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Crítica de "Transformers: La Era de la Extinción", ¿el último films de Transformers de Bay?

Crítica de "El Amanecer del Planeta de los Simios", un film imprescindible

Crítica de "X-Men: Días del Futuro Pasado", estupendo regreso de los mutantes de Marvel/Fox

Crítica de "Godzilla": Reinventando al Rey de los Kaijus

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Crítica de "The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro"

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“LUCY” era uno de los estrenos más esperados del sobresaliente cineasta francés Luc Besson (Malavita, 2013) que firma el libreto de la cinta y que por fin llegó a nuestras carteleras españolas este pasado fin de semana de la mano de Universal Pictures Spain. Al servicio de Besson se ponen caras muy reconocidas del cine internacional, como la indiscutible protagonista que da vida a Lucy, nuestra apreciada viuda negra Scarlett Johansson, arropada del veterano Morgan Freeman junto con Choi Min-Sik y Amr Waked.

Fotograma de Lucy, de Luc Besson
“LUCY” es una joven estudiante residente en China, que de forma involuntaria, se ve envuelta en un peligroso negocio de narcotraficantes que la obligan a hacer de puente para colar las drogas en otros países. De forma accidental, quedará expuesta a los efectos de la sustancia que transporta convirtiéndola en un ser especial.

Con títulos de fuerte impacto en su trayectoria como “El quinto Elemento” o “Léon, El profesional”, el maestro en los géneros de acción y la cifi, Luc Besson nos ofrece una sesión firme de entretenimiento, pero por debajo del nivel de calidad que le precede. Este último trabajo que versa en tres géneros, thriller, acción y ciencia ficción, es como una montaña rusa que va de más a menos, según avanza el metraje se va diluyendo ese arranque con fuerza que en principio suministra acción a raudales y que nos muestra una Scarlett Johansson pletórica en su papel, cada vez más versátil y cómoda en roles de acción, esa máquina letal de matar, una versión moderna del famoso personaje de “Nikita”. Aunque Scarlett nos eclipse con su Lucy convertida en una superwoman a lo más femme fatale, Morgan Freeman sea una apuesta segura en un papel secundario que resuelve con sobrada solvencia y tengamos un perfecto y carismático villano en la función personificado por el actor de Oldboy, Choi Min-Sik, el desarrollo de la historia es fallido, dejando a medio camino lo que podía haber sido una obra mayor del director.

Choin Min-Sik en un Fotograma de Lucy, de Luc Besson
Como apunte personal, me hubiese gustado mayor profundización en el pasado de la protagonista, tan sólo podemos reconocer al principio a una mujer ingenua y aparentemente impulsiva de la que desconocemos totalmente su anterior vida.

A grandes rasgos se denota que es una película de aires metafísicos de las que te hacen reflexionar, sobre todo por su final, un caso parecido a la reciente “Enemy”, que inclusive creo que causa el mismo efecto en el espectador tras verla, una película, o que amas o que repulsas, pero que no te deja indiferente para nada tras su visionado.

Por otro lado, hay muchas incongruencias relacionadas con la teoría del desarrollo de la capacidad mental del cerebro en cuanto a como va evolucionando la protagonista según va rebasando los niveles, algo no reprochable si la vemos como pura ficción y no buscamos un razonamiento realista.

El guión, bajo mi punto de vista, mezcla conceptos filosóficos como La teoría de Nietzsche del súper hombre. Mediante la evolución de la mente humana, concibe al individuo fiel a los valores de la vida y al sentido de la tierra tras la muerte de Dios, el hombre se convierte en omnipresente (Estoy en todas las partes).

Morgan Freeman y Scarlett Johansson en un Fotograma de Lucy, de Luc Besson

En el apartado técnico, la película está muy bien realizada, los efectos especiales están muy bien logrados y las escenas de acción son de lo más relevante que nos ofrece el film.

El futuro distópico de Lucy está bien trazado, diseñado y acompañado de una banda sonora a cargo de Eric Serra, el compositor habitual que trabaja bajo las órdenes de Besson ha encajado bien sus piezas musicales en los pasajes de intriga y acción. También el que fuera el vocal y líder del mítico grupo británico Blur, Damon Albarn, nos regala la canción “Sister Rust” grabada en exclusiva para el film.

“LUCY” se convierte en un producto consumible y ligero al más estilo palomitero, con valores transcendentales, pero no tan redondo como podría haber sido.


Con el mal sabor de ‘Avengers Confidential: Black Widow & Punisher’ aún atormentándome, decidí echarle un vistazo a la nueva cinta animada de Warner Bros que se ponía ayer a la venta, y aunque tenía mis reticencias sobre ella debido a que se ambienta en el universo de la saga de videojuegos ‘Arkham Asylum’, he de decir que termine encantado tras verla.

El Escuadrón Suicida en "Batman: Asalto a Arkham"
‘Batman: Asalto a Arkham’ (Batman: Assault on Arkham) parece nacer tras el éxito experimentado por Amanda Waller y su Escuadrón Suicida en la serie ‘Arrow’, y aunque en un principio todos pensábamos que este equipo seria el punto de apoyo de Batman en un misión dentro del manicomio más famoso de Gotham, hay que decir que estábamos equivocados.

La cinta, a grandes rasgos, trata sobre una nueva misión suicida que se encarga al equipo de criminales liderados por Deadshot, el cual, tendrá que infiltrarse en Arkham para arrebatar un pendrive que se encuentra en el bastón de ‘El Acertijo’, el primer villano que hace acto de presencia en el film, y el cual, parece ser el objetivo de un fuerte odio por parte de la jefa de ARGUS, la cual se muestra muy diferente fisicamente al personaje interpretado por Cynthia Addai-Robinson.

fotograma de "Batman: Asalto a Arkham"
Harley tendrá un encuentro buscado con Batman
Una vez elegido el equipo de operativos suicidas, compuesto por Deadshot, Harley Quinn, El Capitan Boomerang, Rey Tiburón, Killer Frost, Araña Negra y KGBeast, estos tirarán de sus todos sus recursos para cumplir su objetivo y, si es posible, evitar cualquier encuentro con el hombre murciélago.

En el desarrollo de la historia de ‘Batman: Asalto a Arkham’, en la que se nota un toque más adulto debido a la facilidad para acabar de forma bastante explicita con los personajes o mostrar sutiles detalles sexuales, nos iremos encontrando con diferentes personajes que pueblan Gotham City, y una vez llegados a Arkham, la acción ira in crescendo, mostrándonos a los habitantes más importantes del asilo como son El Joker (en una versión muy delirante y un poco más fuerte y agresiva de lo que me gusta), Bane, el Espantapájaros o Poison Ivy, los cuales, aunque introducidos como recursos (salvo el Joker, que tiene más importancia en la trama), aportan cohesión a este universo tan rico y en el que es innecesario inventarse más personajes (algo que Marvel aún no ha entendido tanto en el sector animado como en la serie Agentes de S.H.I.E.L.D.).

El Joker en "Batman: Asalto a Arkham"
El Joker en su celda de Arkham
Evidentemente, y teniendo en cuenta que el grupo está compuesto por psicópatas y criminales, los roces serán un elemento recurrente de la película, y como era de esperar en una cinta como esta (¡GRACIAS WARNER!), la trama está repleta de giros que incluye ejecuciones inesperadas, extrañas alianzas y un sinfín de escenas de acción que harán disfrutar como un enano a cualquier fan del universo DC.
 
