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Crítica de "El Gurú de las Bodas"

Sony Pictures Spain estrena este fin de semana “EL GURÚ DE LAS BODAS” (The Wedding Ringer) dirigida por el realizador Jeremy Galerick que ha escrito el guión junto con Jay Lavender. Una descacharrante y divertidísima comedia que protagonizan dos geniales cómicos que han sabido compenetrarse muy bien, dado el resultado tan bueno que han plasmado en pantalla. Estamos hablando de Kevin Hart y Josh Gad, dos auténticos reyes de la comedia a los que se suma en esta loca aventura la conocida Penny de The Big Bang Theory, Kaley Cuoco, el resto del reparto lo completan Affion Crockett, Jorge Garcia (Serie Perdidos), Dan Gill, Corey Holcomb, Mimi Rogers y Ken Howard, entre otros. Los cómicos y actores Florentino Fernández y Dani Martín son los responsables de poner la voz a Kevin Hart y Josh Gad en la versión española.

Doug (Josh Gad, Dani Martín) es un chico de buen corazón que ha triunfado en lo profesional y en su vida personal ahora parece que ha encontrado el amor junto una chica muy guapa (Kaley Cuoco) con lo que se ha prometido. Sin embargo en su pasado fue un auténtico loser que jamás tuvo amigos. Ahora se encuentra ante la disyuntiva de no tener padrino para su boda. Tendrá que recurrir a un plan B contratando al famoso y eficiente Jimmy Callahan (Kevin Hart, Florentino Fernández) que tiene su propia empresa “El Gurú de las bodas, S.A.”

Josh Gad y Kevin Hart en "El Gurú de las Bodas"
Josh Gad y Kevin Hart

Dentro del género de la comedia, ya se registran muchas cintas centradas en la temática que gira alrededor de preparativos, despedidas de soltero/a y celebraciones de boda. Desde la trilogía Resacón en Las Vegas hasta la mítica de la década de los ochenta “Despedida de soltero” (1984) protagonizada por un jovencísimo Tom Hanks, la dirigida por Paul Feig “La boda de mi mejor amiga” (2011) o “De boda en boda” (2005) con los actores Owen Wilson y Vince Vaughn a la cabeza, a los que me recuerdan en complicidad entre compañeros a Kevin Hart y Josh Gad en este film. Otro título como hilo conductor en cuanto a comparaciones en lo que a humor se refiere es el usado en la tercera parte de la saga “American Pie ¡Menuda boda!” (2003).

Es difícil no repetirse y no caer en los tópicos, típicos chascarrillos y clásicos predecibles o ya utilizados en este tipo de películas. Sin embargo, “El gurú de las bodas” logra establecer una línea argumental con su aporte original. Ese Yoda de ceremonias que aquí podría decirse que sustituye al típico organizador de bodas, es versátil, capaz de vestirse en cualquier personaje al que tenga que interpretar y hacer el mejor papel de su vida para que el novio que le contrate quede satisfecho por sus servicios prestados. Aunque también es cierto que ya el hecho de alquilar a un profesional para que te acompañe en una boda también lo pudimos ver en el largometraje “El Día de la boda” (2005).

Kaley Cuoco y Josh Gad en "El Gurú de las Bodas"
Kaley Cuoco y Josh Gad

Los actores Kevin Hart y Josh Gad son el alma de esta fiesta, los que nos conducen en esta comedia de enredos envuelta en contextos surrealistas. Este título se centra sobre todo en el valor de una amistad, en el que el roce hace el cariño. Al igual que pasa con la franquicia de Resacón de Las Vegas, el largometraje parece más dirigido al espectador masculino.

Uno de los puntos claves que siempre solemos encontrar en comedias de este estilo son sus soundtracks que animan más sus narraciones, aquí escuchamos temas de diferentes artistas como The Black Eyed Peas con “I Gotta Feeling”, la emocionante voz de Otis Redding con la canción “These Arms of Mine” o You Are So Beautiful y “Paper Moon” de Jeff Ross.

Se trata de una irreverente comedia ligera y fresca, dinámica en cuanto a su desarrollo, con momentazos muy gamberros e hilarantes y altamente recomendable si lo que quieres es pasar una buena sesión de risas. Una excelente opción si buscamos diversión y entretenimiento conjugado con un buen ritmo.



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Desahucios, gente sin escrúpulos y tensión se unen en un film donde lo primero que se nos viene a la cabezas es la frase "Bienvenidos a la casa del terror".

Sweet Home: ¿Hay alguien en casa?

SWEET HOME” que se estrena en cines este viernes 8 de Mayo gracias a Filmax, supone el debut en largo del cineasta y guionista Rafa Martínez después de hacer su incursión como realizador en el género del terror dirigiendo los cortometrajes Halloween Before Christmas (2010) y Zombies & Cigarettes (2009), éste último con ayuda de Iñaki San Román, ambos trabajos fueron seleccionados y premiados en diversos festivales de todo el mundo como Sitges, Hollywood Film Festival o Leeds Film Festival. El film está protagonizado por la actriz Ingrid García Jonsson nominada al Goya por su papel en "Hermosa Juventud" y Bruno Sevilla (Tres bodas de más, Mindscape) a los que acompañan Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, José María Blanco y Mariona Perrier. El libreto de la película lo firma el mismo director junto a Teresa de Rosendo (Serie Gavilanes) y Ángel Agudo (Cortometrajes Trooper y Go Home).

