y Jacinta (para la que se contó de nuevo con la pianista Sophia Unsworth) y Anillos de Oro, al público presente, en pie, se nos escapó una ovación multitudinaria, que emocionó al compositor aragonés. Un sentido homenaje a toda una vida dedicada a la música.

En la segunda parte del concierto, la batuta se la repartieron tres compositores invitados al certamen. El mencionado Holdridge, volvió a dirigir, aparte de otros temas, dos piezas suyas para televisión. El Love theme de La Bella y La Bestia, serie de televisión protagonizada por Linda Hamilton y Ron Perlman, ambientada en el Nueva York actual y la fantasía para flauta y orquesta de Las Brumas de Avalon (The Mists of Avalon, USA, 2001), sobre la novela de Marion Zimmer Bradley, que aborda las leyendas artúricas desde el punto de vista de las mujeres en la vida del Rey Arturo. Una suite de generosa duración para el precioso tema compuesto por Holdridge. Trevor Morris ejecutó maravillosamente su propia composición para la serie ideada por Neil Jordan, Los Borgia. El Tenerife Film Choir lideró el impresionante segmento musical, que resonó maravillosamente, bajo la precisa batuta de Morris, autor igualmente de la banda sonora de Los Tudor (ejecutada esa noche por Holdridge) y Los Vikingos, series ambas auspiciadas por el guionista británico Michael Hirst. El tercer compositor invitado, Joseph LoDuca, el autor de la trilogía Evil Dead de Sam Raimi, acometió la dirección de sus bandas sonoras para las series Xena, toda una maravilla, una grata sorpresa, ejecutada con mucha pasión. Fue necesaria la conjunción del coro, la cuerda y el viento de la orquesta sinfónica, el soporte de la maestra de coro Cristina Farrais, la sugerente flauta de Sara Andon y la solemne Gaita escocesa. Una auténtica gozada. LoDuca brindó su segura mano al abordaje de la banda sonora compuesta por él, para la suite de la infumable serie Spartacus, mezcla deleznable de las memorables 300 (USA, 2007), de Zack Snyder y Gladiator (USA, 2000), de Ridley Scott, pero sin el menor gusto, ni mesura. Precioso el trabajo de LoDuca para esta serie, aunque deudor de la partitura y sonidos creados para la película de Scott. LoDuca repite la fórmula de la voz femenina desgarrada, a las maneras de la voz de la neozelandesa Lisa Gerrard para el mencionado film protagonizado por Russell Crowe. Dos suites generosas para sendas partituras de Loduca, cuya espléndida sonoridad fue maravillosamente dirigida por su creador.
Instantánea del final del Concierto dedicado a las series de televisión

Holdridge dirigió el coro y la orquesta en piezas como la canción de apertura de la serie Luz de Luna (para el que se contó con la voz de Fran León), la sinfonía de Downton Abbey, o una suite que abarcó tres temas del compositor Sean Callery, Los Kennedy, Elementary o 24: Vive otro día (Callery estuvo en la primera entrega del Fimucité y su concierto en el Teatro Guimerá de esta capital sobre la serie 24, figura entre los extras de la edición en dvd de la séptima temporada de la serie). Sin embargo, la ejecución del tema central de Los Tudor (que curiosamente no acometió su compositor, el también invitado Trevor Morris) y de la miniserie Hermanos de sangre, no emocionaron, no terminaron de conmover, carecieron del calado de The Pacific, por ejemplo, cuyo main theme fue maravillosamente ejecutado, con una precisión milimétrica. La propina de la gala, vino con el tema central, compuesto por el músico de origen argentino afincado en Hollywood, Lalo Schifrin, de la mítica serie de televisión Hawai 5-0. Sin duda un inesperado pero atractivo remate a una noche un poco larga, pero decididamente fructífera.

Como suele ocurrir en el Fimucité, lo mejor estaba aún por llegar. El auténtico canto de cisne del festival, tuvo lugar el sábado 12 de julio a partir de las 20.00 horas. Con ocasión al 75 aniversario del personaje creado por Bob Kane, se programó el concierto titulado El Señor de La Noche: Sinfonía de Gotham. Un majestuoso nombre para no menos grandilocuente reto: el homenaje musical más completo jamás realizado al héroe alado. El recorrido comprende la serie de televisión de los años 60, con partitura escrita por Neil Hefti, hasta la memorable banda sonora de Hans Zimmer (con el apoyo importante de James Newton Howard) para la trilogía del Caballero Oscuro, de Christopher Nolan, pasando por las aportaciones de Danny Elfman para los dos films de Tim Burton, de Elliot Goldenthal para los dos desafortunados filmes de Joel Schumacher, o la música de película de Animación Batman, the Mask of the Phantasm (USA, 1993), dirigida por Bruce Timm y Eric Radomski, prolongación de Batman, La serie Animada. La banda sonora original de ésta última fue compuesta por la californiana Shirley Walker, que fuera colaboradora de Elfman, fallecida en noviembre de 2006.