Como pega, diría que la forma de vender el film resulto un poco engañosa al intentar colarnos que se trata de una cinta sobre Batman cuando se centra claramente en El Escuadrón Suicida, pero debido a la forma tan genial en la que conviven todos los personajes, es un detalles que se puede pasar por alto.

Una sexy Killer Frost en "Batman: Asalto a Arkham"
Killer Frost y Harley Quinn explotan su lado de villanas sexys en el film

Personalmente, creo que ‘Batman: Asalto a Arkham’ sigue en la línea de las últimas producciones del estudio animado DC/Warner (esta dirigida por Jay Oliva y Ethan Spaulding, realizadores de las adaptaciones animadas de 'Bajo la Capucha Roja', 'Flashpoint' o 'El Regreso del Caballero Oscuro' entre otras), y aunque en esta ocasión desconozco si tiene como base algún arco argumental del videojuego ‘Arkham’, os aseguro que el guion resulta espectacular y muy divertido al igual que los diseños de los personajes y el estupendo trabajo de animación.

La recomiendo encarecidamente y me alegro de que DC, al no depender de grupos infantiloides como Disney, pueda mostrar ejecuciones, sangre y encuentros sexuales entre los icónicos personajes que maneja.


Crítica de "Los Mercenarios 3"

Siempre he mantenido la teoría de que existen dos tipos de cursilería. La primera se corresponde con historias de amor eterno, vestidos de color blanco ondeando en una playa al atardecer, besos bajo la lluvia, y unas lágrimas cuando los amantes se despiden. A este tipo de cursilería me gusta llamarla ‘Femenina’. 

Pero luego hay otro tipo, uno en el que hay tiempo, entre mamporro y mamporro para hablar de la amistad, la hermandad, la necesidad de acabar con el malo, y cómo los amigos de toda la vida no son compañeros, ni siquiera colegas, qué va, son una nueva familia, que ha de hacernos ver que estará siempre con nosotros. Evidentemente, a este tipo de ñoñería me gusta llamarla ‘Cursilería masculina’.

Vale, no es sólo masculina, es de las películas americanas en general, sí, pero diré, sin (demasiado) miedo a equivocarme que el éxito de ‘Los Mercenarios’ reside en esa cursilería tan típica del cine americano.

No hay más que ver de lo que va la tercera entrega de la saga. Los amigos del fitness , capitaneados por Barney (Sylvester Stallone) y su inseparable Christmas (Jason Statham) quedan un martes cualquiera para ir a por unas bombitas, pero deciden pasar antes a recoger a Doc, nueva incorporación a las películas por parte de Wesley Snipes . Resulta que, el malo malísimo, que tiene las cabecitas nucleares, es un antiguo expendable / mercenario, interpretado por Mel Gibson

Mel Gibson en Los Mercenarios 3
Mel Gibson es junto a Antonio Banderas, Wesley Snipes y Harrison Ford uno de los tres nuevos "Mercenarios" que se unen al film


Por vicisitudes de "la vida mercenaria", Sly decide meter en el grupo a gente nueva, como por ejemplo Galgo, el personaje al que da vida Antonio Banderas. Este caballero, que no deja de hablar en ningún momento, supone lo más divertido de la película. Y sin spoilear digo que, el momento en que canta ‘El novio de la muerte’, supone la confirmación de que hasta las pelis de acción merecen ser vistas en versión original para disfrutar de esta escena que el propio actor no supo hasta ayer (y a través de la pregunta de un periodista) si finalmente había sido incluida en el metraje.

Y si Banderas es lo mejor de la película, lo peor sólo puede ser… nada. ¿Nada? Sí. A ver tengamos en cuenta que no estamos viendo una película de las que se nos quedarán durante años en nuestra memoria por su calidad. Se trata de Los Mercenarios, cine para disfrutar en el momento, para comer palomitas, para recordar cuando éramos pequeños, y disfrutar con los tiros.

La última escena de acción se hace pesada de lo larga que es (¿pero cuántos malos hay?) pero aún así, a la peli se la quiere. Hay que hacerlo para tragarse dos horas de tiros y cuchillos, uno tras otro. Curiosamente, y para la cantidad de balas y armas de doble filo que tiene el film, hay relativamente poca sangre en la peli. 

Ronda Rousey en "Los Mercenarios 3"
Ronda Rousey es "la mercenaria" de esta cinta

¿Pero no tendrían que ser siempre así las pelis de acción? Con buenos que son buenos y malos que son malos. No tiene dobles morales, el personaje de Barney es el bueno. Va... sí... mata gente, pero incluso el malo, Gibson, admite que ‘salvamos a millones’ en un momento determinado.

La première, fue ayer aprovechando el despliegue de pasta que han supuesto las galas Starlite en Marbella, y conto con un Antonio Banderas que sabe tirar para su tierra como ningún otro actor español, trayendo a Stallone, Statham, Snypes y al joven Kellan Lutz a tierras malagueñas para la rueda de prensa.

Y es que ya se sabe lo que les gusta a los actores esta zona, no hay más que escuchar las palabras de Stallone en la presentación, diciendo lo mucho que le gusta esta tierra, ya que ‘Siempre hace calor, y en las localizaciones donde grabamos hace mucho frío’ explicó a los medios. 

Wesley Snipes, Jason Stathan y Sylvester Stallone en Marbella
Snipes, Stathan y Stallone en el photocall de Starlite Marbella


‘He improvisado mucho para esta película’ decía Banderas momentos antes de que Stallone le recordase que era quien se llevaba a la chica, una de las compañeras del grupo, la fortachona Ronda Rousey que le pone cara (y cuerpo) a Luna.Oh, Luna’ suspira Stallone en la rueda de prensa.

¿Será éste personaje el encargado de abrir la puerta a ‘Las Mercenarias’? Este proyecto, para el cual, el cerebro del grupo, alias Sly, ha dicho que quiere a Sigourney Weaver, y del que ya hay infinidad de carteles rondando por internet, y que aunque hechos por aficionados, dan ideas a los productores de que actrices quieren ver en un film como este.

Los que sí que le dieron ideas sobre unos Mercenarios españoles a Stallone ayer fueron los periodistas que, hablando con Banderas y Stallone, citaron varios nombres, entre los que estaban Javier Bardem (Da miedo, eh’ que dijo Banderas), Santiago Segura o Dani Rovira que, en palabras del periodista ‘Total, como está en todas partes ahora…

Tenéis más fotografías (todas ellas realizada por nuestra compañera Celia Recio / @Celia_Kubrick ) del evento en nuestro canal de facebook y os recordamos que el film se estrena en nuestro país el próximo 14 de agosto ¡NO OS LA PERDÁIS!

Antonio Banderas en la presentación de "Los Mercenarios" en Marbella
Nuestro Banderas... lo mejor del film... no hay dudas (nosotros que vamos a decir...)