Alicia y Simon son una joven pareja que decide pasar una tranquila noche romántica en un edificio donde sólo habita ahora un propietario después de haber sido desalojados el resto de pisos de la finca. Durante su velada descubren que unos encapuchados han acabado con la vida del único inquilino que quedada en el edificio. Lo que comienza como una celebración íntima y agradable termina siendo una agotadora lucha por la supervivencia…

“SWEET HOME” es un slasher que parte de una base argumental muy original, jugando con la cruda realidad que azota en nuestro país en estos tiempos de crisis aguda, donde cada día quedan  desahuciadas un gran número de familias. El panorama es verdaderamente terrorífico, ya de por sí este planteamiento real supone una auténtica pesadilla para cualquiera, y por tanto, fusionar esto, con una forma muy poco ortodoxa de hacer “mobbing inmobiliario” con el fin de deshacerse de los inquilinos que quedan en los edificios semiabandonados y que estorban a la empresa inmobiliaria que quiere hacerse con el control absoluto del edificio, es cuanto menos espeluznante.

Protagonistas de cinta española "Sweet Home"
El inquietante psicópata de turno, alias “El aniquilador” que interpreta perfectamente el actor Oriol Tarrida se encarga de sus trabajos bajo la imagen de un exterminador de plagas. En su forma de ganarse la vida como tapadera, podemos encontrar un sentido metafórico, a las personas que se encuentran dentro de los inmuebles los aniquila al igual que a los insectos, sin importarle en absoluto el ser humano que tiene delante ni cuántos sean. También el título de la cinta traducido al español como “Dulce Hogar” es totalmente irónico, sin tener delante el cartel jamás pensarías que se trata de una cinta de miedo, que consigue lo que pretende no dar respiro al espectador, ningún paréntesis ni vacío en cuanto a ritmo y acción se refiere, pues los ochenta escasos minutos de metraje se esfuman rápidamente. Su introducción es más pausada para presentarnos a sus protagonistas y hacernos sentir que todo está en aparente tranquilidad, pero una vez que entramos en la casa del terror nos encontramos en un universo oscuro y claustrofóbico donde estamos en tensión absoluta y hay que sacar el valor y la fuerza necesaria para sobrevivir.

La intención de los guionistas era crear una historia en el entorno donde más nos sentimos protegidos y cómodos, que es en nuestro propio hogar y desde ese concepto me trasladó a la saga de “The Purge donde tampoco los protagonistas están a salvo en su propia casa cuando se permite legalmente cualquier acto criminal durante las 12 horas que dura el infernal día de La Purga o cuando la intranquilidad irrumpe en nuestro hogar como en la obra de Michael Haneke, The Funny Games (1997/2007).

Oriol Tarrida en la cinta española "Sweet Home"
El escenario escogido para contarnos la historia es totalmente tétrico, con gran ausencia de luz, en un bloque viejo y apartado, donde es muy complicado pedir ayuda y en el que sus protagonistas se encuentran encerrados y perseguidos por un cruel asesino que viene a restar sus días en la tierra y presenciamos muchos episodios sanguinolentos. Podemos vislumbrar la introducción de elementos clásicos del género como juguetes en movimiento y las típicas escenas que buscan el sobresalto en la butaca, algunas se hacen previsibles, pero otras de manera acertada logran pillarte por sorpresa.

En cuanto al apartado interpretativo, Ingrid García Jonsson está magnífica, reina la función, además de transformarse en una verdadera superheroína, dota a su personaje de naturalidad y convence firmemente en su actuación. Su compañero en el viaje al que interpreta Bruno Sevilla también está convincente.

Sin duda, “SWEET HOME” se convierte en una propuesta interesante para los aficionados al género de terror.



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Crítica de "El viaje más largo": Un correcto drama romántico

“EL VIAJE MÁS LARGO” (The Longest Ride) es la nueva adaptación cinematográfica de la homónima novela del famoso escritor americano de éxito internacional Nicholas Sparks, reconocido popularmente por “El Diario de Noa” (The Notebook) o Mensaje en una botella (Message in a Bottle) entre muchas otras que ya han sido también trasladadas a la gran pantalla. Del guión de “El Viaje más largo” se ha encargado Craig Bolotin (Black Rain, 1989) y bajo la batuta del cineasta George Tillman Jr., artífice de las películas Hombres de honor (2000) y Sed de venganza (2010), se han puesto el descendiente del gran Clint Eastwood, con su mismo apellido y de nombre Scott que recoge su testigo como un prometedor artista del cine contemporáneo y al que respaldan completando el reparto principal Britt Robertson, Alan Alda, Jack Huston, Oona Chaplin y Melissa Benoist, la actriz escogida para el papel de Supergirl en la serie que está actualmente produciendo Warner Bros.

“EL VIAJE MÁS LARGO” llega a nuestras pantallas españolas el próximo Viernes 8 de Mayo de la mano de 20th Century Fox España.

“EL VIAJE MÁS LARGOnos habla de dos distintas parejas con aspiraciones en la vida muy diferentes, destinadas a conocerse y a enamorarse. Una formada por el triunfador Luke (Scott Eastwood), un campeón profesional de rodeo y Sophia (Britt Robertson), una joven estudiante que se está labrando su futuro para hacerse hueco en el mundo del arte en la gran manzana. Ambos tomarán una vía que les acercará al amor atemporal de Ira Levinson (Alan Alda) y su amada Ruth (Ooona Chaplin).

Britt Robertson y Scott Eastwood en "El viaje más largo"
Britt Robertson y Scott Eastwood en "El viaje más largo"

La película consigue narrar de forma solvente la historia de dos parejas destinadas a amarse, con hechos y circunstancias que les ponen a prueba y que les obliga a luchar por su amor. Ciertamente, no hay mucho nuevo que aportar a un género que está enormemente explotado, por eso los típicos trillados clichés se hacen visibles y el esquema habitual en este tipo de títulos también se denota. La cinta lleva esos toques y elementos característicos que tienen todos los largometrajes inspirados en las novelas de Sparks donde no faltan sus genuinos enmarcados parajes, sus preciosistas fotografías envueltas en romances imposibles, fuertemente pasionales, pero considerablemente irreales, aunque se trata de invitarnos a soñar y a vivir emocionantes historias de amor.