Los temas de Batman (USA, 1989) y Batman Returns (USA, 1992), sin duda brillaron a gran altura. La fanfarria creada por Elfman, el hermoso waltz para el baile del Joker con la periodista Vicky Vale o el tema que acompaña la andadura de Oswald Cobblepot, alias, el Pingüino, brillaron a la altura y nivel esperados. El mal sabor de boca que dejaron los dos deficitarios largometrajes dirigidos por Joel Schumacher, Batman Forever (USA, 1995) y Batman y Robin (USA, 1997), sin duda habían eclipsado el trabajo de un compositor de la talla y el nivel de Elliot Goldenthal. Un músico de una trayectoria apasionante, que ha trabajado con directores del calibre de Michael Mann, Neil Jordan o Julie Taymor (su pareja en la vida real). El compositor nacido en Brooklyn, antes de acometer su trabajo en la saga de Batman, había acogido con mucha ilusión, otra franquicia, la de Alien, para la película Alien 3 (USA, 1993), de David Fincher. Goldenthal creó un score memorable que se mimetiza con las intenciones visuales de constituir un punto de ruptura con las anteriores aportaciones de la saga. En la tercera edición del Fimucité pudimos disfrutar de La Sinfonía Biomecánica, que fusionaba piezas musicales de cada una de las películas de la saga del 8º pasajero.

Los maravillosos acordes de las partituras de Goldenthal, sorprendieron por su riqueza musical (una auténtica pesadilla para los violines, como él mismo ironizó en la presentación). El auditorio en peso se levantó a aplaudir. Una vez que Diego Navarro lo buscó con la mirada entre el público y le pidió que se levantara, el público, se volcó en aplaudir el meritorio trabajo de Goldenthal, unas partituras definitivamente indignas para las películas de Schumacher sobre el héroe enmascarado. El autor, que demostró una personalidad sencilla y accesible, fotografiándose al final pacientemente con todos los fans, agradeció los aplausos de un modo humilde y emotivo.

Manuel García de Mesa y Elliot Goldenthal
Un servidor (Manuel García de Mesa) y Elliot  Goldenthal
La última parte del concierto, se dedicó a las aportaciones del realizador Christopher Nolan sobre el personaje: su trilogía sobre El Caballero Oscuro. Para la ejecución de esta parte del concierto, acudió al escenario un trío excepcional. La violoncelista Tina Guo, con su peculiar cello eléctrico desprovisto de caja de resonancia y con sólo cuatro cuerdas, cuyo personal sonido ha prestado, por ejemplo, para la banda sonora de la serie de HBO, Juego de Tronos. El sonido de la virtuosa Guo, se mostró particularmente apropiado para la banda sonora de El caballero Oscuro (Dark Knight, USA, 2009) y en particular para esos acordes desquiciados que presiden la perturbada andadura del villano Joker. En ese sentido, fueron sobrecogedoras Why so serious?, o The Joker. La voz desgarrada de la cantante y arreglista nacida en Mongolia, Uyanga, destacó poderosamente en The Dark Knight suite. Su voz penetra en el subconsciente y se fusiona maravillosamente con la variedad de estilos que co-habitaban en el ecosistema instalado en el escenario. La mencionada suite comenzó con el sonido de aleteo de murciélago, proporcionado por el tercero de los invitados, el programador y teclista Ciprian Costin, especialista en la fusión de melodías cinematográficas con efectos de sonido, particularmente centrado en la música de Hans Zimmer (quien personalmente otorgó el visto bueno a los arreglos para las piezas que se escucharon en la gala de clausura). El sonido del aleteo, se prolongó casi toda la sesión, sostenido por unos violines en estado de gracia. La orquesta sinfónica en peso se volcó en la interpretación de Molossus, el intenso tema compuesto por Zimmer para Batman Begins, una banda sonora que se debate entre lo íntimo y lo espectacular en adecuada proporción. El Tenerife film Choir, mostró su calidad inmensa en el tema Childhood Memories, de la banda sonora del tercer episodio, Dark Knight Rises, otro festín de sensaciones, que propone un viaje al interior del personaje, en términos similares a la primera entrega de la trilogía.

Hans Zimmer, a quien Christopher Nolan ha definido como el sonido de la música del cine actual, compuso unas bandas sonoras memorables (completadas por aportaciones de James Newton Howard para las dos primeras), que contribuyen de manera notoria, a la eficacia del tono marcadamente introspectivo, existencialista, melancólico, solemne y, ocasional y oportunamente grandilocuente, de la puesta en escena de realizador británico para esta apasionante trilogía, lo mejor que se ha filmado jamás sobre un superhéroe, para quien suscribe la presente reseña.

Un gran logro, en definitiva, para el maestro Diego Navarro, autor de bandas sonoras como La Puerta del Tiempo (España, 2002), película de animación de Pedro Delgado, con diseños de Antonio Mingote, Óscar, una Pasión surrealista (España, 2008), de Lucas Fernández, sobre el pintor tinerfeño Óscar Domínguez, interpretado por el portugués Joaquín de Almeida, o su debut en EEUU, Mimesis, Night of the living dead (USA, 2011), de Douglas Schulze. Navarro ha traído una sonoridad muy personal a nuestras tierras, con la complicidad del productor Pedro Mérida, cinéfilo sin redención posible, de Ana Molowny, cada año más atinada en sus presentaciones de los conciertos, o de Manuel Díaz Noda y Sagri Hernández, en las actividades paralelas, cuidadosamente seleccionadas. Como reza el slogan para el festival de este año “Es tiempo de Héroes”. 

Fimucité 8 ha sido una gesta heroica… en el sentido más homérico de la palabra.

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