Londres es una ciudad preciosa con muchísimas cosas que hacer. Lo que a mí me encanta es ir al teatro y Londres es el paraíso para cualquier amante del teatro. Tiene más de dos cientos teatros y la oferta es de gran calidad e increíblemente variada: musicales, obras de teatro, óperas, ballets, conciertos. ¡Hay para todos los gustos! Desde que vivo en Inglaterra, no hay nada que disfrute más que ir a ver un musical o una obra de teatro en Londres. Hace unos meses, estábamos hablando con mi novio de que actor nos gustaría ver al teatro. Él decía que a Ian McKellen y yo que a Richard Armitage, ya que es un actor muy carismático y tiene una voz poderosa y lo imaginaba muy bien en una obra de teatro. Entonces, empecé a curiosear por la red y vi que Richard Armitage iba a estar en The Crucible en el Old Vic Theatre en un par de meses y claro, compré entradas enseguida.

Richard Armitage en "The Crucible"
Richard Armitage y sus compañeros en 'The Crucible'

Seguro que muchos de vosotros ya conocéis a Richard Armitage. Participó en muchas series de televisión (Norte y Sur, Spooks, Robin Hood, Strike back...) y sobre todo, es Thorin Oakenshield (Thorin Escudo de Roble) en la trilogía El Hobbit de Peter Jackson. Según lo que leí en entrevistas del actor, siempre quiso hacer teatro pero los papeles principales se los daban siempre a actores famosos (es entendible ya que los teatros necesitan llenar las salas porque la mayoría no recibe ninguna subvención) así que decidió hacerse un nombre antes de probar suerte otra vez. Fue una decisión bastante acertada ya que consiguió el papel de John Proctor, personaje principal de Las Brujas de Salem de Arthur Miller.

Personalmente, no conocía esta obra pero decidí leerla antes de ir al teatro y me gustó mucho. Fue publicada en 1953 y se inspira de eventos y personas reales: los juicios de Salem en 1692 y sus víctimas. Vemos como la histeria colectiva, la paranoia y las sospechas se apoderan de un pueblo, tras las acusaciones de un grupo de muchachas, y como algunas personas intentan resistir esta locura y denunciar la poca legalidad de los arrestos y de los interrogatorios. Es un libro que puede tener doble lectura ya que Miller lo escribió para denunciar el Macarthismo. El mismo fue una víctima de la caza de brujas contra los comunistas. Se ataca a lo que puede pasar cuando una parte de la sociedad está considerada diabólica, a menudo por tener opiniones diferentes, y que el poder está entre manos de unos pocos. Es una lectura muy recomendable.

Old Vic Theatre 'In the round season'
El Old Vic Theatre en su modalidad 'In the round'
El Old Vic es un teatro muy especial. Tiene una temporada llamada In the round, lo que significa que quitan el escenario principal y ponen un escenario circular con bloques de sillas alrededor de este círculo. La verdad es que es crea una atmósfera muy particular ya que los actores están en el medio del público y los espectadores están frente a los otros miembros de la audiencia. Es una forma de hacer teatro bastante apropiada para obras de juicios como The Crucible.

Richard Armitage es fabuloso como John Proctor y lo da todo durante las tres horas y media que dura la obra. Tiene una presencia increíble y expresa una gran variedad de emociones con sus expresiones, su voz y sus gestos. Sufrimos mucho con su personaje a lo largo de la obra. Destaca su actuación y conquistó tanto el público como a los periodistas. Hay que decir también que está rodeado de actores muy talentosos, como por ejemplo Adrian Schiller (Los Mosqueteros, Bright Star) y Anna Madeley (Mr Selfridge, In Bruges).

Richard Armitage "The Crucible"

Me gustaría añadir que parece un hombre muy simpático. Es costumbre, después de una obra de teatro, esperar a los actores al "stage door" (puerta del escenario) para una firma o una foto. Pero no todos salen por esta puerta y no todos pasan tiempo con los fans. No tienen por qué hacerlo la verdad, están pagados para actuar y nada más pero es un bonito gesto hacerlo y los fans lo aprecian mucho. Fui a ver la obra con una amiga que vino de España para ver la obra (¡Hola Belén!) y por desgracia, yo no podía esperar o iba a perder el último tren, pero ella se quedó, y como recompensa, Richard Armitage firmó su entrada y también hizo una foto con ella, y eso a pesar de una cola larga y después de dos representaciones de tres horas y media. Yo digo: ¡que viva el Rey bajo la montaña!

>Los teatros de Londres atraen a millones de turistas cada año y si queréis ver a un actor específico actuar en directo, vale la pena vigilar lo que se hace y venir a pasar un fin de semana a pasear por la ciudad y ver una obra. The Crucible está hasta septiembre así que no es demasiado tarde para ver a Richard Armitage. Y hace poco, anunciaron que Benedict Cumberbatch iba a ser Hamlet el verano próximo en el Barbican Theatre. Las entradas estarán a la venta el 11 de agosto. ¡Yo no me lo pienso perder!

¿Te acuerdas lo que sentiste la primera vez que viste ‘Los Goonies’, ‘La Guerra de las Galaxias’ o ‘Indiana Jones’? ¿Ese sentimiento de no poder apartar la mirada de la pantalla, hipnotizado? Es un sentimiento que, estoy segura, todavía tienes 20 (o 30) años después cada vez que las ves y que te hace sentirte como si fueras niño otra vez. Pues, así salí yo del cine anoche tras ver 'Guardianes de la Galaxia': pudiendo decir que había disfrutado como una enana.

Crítica de Guardianes de la Galaxia
Marvel ha cogido una panda de perdedores que nadie conocía (bueno… casi nadie) y como en el argumento del film, los ha convertido en héroes, dejándonos con las ganas de saber más de ellos y sin poder esperar a la próxima aventura.

Algunos críticos pensaban que los cerebros de la ‘Casa de las Ideas’ habían perdido la cabeza o que estaban desesperados, ya que, al fin y al cabo, no se trata de una cinta sobre los grandes del cómic como son Spider-Man, los X-Men u otros personajes que ya habían cubierto en otros films (véase Thor, Iron Man, etc). Pero esos críticos se estarán tragando sus palabras junto con una sobredosis de palomitas...

James Gunn dirige y coescribe el guion junto a Nicole Perlman. El director vuelve a la carga con una visión única, llena de gags visuales y unos efectos impresionante que funcionan a la perfección sin distraerte de una historia que, con más presupuesto del que tuvo con 'Slither' (La Plaga) y 'Super', pero con el mismo descaro y humor irreverente, ofrece una cinta para toda la familia en la que, eso sí, ha tenido que rebajar sus “carateristicas” dosis de violencia.

Groot y Rocket de Guardianes de la Galaxia
Vin Diesel y Bradley Cooper le ponen voz a Groot y Rocket Raccoon
Rocket Raccoon y Groot casi roban la película con su amistad disparatada y unas grandes dosis de ingenio, pero sin duda alguna, para mí, es Peter Quill (o Star Lord como nadie lo conoce) el que más sorprende. Un pícaro con conciencia, sentido del humor y una tableta de chocolate impresionante. El personaje es una fantástica mezcla de Indiana Jones, Malcom Reynolds (el personaje de Nathan Fillion en ‘Firefly’) y Han Solo que hace de Chris Pratt el actor perfecto para ese papel. Después de muchos años raspando escenas en películas y series donde solo era un secundario, por fin alguien le ha dado la oportunidad de brillar, hacernos reír y deleitarnos con su encanto sarcástico. ¡Y vaya si lo consigue!