“EL VIAJE MÁS LARGO” claramente tiene un público objetivo, compuesto mayoritariamente por féminas al que se le podría sumar a los que les gustó especialmente “El Diario de Noa” por contar con muchas analogías en su presentación, historias que se cruzan en la actualidad y en el pasado, personalidades que chocan y que provienen de distintas clases sociales, sus inquietudes por el arte moderno, el fragmento de la guerra, el flirteo en el mar…Aunque bajo mi perspectiva, la anterior mencionada sea mejor película, ésta es una obra que cumple en su intención de entregarnos más de dos horas de distracción agradable.

De las otras adaptaciones esta se puede alejar en una de sus ambientaciones, trasladándonos a un entorno rural vaquero acompañado de una selección de temas musicales muy bien escogidos con esencia country, destacando de entre ellos, la personal voz de Ryan Adams en la canción “Desire” o al grupo originario de Austin, Texas “The Wild Feathers” con “Backwoods Company”, una de las canciones que pertenecen a su primer y único álbum editado hasta la fecha. Y también la forma de construir la historia entre Ira y Ruth que se hace como un relato epistolar da un aspecto más singular al trabajo de Tillman Jr.

Pese a que la trama se acerque a situaciones delicadas, se agradece que no vaya en busca de la lágrima fácil, pero sí por momentos resulta algo edulcorada y con un desenlace que parece digno del final de un cuento de hadas.

Jack Huston y Oona Chaplin en "El viaje más largo"
Jack Huston y Oona Chaplin en "El viaje más largo"

Uno de los reclamos más presentes que ofrece esta película, es incluir como protagonistas a Scott Eastwood, el hijo del memorable Clint Eastwood que se va abriendo camino en el mundo interpretativo y que actualmente está trabajando en Escuadrón Suicida (Suicide Squad), la nueva producción basada en el cómic de superhéroes de la casa DC y que está dirigida por David Ayer con proyección de estreno en 2016. En su registro de galán endurecido por la responsabilidad de sacar hacia delante el rancho familiar está irresistiblemente atractivo. Y el otro gran filón a nivel del casting actoral, es la actriz madrileña Oona Chaplin conocida por dar vida al personaje de Talisa Maegyr, la mujer que robó el corazón al Rey del Norte en la fantástica serie de la cadena HBO Juego de Tronos y que también se la distingue por ser nieta del célebre actor cómico Charles Chaplin, que en su rol de Ruth aporta elegancia y distinción, dejando a la otra co-protagonista femenina Britt Robertson un poco a su sombra, esta última es una actriz físicamente muy bella y que cumple en su cometido pero sin lucirse demasiado. Otro de los puntales en el apartado artístico es el veterano y premiado actor Alan Alda de la mítica serie televisiva “MASH” abarcando una extensa filmografía y habiendo tocado diferentes palos en el mundo del celuloide, encarna al viejo Ira Levinson elevando la producción. Y compartiendo personaje, siendo su versión más joven tenemos al actor británico de Boardwalk Empire, Jack Huston que consigue transmitir muy buena química en escena con su compañera Oona.

Es fácil dejarse arrastrar y meterte plenamente en el discurso narrativo de “El viaje más largo” sin tener grandes pretensiones, sólo con la aspiración del que producto que vas a visualizar es ameno y te va dejar al final un dulce sabor de boca.



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Tenemos un pequeño problema con la plataforma de nuestras minicríticas, así que mientras lo solucionamos, nos trasladamos al blog y lo hacemos con un texto destinado a la primera película de “Los Vengadores” en vistas al estreno de su secuela este jueves 30 de abril.

DVD de "Los Vengadores"

Los Vengadores (2012) grandiosa y grandilocuente obra que se sale del formato del cómic para alinearse en la historia del cine; así es The Avengers. Los personajes y sus intérpretes logran colarse en el corazón de todos los amantes del cómic y en todos los que amamos el cine.

Joss Whedon (Los vengadores: La Era de Ultrón) capta muy bien el espíritu del famoso grupo de superhéroes. Tiene una buena dosis de acción y entretenimiento, aunque no es lo único que propone. También hay humor (los comentarios de Stark son impagables) y algo de suspense.

The Avengers es una de las mejores adaptaciones de Marvel vistas en la pantalla grande, con impactantes efectos especiales que se ganan la admiración del público, con un elenco que brilló en otras filmaciones superheróicas, y volvieron para juntarse en un épico film.

Destaco la actuación de Robert Downey quién sigue siendo la principal figura, lo fue en Iron Man, y ahora resalta más que todos en The Avengers, auné sus compañeros de reparto también están muy bien (Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Jeremy Renner, Scarlett Johansson, etc...), como también la muy buena trama de la historia y el entretenimiento que está a la par de la misma.

Todo este elenco va acompañado de unos impresionantes efectos especiales y una correcta banda sonora compuesta por Alan Silvestri (Regreso al Futuro).

¿Qué opinión tenéis de Los Vengadores?



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Capitán América, Ultron y Iron Man en "Vengadores: La era de Ultrón"

Ya en nada está aquí la nueva entrega de Vengadores: La Era de Ultrón” (Avengers: Age of Ultron) y De Fan a Fan ha podido visionarla con antelación para poder dejaros una opinión sobre este blockbuster tan esperado por los fans del cómic y las adaptaciones cinematográficas del universo marvelita. Aunque seguramente, lo tengáis apuntado en vuestras agendas, la cita ineludible con el buen cine de acción y aventuras es el próximo Jueves 30 de Abril y el film estará disponible en salas en formatos 2D y 3D.

Nuevamente orquestada por el cineasta Joss Whedon, conductor de la anterior “Los Vengadores” (2012) quien dirige con pulso firme y afianzado sobre un terreno donde trabaja con maestría. Repiten de nuevo bajo sus órdenes, parte del reparto de su antecesora, como Robert Downey Jr. En el papel de Tony Stark Aka Iron Man, Chris Hemsworth que vuelve a encarnar a Thor, Chris Evans como el Capitán América, Mark Ruffalo regresa de nuevo como Hulk, Scarlett Johansson como Viuda Negra y Jeremy Renner como Ojo de Halcón, completan el elenco muchas otras caras conocidas y que han participado también en los anteriores títulos relacionados con Los Vengadores como Samuel L. Jackson al que conocemos como Nick Fury y Cobie Smulders como la agente Maria Hill de la agencia S.H.I.E.L.D.