El resto del quinteto lo forman Gamora (Zoe Saldana), una asesina e hija adoptiva de Thanos, y Drax (Dave Batista), un guerrero con sed de venganza y sin sentido de la ironía o sarcasmo, ambos son personajes muy llamativos y espectaculares, pero te quedas con las ganas de ver más, de conocerlos más...algo que esperamos hacer en la secuela y que podemos perdonar si tenemos en cuenta que el film tiene la difícil tarea de presentarnos un universo casi desconocido para la mayoría de espectadores, con muchos personajes, planetas y el McGuffin de la cinta: La Piedra del Infinito, que contiene el poder para destruir galaxias y que está claramente vinculada a Thanos, personaje al que llegamos a conocer en este film, aunque solo brevemente en el primer acto, con la voz y una ‘performance caption’ (vamos… con captura de movimientos) del actor Josh Brolin. 

Chris Pratt es Peter Quill en Guardianes de la Galaxia
Chris Pratt es Peter Quill
A pesar de la presencia de este “supervillano marvelita” que ya vinos de paso en 'Los Vengadores', “el malo malísimo de Guardianes de la Galaxia” es Ronan el Acusador, probablemente la parte más floja de la película. Desgraciadamente es el típico villano que solo busca poder y destrucción y aunque Lee Pace tiene porte, presencia y una voz excelente, la verdad es que daba más grima en El Hobbit.

Hay otros muchos buenos actores en papeles muy pequeños, como Glen Close, Michael Rooker, John C Reilly, Benicio del Toro o Peter Serafinowicz, y aunque como digo, son papeles menores, parece que lo pasaron genial, por lo que estoy segura de que no les importa haber aparecido poco en pantalla, dejando abierta la posibilidad de que, con toda probabilidad, volvamos a verlos en la secuela (bueno… a todos no…).

Los villanos de Guardianes de la Galaxia
Lee Pace como Ronan y Karen Gillan (Dr. Who) como su malvada y letal ayudante Nebula
Así que ya no me enrollo más, 'Guardianes de la Galaxia' es como el Santo Grial de todos los geeks del mundo, no importa la edad o género. Es una de esas películas que nunca te cansaras de ver y disfrutaras con cada repetición...por lo que dicho esto, os dejo, que me voy a al cine otra vez a ver si esta vez consigo ver el cameo de Nathan Fillion ya que me lo perdí anoche en ‘mi primera vez’ de Guardianes de la Galaxia.

NOTA: Guardianes de la Galaxia se estrena el 14 de agosto en España, pero en otros países como Reino Unido (donde resido), ya se ha estrenado..
El hecho de que una cinta animada titulada 'Avengers Confidential: Black Widow & Punisher' se acerca al mercado español como 'Los Vengadores: Justicia y Venganza' (o como 'Los Vengadores: Los archivos secretos - Viuda Negra / Punisher') ya puede considerarse un indicativo de que no estamos precisamente ante una obra maestra, y aunque siempre me enseñaron a juzgar las cosas por su interior (ya sabéis... eso de no juzgar por la portada, el tráiler, etc.) he decir que el interior de esta película animada, continuación casi directa de la nefasta 'Iron Man: La Rebelión del Technivoro' tampoco aporta nada bueno.

Crítica "Los Vengadores: Justicia y Venganza"

Su historia, aunque pueda pensarse que gira en torno a Los Vengadores, está protagonizada mayoritariamente por la Viuda Negra y Punisher (El Castigador), y nos muestra como este último es interrumpido por SHIELD en una de sus acciones de guerra urbana ya que, a pesar de sus "buenas intenciones", la compañía de Furia tenía otras intenciones con su objetivo, un tipo que sirve de contacto con un grupo terrorista soviético (LEVIATAN) que se convertirá en el enemigo a batir de esta cinta.

Así pues, tras un contacto violento y sin sentido entre las fuerzas de SHIELD y Frank Castle, este y la Viuda Negra se unen para investigar al mencionado grupo terrorista en el que, al igual que ocurriera en 'La Rebelión del Technivoro' hay implicado un personaje del pasado, en este caso un científico de SHIELD que tuvo un affaire con la Natasha.

Viuda Negra en Avengers Confidential (Los Vengadores: Justicia y Venganza)
Nathasha y Amadeus Cho, un personaje que a muchos les costará recordar


En shock por descubrir que un antiguo amigo al que creía muerto ha cambiado de bando, la Viuda proseguirá sus intentos por detener LEVIATAN y su proyecto de "hipersoldados", una tecnología que altera a humanos para dotarlos de poderes, borrarles la memoria y usarlos como mercancía para conflictos belicosos.

Tras algunas idas y venidas que llevan hasta el aburrimiento al fan más paciente, la historia parece encaminarse hasta su desenlace cuando LEVIATAN convoca en Madripur una subasta en la que venderán al mejor postor su primera tanda de hipersoldados, necesitando los protagonistas la ayuda de los Vengadores, algo que habían planeado los miembros de LEVIATAN pensando que con su tecnología podrían poner bajo control al grupo de héroes más poderosos de la Tierra.

Punisher en Avengers Confidential (Los Vengadores: Justicia y Venganza)
El castigador contra algunos hypersoldados

Es en ese momento, cuando la cinta gana algunos puntos ya que además de mostrarnos las versiones animadas de los Vengadores (en una alineación muy rara que incluye a Ms. Marvel con cresta) nos ofrecen un vistazo a los villanos principales del equipo, apareciendo brevemente gente como el Conde Nefaria, la Gárgola, el Barón Zemo y otras mega mentes del mal.

Decir que esta parte es la mejor no hace ningún favor a la cinta, ya que al margen de intentar hacernos gracia con artificios baratos, los personajes prácticamente ni hablan (no se oye a Thor ni a Ms. Marvel en la película), haciendo que su aparición sea simplemente una forma de justificar el engaño producido tanto con el título del film como en el tráiler promocional de la misma.

Los Vengadores en 'Avengers Confidential (Los Vengadores: Justicia y Venganza)'
Esta alineación de los Vengadores no incluye al Capi ni a Ojo de Halcón, pero si a Ms. Marvel y Maquina de Guerra

Además, y pese a que la animación resulta 100% manga (con reminiscencias a algunos diseños de Hiroshi Hamazaki, autor de la genial 'Ninja Scroll' y director de la película del 'Technivoro', el cual, no repite aqui) no obtenemos ningún rasgo particular de este género más allá de la violencia gratuita y bonitas coreografías, habiendo eliminado incluso el toque de sensualidad que la Viuda lucia en la anterior cinta y que aquí no aparece por ningún lado.

Personalmente, no se la recomendaría a nadie, y el producto (llamadlo como queráis, yo lo vi como 'Los Archivos Secretos de los Vengadores') vuelve a demostrar que Marvel tiene mucho trabajo en cuanto a lo que animación se refiere, algo que no entiendo tras cintas decentes como las adaptaciones de los Ultimates, y que en su afán por lucir estilo manga (y villanos inventados), están dejándolos en un segundo plano frente a las geniales cintas que DC esta realizando en este campo.



“OPEN WINDOWS” es el nuevo trabajo tras las cámaras del realizador español Nacho Vigalondo, el cual firma también el libreto de la cinta. El responsable de las cintas “Los cronocrímenes” (2007) y “Extraterrestre” (2011) ha contado para este título con la presencia del reconocido actor protagonista de la Trilogía de “El Señor de los Anillos”, Elijah Wood y la ex-actriz de cine X, Sasha Grey a los que se unen en el reparto, Neil Maskell, Adam Quintero e Iván González.