Equipo en Vengadores: La era de Ultrón
Los Vengadores de "La Era de Ultrón".... o casi

Este nuevo relato comienza cuando Tony Stark decide volver a activar un programa antiguo con el fin de preservar la paz en el mundo, de ahí nace lo que se convertirá en una auténtica pesadilla para los habitantes del planeta y el equipo de Vengadores conformado por el propio Iron Man, Capitán América, El increíble Hulk, Thor, Viuda Negra y Ojo de Halcón que tendrán que aunar fuerzas para luchar contra el poderoso y destructivo villano “Ultrón” que está dispuesto a extinguir la raza humana y apoderarse de la tierra.

En bandeja se nos sirve diversión y alto entretenimiento. “Vengadores: La Era de Ultrón” pese a que sea una cinta de larga duración, consigue que se esfumen rápidamente los minutos mientras estás dentro de la nueva aventura, no dando lugar ni por un segundo al aburrimiento.

Con una prodigiosa fluidez narrativa donde se asienta la trepidante acción. La cinta contiene una excelente combinación de humor, intriga con tintes más oscuros, romance y acción con un envolvente ritmo endiablado repleto de batallas épicas, compasadas y coreografiadas a la perfección que registran un trabajo técnico de factura impecable. La visualización de la obra con la ayuda de la estereoscopía hace más apasionantes los combates entre las máquinas y los protectores de la tierra procurando una sesión de alto voltaje y grandes dosis de adrenalina y de intriga.



Uno de los elementos esenciales que ya caracterizan las películas de nuestros héroes de Marvel es su particular comicidad, los habituales chascarrillos y divertidas intervenciones como el breve cameo del gran “Stan Lee” en esta ocasión (marca con el cursor para leer) en una conversación con el Dios del trueno que se encuentra en compañía de otros Avengers por cierto victoria. A reseñar también uno de los momentos más hilarantes y graciosos de la superproducción que lleva como protagonista el mítico Mjolnir.

Ya comentamos en nuestra crítica de “Capitán América: El Soldado de Invierno” (2014), que parecía la continuación de la primera parte de Los Vengadores por no centralizarse tanto en el personaje protagonista, el emblemático Capitán América, y contar con parte del equipo de Vengadores, y ya no nos cabe duda que es indispensable haber visualizado esta cinta que enlaza con la historia de Vengadores: La Era de Ultrón e introduce nuevos personajes, los cuales pudimos ver en las escenas post-créditos de dicho film, dos enigmáticos y poderosos hermanos gemelos, La Bruja Escarlata/Wanda (Elizabeth Olsen) y Quicksilver/Pietro (Aaron Taylor-Johnson). Por otra parte, se suman nuevos villanos a las filas, muy bien escogidos como suelen ocurrir en estas adaptaciones, el maléfico Barón Von Strucker, uno de los líderes de la corporación Hydra y el más relevante e importante en esta función es al que da vida el consolidado y experimentado actor “James Spader”, con su prolífica y dilatada carrera sabe aportar el carisma y la fuerza necesaria para hacer del temible supervillano tecnológico “Ultrón” un memorable antagonista.

La Visión en Vengadores: La era de Ultrón
La Visión no ha aparecido mas que en posters y artes conceptuales, guardando su aspecto real para el film

Asistimos también al nacimiento de nuevos superhéroes con la inclusión de “La Visión” interpretado por un excelente Paul Bettany y otros que cambian de dirección convirtiéndose en lo opuesto a lo que eran.

Hay personajes que vuelven en forma de sueño o que se mencionan aunque no tengan presencia escénica, y que nos obligan a estar muy inmersos en el mundo de los supérheroes de la casa Marvel para entender todas las tramas que afectan de forma conjunta o individual a cada uno Los Vengadores. Al acierto de incorporar prestigiosas estrellas cinematográficas se suben al proyecto la internacional actriz francesa Julie Delpy en un pequeño rol que se relaciona directamente con Natasha Romanoff y el intérprete Andy Serkis como Ulisses Klaw, el responsable de descubrir que Wakanda (nación ficticia de Marvel situada en el África ecuatorial y que está claramente relacionada con "Pantera Negra", uno de los proximos films de Marvel Studios que veremos en cines) era de los pocos sitios en el planeta que tenían una buena mina de Vibranium (un metal ficticio y muy valioso en el universo marvelita), y al que podremos ver protagonizando un pasaje que implica directamente a Los Vengadores.

Andy Serkis es Ulisses Klaw en Vengadores: La era de Ultrón
Andy Serkis conecta la historia de Los Vengadores con el próximo film de "Pantera Negra"

Uno de los puntos flacos de la cinta es el desaprovechamiento de la actriz Julie Delpy con una intermitente aparición en la trama, esperemos que más adelante, en nuevas entregas se dibuje mejor el personaje al que interpreta del que seguro se puede sacar un jugoso partido.

En cuanto al rendimiento y calidad interpretativo está difícil de mejorar, todos los actores cumplen en sus papeles y se notan cómodos vestidos en sus personajes ya madurados.

Los que conocen el cómic de Stan Lee y Jack Kirby en el que está basado el largometraje y del que propio Joss Whedon se ha encargado de guionizar para la gran pantalla podrán apreciar la diferencia en la creación de Ultrón el cual, en el cómic fue creado por el famoso científico Hank Pym (personaje que inspira la versión cinematográfica de Ant-Man que veremos este año), que al igual que pasa en este film con Tony Stark y Bruce Banner (responsables de Ultrón en este film), estaba interesado en experimentar con la robótica de alta inteligencia. En cuanto a la trama, tiene el factor común de “La Rebelión de las máquinas”, robots con inteligencia artificial que últimamente hemos visto en películas como Ex-Machina”, “Chappie” o “Autómata”, ofreciendonos otro examen reflexivo sobre la lucha entre la máquina y el hombre, la superación y la evolución de las altas tecnología.