Crítica Open Windows

Todo comienza cuando Nick (Elijah Wood) un fan acérrimo que idolatra a la actriz más famosa y deseada del momento, Jill Goddard (Sasha Grey) tiene la oportunidad de conocerla en persona y compartir una cena con ella gracias a un concurso on-line que ganó, pero el sueño de Nick se ve truncado cuando es informado que por motivos personales de la actriz se tiene que cancelar dicha cita. El informante de la organización, que se llama Chord, le intenta compensar ofreciéndole la oportunidad de espiar a la actriz a través de su ordenador…

“OPEN WINDOWS” es un ejercicio absorbente, explosivo (hay muchas explosiones), excitante y frenético con grandes dosis de intriga. Este thriller con claros guiños a cintas del maestro del suspense Hitchcock (La ventana indiscreta es la más obvia) y de ambientación y estética Lynchiana engancha al espectador sin caer en la previsibilidad, sus constantes giros inesperados (especialmente en su desenlace), sus idas y vueltas y el interés que ejercitamos hacia el personaje principal y sobre todo hacia el villano protagónico de la historia hacen que esta obra cinematográfica resulte de fácil visionado.

Elijah Wood en "Open Windows"
Los actores principales tienen mucho peso en la cinta, Elijah Wood está muy convincente en su rol de inocente vouyeur que sirve como cabeza de turco y se ve encerrado en un complot sórdido y peligroso. El intérprete sabe moverse bien por diferentes registros y aunque siga siendo mayoritariamente distinguido por su papel de Frodo, ha conseguido encarnar personajes con un perfil muy distinto, como el de Patrick en ¡Olvídate de mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind). Un actor reclamado últimamente por el cine español, el año pasado protagonizó otra película de suspense Grand Piano bajo las órdenes del cineasta alicantino Eugenio Mira. Sin embargo, la interpretación de Sasha Grey, su co-protagonista femenina que aporta la parte más sensual y erótica de la historia, se queda desnivelada. Su presencia está claro que añade seducción a la escena, y la trama ya de por sí es morbosa, pero sus gestos parecen siempre los mismos, no añaden ningún tipo de matiz, desaprovechando el personaje carismático al que da forma.

Del fondo de la historia podemos sacar muchos mensajes, la habilidad con la que el autor de la misma nos acerca a una realidad a través de esta ficción, las nuevas tecnologías y el uso constante de ellas, como es Internet o el propio móvil, son armas que pueden desproteger nuestra intimidad. De hecho podríamos encontrar paralelismos reales con el film, ya que ha habido casos como el de la actriz Scarlett Johansson a quien un hacker robo sus fotos privadas del móvil.

Sasha Grey en "Open Windows"
La película tiene un formato muy original contando la historia a través de diferentes ventanas que se abren en el ordenador del principal y siempre en marcos claustrofóbicos.

La música del compositor Jorge Magaz pone la entonación oscura, misteriosa e intrigante que nos arrastra e introduce en la conspiración. También escucharemos una canción de importancia vital en la cinta, “Ghost Rider” de Suicide.

En definitiva, 'Open Windows' resulta una atractiva propuesta a la que se añade el plus de ver a modo de cameo, rostros amigos de Vigalondo, los fantásticos humoristas Carlos Areces, Miguel Noguera y Raúl Cimas.


“ARNACHY: LA NOCHE DE LAS BESTIAS” (The Purge 2: Anarchy) es la secuela de The Purge (2013) que está conducida y guionizada por el mismo cineasta de su antecesora, James DeMonaco. Un año después, el director natural de Brookyln nos trae esta nueva entrega que cuenta con un nuevo reparto de actores, capitaneado por Frank Grillo a los que le sigue Carmen Ejogo, Zach Gilford, Kiele Sanchez, Zoë Soul, John Beasley y Michael K. Williams.

La cinta ya está disponible en nuestras carteleras y viene de la mano de Universal Pictures Spain. Nosotros la pudimos visionar en el preestreno que organizó nuestros amigos de SENSACINE.COM en los Cines Kinépolis de Madrid.

Situada en una ficción de una futura sociedad distópica donde gracias a la instauración de “La Purga anual” por parte del régimen político que gobierna al que llaman “Los padres fundadores de América”, ha descendido la tasa del paro, la pobreza y el índice de criminalidad. Otra vez los ciudadanos estadounidenses se enfrentan a este día donde es legal cometer cualquier tipo de crimen sin tener que dar cuentas a la justicia.por ello 

Crítica de "Anarchy: La noche de las Bestias"

ANARCHY: LA NOCHE DE LAS BESTIAS nos vuelve a emplazar al temido día de “La Purga”, esta vez bajo otro prisma, dentro de las calles, donde el espectador presencia la persecución que sufren las víctimas. Arrancando con historias paralelas que terminan cruzándose, las cuales buscan un fin común, sobrevivir a las doce horas de anarquía. La lucha por la supervivencia, el desgaste emocional y físico, lo que se esconde en cada oscuro rincón donde se da rienda a la violencia más extrema para dejar “limpias las calles” de inconvenientes vidas nos mantiene con el corazón en el puño, enseguida establecemos empatía con los protagonistas de la historia y nos sentimos en su piel. Aunque el punto más fuerte del film es su penetrante ritmo, la historia se va encauzando con intensidad consiguiendo no sucumbir al tedio, ofreciéndonos una correcta y ajustada continuación de la franquicia, que por lo que parece puede seguir extendiéndose.

Por otra parte, peca en la originalidad de la historia, últimamente tratada en muchos largometrajes, incluyendo otras sagas basadas en best-sellers, dirigidas al público más teen, como “Los Juegos del Hambre” (2012) (Ejemplo: El coto de caza) y “Divergente”(2014) o películas clásicas como “La Fuga de Logan” (1976) donde la principal cuestión que se nos plantea es el constante control de población por parte de los que gozan del poder. También se establece una dura crítica en cuanto a las clases sociales, donde los más ricos son los que más  protegidos están e inclusive se entretienen utilizando a las personas como si fueran ganado, otro concepto similar que podemos ver en la película de John Woo protagonizada por Jean-Claude Van Damme ,“Blanco Humano” (1993) o “Juego de Supervivencia” (1994).

Fotograma de  "Anarchy: La noche de las Bestias"
La clase dominante hace "buen uso" de la Purga

En cuanto al nivel artístico de la cinta, los interpretes son solventes en sus papeles, donde destacaría las interpretaciones de la madre y la hija encarnados por las actrices Carmen Ejogo y Zoë Soul, la última vista anteriormente en el fantástico thriller, “Prisioneros” (2013), así como el rol del actor Frank Grillo como el heroico sargento que quiere liberar su particular bestia. No obstante, el personaje de Carmelo que interpreta Michael K. Williams está poco dibujado, dado que se le da mucha relevancia a lo largo de la historia con intermitentes apariciones y parece ser una pieza esencial para el éxito de su ejercito de rebeldes que persigue el extermino del sistema corrupto liderado por lo más pudientes, aparece de largo en el tramo final dejando la sensación de que el desenlace se ha resuelto con prisas y que se ha inutilizado el juego que pudiera haber dado este líder de la resistencia.

A pesar de la dureza de la historia, se agradece que la cinta no se exceda con escenas de violencia explícita. Ya el propio el argumento, las situaciones que atraviesen los personajes y las vueltas de tuerca que sufren son suficientes para crear un clímax de alta tensión que nos amarra a la butaca hasta el final.

Protagonistas de  "Anarchy: La noche de las Bestias"
La mayoria de protagonistas de "Anarchy: La Noche de las Bestias"

La película técnicamente está bien hecha, tiene un buen montaje, aunque la trama y los escenarios para el discurso de la historia no requieren de mayor complejidad.

La ambientación es oscura, predominan mucho los colores sepia, al ser mayoritariamente vivida en la noche.

El director vuelve a contar con la música del compositor Nathan Whitehead para la banda sonora original del film que nos envuelve en este nuevo capítulo aterrador protagonizado por el día de la purga. La música está bien empastada con la historia y nos mueve métricamente por la infernales calles atestadas de peligros.

sex-tape-cartel
En ocasiones las personas que escribimos no sabemos muy bien como comenzar nuestros escritos, así que este post lo comenzaré de una forma distinta… ¡Allá vamos!

¿Sabéis lo que es el product placement? Bueno, lo explico y todos contentos, el product placement se trata de una técnica publicitaria que consisten en insertar un producto, marca o mensaje dentro de la narrativa de un producto audiovisual. Todos conocemos el caso de Náufrago y la compañía de mensajería FedEx, pues podemos decir que Sex Tape es el naúfrago de Apple y es que TODA la trama gira en torno a la manzanita que da imagen a la conocida marca. No tengo muy claro cuánto dinero se habrá dejado la compañía en esta película pero, desde luego, raro será aquel que no coja un buen cólico de manzana.

Dicho esto os comento un poco la premisa de esta nueva apuesta de Jake Kasdan: una pareja joven basa toda su relación en las relaciones íntimas (uff… me va a costar mucho no ser malsonante en este post). Están todo el día y todos los días manteniendo relaciones íntimas y ese sexo por sexo se convierte en el tiempo en un proyecto de familia que acaba con matrimonio y dos bonitos niños. Entonces nos encontramos a unos Jay y Annie que han perdido el apetito sexual aunque luchan por recuperarlo. En esa lucha no se les ocurre mejor idea que grabar una porno en un iPad (¡anda! ¡qué sorpresa!), accidentalmente Jay sube el vídeo a la nube y este se sincroniza con todos los iPads que había decidido regalar a amigos, familiares y al cartero – me encantaría tener el poder adquisitivo necesario para regalar iPads -. Al darse cuenta de lo ocurrido Jay y Annie harán todo lo posible por eliminar ese vídeo de sus vidas y cuando hablo de todo lo posible, hablo de todo, todo y todo lo que se os ocurra y también lo que no.

El sexo no es idílico, también sufrimos accidentes
Una comedia fácil con chistes manidos y que buscan la risa fácil del público. Sexo, la típica escena del perro peligroso y algún que otro chiste malo nos acompañarán durante todo el film sacando en el público alguna que otra risotada. ¡Ah! Y antes de que se me olvide, muchos planos de la preciosa Cameron Díaz y, el amado por muchos, Jason Segel en cueros.  

Una de las escenas más divertidas del film
Lo único que sí que me ha gustado, y mucho a decir verdad, es lo cercano y poco idílico que representan el sexo. Se burlan un poco del ámbito sexual con escenas muy cachondas – no en el mal sentido, ¡mal pensados! – donde los personajes se presentan torpes y feos, muy feos. Y es que por mucho que queramos engañarnos nuestras relaciones íntimas no suelen tan idílicas como se suelen representar en las pelis, así que… minipunto para Sex Tape en ese sentido. Aunque llegados a este punto también me veo obligada a decir que tampoco han inventado nada ya que cada vez es más frecuente que se represente el sexo de manera realista en las series y películas, como es el caso de las series Broad City o Girls.

A mí alrededor se escucharon auténticas carcajadas y entiendo que al público en general pueda gustarle este tipo de comedias tontas pero desde luego no es una película apta para el público exigente. Un film que desprende tintes de una malísima imitación de la aclamada Algo pasa con Mery, típica y tópica, la comedia yankee o americanada facilona de siempre.


Unas semanas antes del estreno de la película en España, un servidor, residente en México (país en el que el último trabajo de Bay ya se ha estrenado), ofrezco para De Fan a Fan mi humilde opinión sobre la cuarta y vapuleada entrega de Transformers.

Crítica de Transformers: La Era de la Extinción

Ya habíamos mencionado previamente que Michael Bay parecía tomar un camino distinto con Dolor y dinero (“Pain & Gain”, 2013) y aunque esto no lo alejó de las superproducciones, sí por lo menos le hizo mejorar la historia y los personajes de éstas. Con dialogos mejor desarrollados, los protagonistas interpretan sus líneas de manera decorosa, alejados del acartonamiento y ridiculez de los personajes de las primeras tres películas: “Transformers” (2007), “Transformers: La venganza de los caídos” (2009) y “Transformers: El lado oscuro de la luna” (2011).

Lo anterior ocurre en los primeros 70 minutos del metraje aproximadamente, donde la parafernalia a la que nos tiene acostumbrados Bay se equilibra con el desdoblamiento de sus personajes humanos. Ya después nos arroja toda la parte de artificio y, también hay que reconocer, de espectacularidad completa de sus “Transformers” en grandes batallas entre ellos.

Pero vayamos por partes. Esta vez la historia se sitúa unos años después de la invasión a Chicago y las naciones del mundo han terminado en definitiva su relación con “Optimus Prime” y todas sus huestes, dejándolas en el ostracismo.

Mark Wahlberg en "Tansformers: La Era de la Extinción"
Mark Wahlberg y el resto de protagonistas humanos del film


Cade Yeager (Mark Wahlberg), un avezado inventor especializado en la robótica y con un montón de deudas, adquiere un viejo camión “Marmon 97” para pagar la educación universitaria de su hija Tessa (Nicola Peltz), al pretender venderlo por partes. Mientras arregla su destartalada adquisición, arranca un misil que estaba incrustado en el motor del megavehículo y da ‘vida’ nuevamente, y de manera sorpresiva, al líder de la galaxia libre, es decir, a “Optimus Prime”. La eclosión de esta nueva relación humano-robot llevará la vida de Cade y Tessa por caminos insospechados.

En paralelo, el agente de la CIA, Harold Attinger (Kelsey Grammer), está a la caza de los últimos “Decepticons” y “Autobots”. Para tal efecto, contrata los servicios de “Lockdown”, un cazarrecompensas que está a las órdenes del mejor postor. “Lockdown”, quien en su modo alterno es un “Lamborghini Aventador LP 700-4 Coupe”, está a la caza de “Optimus Prime”, el último gran líder transformer que falta en su colección para finalizar el trabajo que específicamente le encomendaron los misteriosos Creadores (artífices de los “Transformers”), pues según ellos “no es buena la mezcla entre especies distintas, ya que desbalancea el equilibrio cósmico”. Así pues, “Lockdown” atiende en dos mesas, básicamente sirviendo el mismo platillo: “Transformers”, vivos o muertos. Este cazarrecompensas galáctico se presenta como el robot con mejor presencia ‘histriónica’ en pantalla, pues no sólo es portentoso, sino que sabe bien lo que quiere, alejado de esa necedad romántica de “Optimus Prime” de salvaguardar a la humanidad, que lo hace debatirse siempre entre dos alternativas: sus homólogos o los seres humanos.