Ultrón animado Vengadores: Era de Ultrón
James Spader aporta estupendos matices a su interpretación como Ultrón
También dejar constando que la escena que se filtró como post-créditos se trataba de un fake, así que hay que esperarse en la butaca y tras los primeros créditos muy bonitos y currados podréis visionar una única escena que protagoniza (marcar para descubrir de quien hablamos) Thanos (Josh Brolin) al que pudimos ver recientemente en “Los Guadianes de la Galaxia” (2014).

La banda sonora original del film corre a cargo del compositor californiano Brian Tyler conocido por sus partituras de Rambo, Fast & Furious, Constantine y Iron Man 3, entre otras. Las piezas están construidas para introducirnos con contundencia en este épico ejercicio que se postula a ser un taquillazo y para acompañar a los más queridos y poderosos superhéroes que tienen su momento de gloria, un auténtico placer poder gozar de cada uno de ellos y que aporten sus fuertes personalidades que muchas veces chocan.

Como suele ocurrir, otra vez nos quedamos con la miel en los labios, deseando que regresen de nuevo con nuevas historias que contarnos.



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¿Has tenido una pesada noche donde la larga ruta de tu vida parece condensarse de una sola vez, siendo la oportunidad perfecta que el destino te otorga para que pagues por todos tus pecados y hagas las cosas, al menos por una vez en tu disonante existencia, de la manera correcta? Si tu respuesta es afirmativa, esta película es de tu interés y si no, sabrás que existe un personaje ficticio llamado “Jimmy Conlon”, quien te hará escarmentar en cabeza ajena.

Crítica de "Una Noche para Sobrevivir"
¿Y quién es este “Jimmy Conlon” (Liam Neeson)? Pues es un sicario de la mafia venido a menos con el paso de los años, solitario prácticamente, que cuenta de vez en cuando, con el apoyo moral y a veces material, de su otrora mentor y jefe, “Shawn Maguire” (Ed Harris).

“Jimmy” ha visto cómo su única familia se ha alejado de él, por el difícil camino que decidió elegir al convertirse en el “Gravedigger” (“Sepulturero” en español) del clan de “Shawn”. Los años en que pudo ser el baluarte de su único hijo “Mike”, “Conlon” prefirió pasarlos como el brazo armado de la organización criminal de su amigo, “Shawn Maguire”. Esto invariablemente generó un enorme rencor en “Mike” (Joel Kinnaman), quien ni en fotografías desea ver a su progenitor.

“Mike” ha logrado salir adelante a pesar de ello, con mucho esfuerzo, como padre de una familia de cuatro, que incluye a su esposa embarazada “Gabriela” (Genesis Rodriguez), más dos pequeñitas, “Catelyn” (Giulia Cicciari) y “Lily” (Carrington Meyer). Los sueños no realizados de “Mike” de convertirse en boxeador lo tienen como un frustrado chofer de limusinas, que no es su máximo, pero bien sirve para pagar las cuentas. Y es en este derrotero como conductor alquilado, que su vida sufrirá un giro de tuerca bastante violento que lo pondrá contra las cuerdas y que se convierte en el detonante de esta palpitante historia: mientras espera a un par de clientes, es testigo del brutal asesinato de uno de ellos, a manos del hijo de “Shawn Maguire”, “Danny” (Boyd Holbrook).

Liam Neeson y Joel Kinnaman en "Una Noche para Sobrevivir"
Liam Neeson y Joel Kinnaman
“Danny”, un auténtico “white trash”, decide ir a la caza del vástago de “Jimmy”, pensando que la lealtad de este último hacia su padre es incondicional, pero cometió un errorcito que su adicción a la cocaína le hizo que pasara desapercibido: la sangre propia, a final de cuentas, clama por los suyos. El otrora letal “Sepulturero” sigue fino en su quehacer, a pesar del tiempo, y sin dudarlo un instante, liquida a “Danny” de un solo tiro.

En otras manos menos hábiles, esta trama de acción pudo haber terminado como una rutina cinematográfica más, sin embargo, el catalán Jaume Collet-Serra ha tenido la brillantez de convertirla en un magnífico relato de venganza, crimen , familia y una anhelada redención que las más de las veces nunca llega por más que se le busque. Si se logra, puede resultar artificiosa, si el corazón no se involucra en ello y Collet-Serra consigue el efecto contrario precisamente, caminar de la mano con el corazón de esta historia.

El núcleo de este corazón es, por supuesto, el gigante norirlandés, Liam Neeson. Apostando desde hace años por este tipo de papeles, el Sr. Liam ha encontrado una riquísima veta en los personajes de redención y rescate, que incluyen una buena cantidad de plomo y golpes, que lo han llevado al stardom del cine de acción. Neeson tiene la virtud de ser un estupendo actor de drama y aunado esto a su presencia física, hacen que su interpretación sea de lo más verosímil y logra la empatía con el espectador, algo nada sencillo; por lo que Liam convierte en un memorable personaje cinematográfico a “Jimmy Conlon”, lleno de matices, vulnerable, cargado de tristeza por lo que no fue, atormentado por el remordimiento, pero a la vez fraternal cuando debe y decididamente mortal cuando se requiere.