Lockdown en "Tansformers: La Era de la Extinción"
Lockdown el cazarecompensas Transformers

“Optimus Prime” (quien cambia su modo autobot del desvencijado “Marmon 97” a un reluciente “Western Star 4900 Phantom Custom”, flameado en azul y rojo) se hace acompañar esta vez por 4 colegas: el sempiterno “Bumblebee”, con su modo autobot “Chevrolet Camaro SS 1967” a “Chevrolet Camaro 2014”; el carismático “Hound” (que me recuerda mucho al Fidel Castro de 1959) y su modo autobot “Oshkosh Defense Medium Tactical Vehicle”; “Crosshairs”, cuyo modo autobot es un “Chevrolet Corvette C7 Stingray 2014”; y el samurái “Drift” y su modo autobot básico: “Bugatti Veyron Grand Sport Vitesse 2013”. Todos ellos, a órdenes directas de “Optimus”, buscarán resguardar las vidas de sus nuevos amigos humanos: Cade, Tessa y Shane Dyson (Jack Reynor), el novio clandestino de Nicola Peltz en la película.

Stanley Tucci hace su aparición como Joshua Joyce, CEO de KSI, empresa especializada en tecnología de última generación, que ha logrado dominar el transformio, un metal de origen extraterrestre que contiene materia programable y que las ha permitido crear sus propios transformers. Su máxima obra es “Galvatron” (modo autobot: un camión “Freightliner Argosy”), quien ha sido programado con los restos de “Megatron”. “Galvatron” entabla con los autobots una batalla que se queda a medio camino, advirtiéndole a “Optimus”: “¡nos volveremos a ver Prime, porque he vuelto a nacer!” (¡ándale, se nos avecina la 5ª parte con “Megatron” resucitado!).

Autobots en "Tansformers: La Era de la Extinción"
Los Autobots y sus aliados humanos en esta entrega

A la acción de la película también se le imprime una mejora: los “Dinobots”. Nos ofrecen un show tecno-visual como no se había visto en la saga, más que nada por saciar la pupila de ver revestidos a los más emblemáticos dinosaurios de capas metálicas. Empezando por “Grimlock”, quien en su modo dinobot es un “Tiranosaurio Rex”; “Strafe”, como un “Pteranodon” de dos cabezas; “Slug”, quien se transforma en un “Triceratops”; “Slash” y su modo cambiante al letal “Velociraptor”; y “Scorn”, como un “Spinosaurus” con mortal quijada. Todos ellos bajo la tutela de “Optimus Prime”.

Aunque es claro que el show importante se lo llevan los megarrobots, la parte humana hace su trabajo y en este sentido es la diferencia más importante del trabajo de Michael Bay respecto a las tres anteriores entregas de esta saga: permite al inicio del film, el desdoble de sus personajes de carne y hueso en una dirección más sentida y auténtica, donde cabe por un instante la reflexión acerca de sus propias vidas. En este tenor, las actuaciones tanto de Wahlberg como de Peltz están a la altura de los encuadres iniciales del californiano.
Optimus y Grimlock en "Tansformers: La Era de la Extinción"
Optimus y Grimlock

Ya después, Michael Bay nos envuelve con el ritmo persistente y atronador de sus “Transformers”, con su gran show, lleno de suprema tecnología metálica transformable. El argelino apostó esta vez por elevar el nivel de su saga en cuanto a historia, acción y personajes. Y eso ya es de agradecer. ¿Que si lo logró? Sí, no como para volvernos locos, pero lo logró.

Tres años después de que Ruper Wyat y Fox nos sorprendieran con una estupenda precuela de la saga “El Planeta de los Simios”, nos llega la continuación de esta historia que ha arrasado en la taquilla USA y de la que, a continuación, os comentamos nuestras impresiones.

Crítica de "El Amanecer del Planeta de los Simios"

Era de esperar que tras el éxito de El Origen del Planeta de los Simios y con una saga emblemática a sus espaldas, la nueva película de Matt Reeves (Monstruoso) se apoderara de la taquilla veraniega, y si bien, hay que decir que se trata de un film menor en comparación con la anterior entrega, este hecho no resta valor a una película bien desarrollada que pone de manifiesto la afición que aún existe por los clásicos de la ciencia ficción que se estrenaron a finales de los 60.

“El Amanecer del Planeta de los Simios” nos sitúa diez años después de los acontecimientos vistos en la anterior película, y nos muestra un planeta Tierra en el que la raza humana se ha visto diezmada por “la gripe simia”, una enfermedad derivada de la experimentación que dio origen al “alto salto evolutivo” de Cesar (¿Caesar?) y Cía.

Mientras que la especie humana lucha por no extinguirse, Cesar se esfuerza por mantener a los simios unidos en una comunidad que, al igual que los antiguos neandertales, experimenta con acciones como la caza y la ganadería para mejorar su estatus, y aunque son conscientes de que las ruinas del antiguo mundo dominado por los humanos está a su alcance, prefieren mantenerse alejado de los posibles supervivientes de esta especie.

Jason Clarke es Malcoln la conexión humana de "El Amanecer del planeta de los Simios"
Los humanos buscan una oportunidad de prosperar reestableciendo el suministro eléctrico a partir de una presa y su central hidroeléctrica
Como era de esperar, surgen encontronazos entre humanos y simios, y en un ejemplo de lo cercanos que ambas especies se encuentran entre sí, vemos como el conflicto surge de forma familiar por culpa del miedo, las ansias de poder y el mal uso de recursos que, en este caso, y con reminiscencias de homenaje a “la Asociación del Rifle” que durante tantos años fuera encabezada por el protagonista de la película original (Charlton Heston), aparece en forma de arsenal.

A diferencia de la anterior entrega, “El Amanecer del Planeta de los Simios” tiene una clara inclinación por el espectáculo y la acción, y si bien, estos son campos en los que su director, Matt Reeves se encuentra cómodo, también encontramos momentos para la reflexión, la celebración, el drama, la nostalgia y, por supuesto, el homenaje a la saga clásica, ya que empezamos a vislumbrar algunos de los elementos que eran "marca de la casa" en esta conocidísima franquicia, como son los humanos enjaulados y los simios a caballo esgrimiendo armas.

Imagen de "El Amancer del Planeta de los Simios"
Banderita al cato e imagen del conflicto simio/humano

En el campo interpretativo, hay que admitir que el mayor peso recae en sobre Andy Serkis (El Señor de los Anillos), Jason Clarke (La noche más oscura) y Toby Kebbell (El Príncipe de Persia), quienes en sus papeles del bondadoso Cesar, el práctico y humilde humano Malcolm y el atormentado Koba tienen total protagonismo frente a unos poco aprovechados Keri Russell (The Americans), Kodi Smit-McPhee (La Carretera) y Gary Oldman (Drácula), quienes ostentan papeles bastante simplones en un film que como era de esperar, se centra mayormente en los simios, los cuales, gracias a las técnicas de captura de movimiento, el avance de la tecnología CGI y unas grandes interpretaciones “simiescas”, consiguen que las criaturas sean 100% reales a pesar de algún patinazo en los FX que para nada resta puntos al film.

Por lo demás, la cinta tiene un buen ritmo, ni aburre ni peca de exceso de elementos en pantalla, algo difícil de lograr en estos días donde se piensa que “más es mejor”.