Liam Neeson y Boyd Holbrook en "Una Noche para Sobrevivir"
Liam Neeson y Boyd Holbrook
Otra parte importante de este músculo cardiaco es el conocido actor Ed Harris, cuya carrera artística también es dilatada y sobresaliente. Convertido en la contraparte de “Jimmy Conlon”, Ed explora con todas sus magníficas tablas, los planos de “Shawn Maguire”: como amigo de “Jimmy” y también como enemigo de él, cuando se ve en la imperiosa necesidad de enfrentarlo. Hay una escena imborrable del pensamiento ya, créanme, es de antología: la conversación que entablan “Jimmy” y “Shawn” en el restaurante, para determinar el camino que cada uno seguirá; uno, “Shawn”, buscando cobrar la afrenta por la muerte de su hijo, y el otro, “Jimmy”, queriendo salvar la vida del propio.

Vaya que me ha dejado una grata sorpresa Collet-Serra: por fin una película de acción que explora toda un área gris, es decir, no acentúa las cosas malas que puede tener uno, pero tampoco hace alarde de las buenas, sólo recorre con sus personajes las decisiones que han de tomar acorde a las condiciones o circunstancias que la vida les va presentando a cada paso. Y eso es un botón de autenticidad que avasalla.

El ejercicio formal de Jaume Collet-Serra en “Una noche para sobrevivir” deja un gratísimo sabor de boca. Con sus vertiginosos plano-secuencias que agitan las entrañas, una sólida historia que no decae en ningún momento y un final descollante, esta película, amigos, no tiene desperdicio e inscribe con letras de oro los nombres de Jaume Collet-Serra, Liam Neeson y Ed Harris en el cine de acción.



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MORTDECAI es uno de los estrenos de esta semana en cines. El título que cuenta con un plantel de estrellitas cinematográficas encabezado por el trío protagonista Johnny Depp, Gwyneth Paltrow y Ewan McGregor está dirigido por el cineasta David Koepp autor de “La ventana secreta (2004)”, “¡Me ha caído el muerto! (2008)” y “Sin Frenos (2012)”.

Johnny Depp es Charlie Mortdecai
Johnny Depp es Charlie Mortdecai

Un extravagante marchante de arte llamado Charlie Mortdecai (Johnny Depp) se ve en la obligación de viajar por el mundo en busca de una pieza única, un cuadro pintado por Goya que creen que puede llevar oculto un código secreto correspondiente a una millonaria cuenta bancaria de los nazis.

MORTDECAI no había sido muy bien acogida por la crítica especializada de fuera de nuestras fronteras y las distintas opiniones que nos llegaban apuntaban que no estaríamos ante una destacada propuesta de cine. Aún así con su atractivo cartel y la presencia de importantes artistas del mundo del celuloide sumadas al proyecto resultaba cuanto menos curiosa y atractiva para justificar su visionado.

MORTDECAI es una cinta que falla en guión, dirección e interpretaciones. Una producción que tiene un elenco actoral de renombre y que hasta sus secundarios son muy a tener a cuenta como Paul Bettany o Jeff Goldblum debería de dar muchísimo más de sí. Comenzando en su apartado artístico con el siempre camaleónico Johnny Depp que parece haberse estancado en un papel y no salir de él y estar en un bucle sin vistas a algo inusual. Aquí otra vez encarnando a un personaje estrafalario y atípico estilo a su mítico Jack Sparrow de la Saga Piratas del Caribe, El Sombrerero Loco de Alicia en el país de las Maravillas de Burton o al Tonto del remake El Llanero Solitario, en la piel del excéntrico antihéroe Charlie Mortdecai, la enorme diferencia es que aquí parece sobreactuado, con una personalidad patosa, repetitiva y a veces ridícula, no puedes creerte que sea tan sumamente inútil y siempre tenga que tirar de su alrededor para poder salir airoso en sus andanzas. Esperemos que sus próximas elecciones nos den más del antaño intérprete que dominaba cualquier registro dotándolo de distinción y carisma y que trabajaba en distintos géneros que se alejaban de los personajes a las que ya nos estamos acostumbrando a verle y que ya empiezan a resultar cansinos . Por lo pronto sabemos que habrá una quinta entrega de la exitosa franquicia de los Piratas del Caribe cuyo estreno verá la luz en 2017. Su compañera de reparto, la oscarizada y conocida Gwyneth Paltrow tampoco brilla en su rol y Ewan McGregor parece que está por estar, un tercero que da caché por su prestigio, pero que apenas puede lucirse en un papel tan poco florido. El único que se salva un poco de este desastre interpretativo a mi parecer es el actor británico Paul Bettany que es el que añade un poco de condimento a esta pretendida comedia con algún pequeño pasaje gracioso que envuelve a su personaje, el fiel e incondicional guardaespaldas de Mortdecai .

Gwyneth Paltrow y Ewan McGregor en Mortdecai
Gwyneth Paltrow y Ewan McGregor
Respecto al libreto de la película firmado por el propio conductor del largometraje David Koepp junto con Eric Aronson y Peter Baynham, el cual está basado en la trilogía de libros de antología Mortdecai escrita por Kyril Bonfiglioli y Craig Brown, está a falta de chispa, de concedernos esas secuencias que nos brinden una disparatada comedia de enredos y acción que contenga intriga. El suspense se pierde, la comicidad prácticamente es inexistente y la trama poco original, algo explotada y predecible.

En cuanto a la dirección orquestada por David Koepp que con su trabajo como guionista cuenta con un extenso bagaje y puede presumir de taquillazos como Misión Imposible, Jurassic Park, Spiderman y que también está trabajando en el guión de la nueva adaptación de la última novela titulada “Inferno” del escritor de best sellers Dan Brown, pese a coincidir en el set de rodaje con Johnny Depp al que tuvo bajo sus órdenes en “La ventana secreta” , bajo mi enfoque, en este film no ha sabido sacar partido a su equipo de actores y la duración de cinta se hace extensa, debería de haber recortado metraje.

MORTDECAI se queda a las puertas del aprobado, sin ser un pésimo ejercicio fílmico ya que por momentos puede entretenerte con algún que otro momento divertido dentro de la alta sociedad enmarcada en una buena fotografía. Para incondicionales de Johnny Depp y para visualizarla sin grandes pretensiones.



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Porque no todo va a ser cine comercial, de acción y terror, hoy os traemos una propuesta diferente para que vayáis al cine este viernes 10 de abril.

Crítica "La Casa del tejado rojo"

Hace unos pocos años descubrí a un director, al parecer, mítico en su país y muy conocido a nivel mundial. De antemano confieso que no controlo mucho el cine oriental, pero sí que he visto cintas que, en numerosas ocasiones, han superado en calidad a los productos hollywoodienses habituales. Este director es Yoji Yamada, y la primera obra que he visto de él se llama “Una Familia de Tokio”, cinta que fue muy galardonada en su momento, entre otros, en el Festival de la Seminci de Valladolid, alzándose con los premios más importantes, incluido el de Mejor Película. No la vi cuando se estrenó. Estuvo mucho tiempo en cartelera pero, por razones extrañas, no acudí a verla. El caso es que cuando salió ya en formato doméstico, tras mucho tiempo de espera, una espera casi agonizante porque tenía muchas ganas, la pude disfrutar en casa. Ha sido, y es, una de las mejores películas que he visto en mi vida. Como siempre pasa, esto es cuestión de gustos, pero me sirvió para comprobar que, al otro lado del mundo, también se hacen cosas maravillosas.

Yamada nos trae ahora una historia realmente preciosa, igual que su predecesora, y aquí podemos entrar en el debate de cual es mejor de las dos. Personalmente, no quiero compararlas. Ambas me encantan. Esta nueva me ha emocionado, me ha impactado y creo que es una historia repleta de belleza por su insinuación y porque nunca termina de quedar todo claro del todo, exigiendo un pequeño esfuerzo al espectador para que sea este quien llegue a una conclusión con la misma. Creo que todos los que se acerquen a la Casa del Tejado Rojo jamás la olvidarán. Ya aviso, de antemano, que esta película no es para todo el mundo. Con esto no estoy diciendo que el público sea ignorante o falto de criterio o cosas similares. Esto es como decía Borges:No escribió para usted”. Habrá gente a quien le entusiasme, y otros que les parezca cursi, lenta, pesada y adjetivos similares, lo cual es, totalmente legítimo. El mundo sería muy aburrido si a todos nos gustase lo mismo. Por mi parte, solo digo que en vosotros está la libertad de verla o no, y como informador tengo la obligación de lanzar esta pequeña advertencia.

Imagen "La Casa del tejado rojo"

Como decía, no es una historia para estómagos intolerantes a la sensibilidad. Es una historia de amor, una tragedia. Pero además, es un documento histórico social. Porque, a través de los acontecimientos que tienen lugar en la Casa del Tejado Rojo, contemplamos también una parte de la historia de Japón, concretamente, los hechos de la Segunda Guerra Mundial. Cómo se manipulaba a la sociedad para mostrarles una realidad falsa, cómo sometían a los ciudadanos a vivir en Matrix por así decirlo, diciéndoles que todo va bien, cuando no era así. Cómo la sociedad se iba encerrando cada vez más en sí misma, volviéndose autoritaria y vigilante de las vidas ajenas. Todo ello nos lo cuenta Taki (Chieko Baisho) una mujer que, sesenta años después de haber vivido en la Casa del tejado Rojo, decide escribir su autobiografía, en la que nos va a revelar un secreto que ha guardado durante toda su vida. Taki fallece, y el manuscrito pasa a manos de su sobrino Takeshi (Satoshi Tsumabuki), quien se lo lee a sus padres, al mismo tiempo que recuerda cómo él presenciaba la escritura del mismo junto a su tía. Taki, en su juventud, vivía en el Norte de Japón. De familia humilde, se vió obligada a viajar a Tokio para poder salir adelante. Y entonces, entró a servir en la Casa del Tejado Rojo, donde vivía la familia Hirai. Aparentemente, la familia era feliz, disfrutaban de la bonanza económica, una arcadia en la que todo era muy frágil.

Escena "La Casa del tejado rojo"

La Guerra con China y el conflicto con EEUU están muy cercanos, y esto se ve en esa casa, con la llegada de Shoji Itakura (Hidetaka Yoshioka), un joven que ha terminado la Universidad, y que ha entrado en la empresa de Masaki Hirai, el padre de familia. Este momento en el que Tokiko, su esposa, se fija en Shoji. Un instante que lo cambia todo, porque Tokiko no es la única interesada en Shoji.

¿Cómo acabará esta historia? El que lo quiera saber tendrá que ir al cine para poder descubrirlo, y adentrarse en los secretos que esconde el corazón de Taki. Solo me queda añadir que es una película de esas que se quedan grabadas, que no dejan indiferente, que no se olvidan a los cinco minutos de salir.



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INSURGENTE (The Divergent Series: Insurgent) es la secuela cinematográfica de Divergente (2014) basada en la exitosa trilogía de la autora Chicawense Veronica Roth. El film viene de la mano de eOne Films y se encuentra ya en cines en formatos 2D y 3D.

Critica de Insurgente, la 2º entrega de la saga Divergente
La película está bajo la batuta de Robert Schwentke artífice de la romántica “Más allá del tiempo (2009)” y R.I.P.D. Departamento de Polícia Mortal (2013) de cuya adaptación al guión se han encargado el tándem Akiva Goldsman y Brian Duffield. Delante de las cámaras vuelven a ponerse Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet, Ansel Elgort, Miles Teller, Jai Courtney, Mekni Phifer y Zoë Kravitz, a los que se unen actrices del calibre y prestigio como Naomi Watts y Octavia Spencer.