Toby Kebbell es Koba en "El Amanecer del Planeta de los Simios"
Koba (Toby Kebell) da vida al mono maltratado en laboratorio que propiciara el conflicto humano / simio

De tener que ponerle alguna pega (al margen de un final menos redondo que la cinta de 2011 y claramente orientado a rodar una nueva secuela), diría que la banda sonora no consiguió emocionarme tanto como ocurriera con la primera entrega, y que si bien es más que correcta, nadie incidirá especialmente en ella. Además, el 3D se me antoja totalmente innecesario y no aporta prácticamente nada a un film de corte bastante tradicional que será continuado en una nueva e innecesaria entrega.

Antes de acabar, y de invitaros a que os gastéis las pelas en ella (porque merece la pena) decir que el film incluye algunos detalles que te harán exclamar un WTF! (cámaras cuya batería dura más de diez años, publicidad cantosa de Apple) y que si bien, no es algo que desvirtué al conjunto, nos hace ver, de forma más descarada que la publicidad de Telecinco (véanse los desayunos de “Médico de Familia” y “Los Serrano” donde todos los productos muestran sus etiquetas a las cámaras), hasta donde pueden llegar ciertos pactos “económicos” en vistas a obtener publicidad explicita tras la aportación de capital en un film de estas características.

Andy Serkys es Cesar en "El Amancer del Planeta de los Simios"
Andy Serkys interpreta magistralmente a Cesar, el simio protagonista y mas humano del film

En fin… id a vedla y, por supuesto, olvidaos de ver a Melody haciendo el baile del gorila, eso solo ocurriría en caso de que Santiago Segura, los “Chanantes” o el que suscribe dirigiera esta película…
Crítica de "Bajo la misma estrella"
“BAJO LA MISMA ESTRELLA” (The Fault in Our Stars) es la adaptación a la gran pantalla del homónimo best-seller del novelista John Green. El film está conducido por el joven cineasta de origen estadounidense Josh Boone, artífice de “Un invierno en la playa” (2013) ,guionizado a dos bandas por Scott Neustadter y Michael H. Weber, y protagonizado por Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Laura Dern, Sam Trammell y Willem Dafoe.

El contexto de esta historia se traza a través de las vidas de Hazel Grace Lancaster (Shailene Woodley) y Augustus Waters (Ansel Elgort), dos adolescentes que sufren cáncer a su temprana edad, obligados a afrontar su duro destino, ambos tomarán una intersección que los unirá para siempre y adentrará en un viaje hacia el hallazgo de un enigma, hacia una continuación después del final.

“BAJO LA MISMA ESTRELLA” es ante todo una historia de amor, pero no sólo del amor tan fuerte que pueden procesarse dos adolescentes como pareja, sino el verdadero amor a la vida, a los pequeños instantes que abrazaremos y consolidaremos en nuestra memoria (Escena del banco en la bella ciudad de Ámsterdam), y el amor a la familia y los verdaderos amigos, base fundamental donde apoyarnos y refugiarnos ante cualquier tempestad. Los personajes están muy bien dibujados, tan llenos de vida que nos contagian, nos emocionan, nos penetran de forma subyacente, poco a poco se van apoderando de nosotros, y estamos “bajo esa misma estrella”, nos hablan desde su propio interior. Razón de ello, es las sólidas actuaciones que nos ofrecen las dos jóvenes promesas de la interpretación que se encargan de protagonizar este taquillero largometraje. A Shailene Woodley la empecé a seguir desde que la descubrí en “Vida secreta de una adolescente” serie que emitía el Canal Cosmopolitan Tv y con la que empezó a brillar en el mundo de la interpretación, su primera incursión cinematográfica en un largometraje llegaría de la mano del realizador Alexander Payne, en el oscarizado film “Los descendientes”, donde encarnaba a la hija adolescente del actor George Clooney, aquella actuación la sirvió para despegar y empezar a despuntar en el Séptimo Arte obteniendo numerosos premios y resultando nominada en los Globos de Oro en la categoría de mejor actriz secundaria. Recientemente la hemos podido ver como Tris enDivergente(2014) otra famosa adaptación cinematográfica de la afamada trilogía de la escritora Veronica Roth, en la que está inmersa la actriz de nuevo con la grabación de la siguiente película de la saga, al igual que su partenaire en este viaje, el actor Ansel Elgort (Carrie, 2013) que también comparte cast con Shailene en un rol muy diferente al que podemos verle aquí, siendo el hermano de la joven guerrera. Shaile Woodley eleva al máximo exponente su actuación y su compañero está a la altura, con su dulce sonrisa, aproximándonos a un Romeo muy actual (Ese toque Shakesperiano está implícito en la historia), inteligente, sensible y risueño. Ambos actores dotan de un enorme realismo y naturalidad a sus personajes y resuelven sus papeles de forma muy convincente, procurando una conexión instantánea con el espectador, sintiendo con fuerza la historia de Hazel y Gus. Los secundarios con caché que completan el reparto son Willen Dafoe, un actor bastante prolífico y que sabe meterse perfectamente en la piel de un trasnochado oscuro escritor, la veterana Laura Dern y el conocido cambiante de la serie de la HBO, True Blood, Sam Trammel, como los padres compresivos que viven el infierno de la enfermedad de su hija. Sin duda, el casting de actores para la película ha sido de lo más acertado.

Protagonistas de "Bajo la misma estrella"


Por otra parte, tratándose de un género tan manido, como es el romántico, el título ofrece una sesión que nos aparta durante más de dos horas de metraje de nuestra propia realidad, presenciando una emocionante historia que toca la enfermedad que más nos azota en pleno siglo XXI ,todo el mundo puede sentirse identificado por la cercanía de la trama. A pesar de que ya en otras cintas, el tema del cáncer adolescente ya ha sido tocado, como en “Un paseo para recordar” (2002) basada en una de las novelas de Nicholas Sparks o la más cercana “Restless”(2011) protagonizada por la excelente Mia Wasikowska, “BAJO LA MISMA ESTRELLA” tiene encanto propio, carisma en sus personajes y por supuesto un enorme sustrato literario, forjando la poesía con la filosofía y regalando frases memorables que se convierten en increíbles citas. También hay muchos sentidos metafóricos, incluyendo esa impetuosa obsesión por conocer que hay más allá de la historia del libro “Un dolor imperial”.

En cuanto a la puesta en escena, la fotografía obra de Ben Richardson goza de la belleza de los paisajes de la capital holandesa y cuenta con una sublime soundtrack que nos hace navegar en la historia con temas de M83, Ray LaMontagne, Ed Sheeran o de Indians, entre otros.

Por otra parte, “BAJO LA MISMA ESTRELLA”, bajo mi punto de vista, no va en busca de la lágrima fácil, aunque nos va a toca nuestra fibra sensible ya que aporta optimismo, e igual nos hace a ratos reír como nos hace llorar. Es una propuesta honesta en la que sabemos que nos vamos a encontrar (sobre todo los lectores de la novela) y que resulta una eficiente y fiel adaptación de la novela que creo no desencantará a sus más fervientes seguidores.

“BAJO LA MISMA ESTRELLA” ya está en cines gracias a 20th Century Fox España y nosotros la pudimos disfrutar gracias nuestros apreciados amigos de SENSACINE.COM en los Cines Kinépolis de Madrid.

Escena de "Bajo la misma estrella"