Todo comienza donde finalizó la primera parte, la acción situada en la ciudad de Chicago nos muestra al grupo de Divergentes conformados por Tris (Shailene Woodley), Cuatro (Theo James), Caleb (Ansel Elgort) y Peter (Miles Teller) que ahora son fugitivos y por lo tanto están perseguidos exhaustivamente por la facción de Erudición, cuya líder sigue siendo Jeanine (Kate Winslet). En esta nuevo viaje existe un misterioso enigma tras un valioso objeto que será otro motivo de luchas y enfrentamientos entre la adalid de los eruditos y la banda que ahora abanderan Tris y los suyos.

Kate Winslet en Insurgente
Kate Winslet cumple con un papel que le reporta jugosos ingresos.

Con la anterior entrega, asistimos al preámbulo, ese prólogo que sirvió como gesta del nacimiento del grupo exiliado de divergentes que ahora se unen a los marginados “abandonados”. La película seguramente logrará la satisfacción del target al que va dirigida, los fans de la franquicia literaria y a los que les gustó “Divergente”, este primer largometraje que nos presentó a los protagonistas de la historia y que obtuvo muy buenos resultados en taquilla en su estreno, tiene de nuevo el lujo de contar con la galardonada y veterana Kate Winslet que añade calidad a la función con cada una de sus intervenciones. Además, volvemos a encontrarnos con la breve presencia de Ashley Judd y se suma al reparto la excelente Naomi Watts. Una de los frentes más fuertes de esta cinta es el buen rendimiento del elenco de actores, la joven Shailene Woodley que fue nominada por su rol enLos Descendientesllena de vida su personaje, y sabe transmitir la energía y fuerza que tiene la heroica Beatrice Prior, pero también su fragilidad, su temperamento audaz y a veces temerario (al menos en esta andanza). Un personaje que está lleno de matices y que solo una actriz con carisma podría representar tan bien como lo hace ella. Por otro lado, emana una fuerte química con su parteneire masculino, lo que hace más fácil creernos esa historia de amor que hay entre Tris y Cuatro. Con respecto a Miles Teller que aquí cobra mayor protagonismo en su registro de Peter, al que podríamos denominar como el típico trepa que no se casa con nadie, está que se sale, un actor al que descubrí en todo en su esplendor con Whiplash (2014) pero que crece y crece con cada trabajo que realiza dejando constatado que ningún papel al que se enfrenta le queda grande, ni en producciones de corte independiente ni en comerciales.

Teller, Woodley y James en "Insurgente"
Teller, Woodley y James en "Insurgente"
INSURGENTE mantiene el nivel de su predecesora, aunque crece unas décimas más, aquí estamos en plena rebelión, en plena batalla contra las fuerzas que quieren hacerse con el poder absoluto y someter al resto a sus voluntades por lo que nos ofrece un episodio nuevo con muchísima más acción e increíbles efectos especiales aunque se note que se abusa en algunos momentos de los efectos digitales no dejan de deslumbrarnos visualmente. Las equivalencias con otras populares sagas dirigidas a teenagers con tramas forjadas en futuros distópicos post-apocalípticos como Los Juegos del Hambre”o “El Corredor del Laberinto son muy visibles, sobre todo, la similitud en cuanto al desenlace final de esta segunda parte y “El Corredor del Laberinto”.

Hay armonía en la narración con una intensidad que asciende con las escenas más trepidantes y que vienen cargadas de ininterrumpida acción.

INSURGENTE es una composición fílmica entretenida con un buen reparto, eficazmente dirigida y que tiene su aporte original y juega al despiste con el espectador, una buena propuesta para acercarse al cine y dejarse llevar durante sus dos horas de metraje, pero que no recomendaría a los que no les gustó su primera entrega, ya que guarda totalmente su esencia aunque la eleva unos grados más por encima.



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El 27 de marzo seremos testigos de un nuevo y apasionante relato sobre la verdadera mafia italiana gracias a Calabria.

Calabria Betta Pictures
La obra del director Francesco Muzi es muy diferente a las historias que nos encontramos habitualmente en este género. Desde luego, el que piense que se va a encontrar con algo parecido o similar al Padrino de Francis Ford Coppola o los Soprano, puede llevarse una pequeña sorpresa. Calabria es un relato más cercano, si es que es necesario buscarle símiles, a lo que hemos podido ver recientemente en la serie Gomorra, basada en el libro de Roberto Saviano. ¿Por qué recalco esto? Porque los personajes que salen tanto en Gomorra como en Calabria poco tienen que ver con los Corleone o los Soprano. Estos últimos son italoamericanos, son historias que les acontecen a los italianos emigrados a EEUU, por lo que su estilo de vida es muy distinto a lo que vemos en Calabria o Gomorra.

Me viene a la cabeza una anécdota personal que creo, viene muy al caso de lo que hablo. Una persona cercana a mí estuvo en Nápoles hace unos veinte años. Cuando vio la serie de Gomorra me dijo, con desesperación y cierta tristeza: “Esto no ha cambiado nada en todos estos años”. Seguramente, si viese Calabria la sensación sería muy parecida. Lo que transmite ante todo Calabria es cómo se vive en algunos sitios de Italia, pueblos montañosos, con economías pobres, gente llevada al borde de la desesperación porque los trabajos que hay son paupérrimos. ¿Cuál es la única alternativa que les queda? Solo falta ver la película para comprobarlo. Pero no solamente se muestra esto, también de pasada, aunque deja una huella fuerte, nos cercioramos de que las mafias locales tienen tentáculos en el poder político, los cuales no dudan en usarlos para, por ejemplo, poner alcaldes que les sean propicios en sus negocios turbios.
Fotograma de Calabria
Calabria muestra una fotografía dura y realista
Estos aspectos sociales no son la primera vez que los vemos en una película. En realidad, Calabria no nos va a mostrar nada que no sepamos o que no leamos diariamente en la prensa. Pero creo que el poder principal que tiene la película reside en el interior de la familia protagonista, los Carbone, una de muchas de las que hay en el país. Hay un conflicto del pasado, una herida que sigue latente y a punto de estallar como un volcán. Un hecho terrible que puede suponer un fatal desenlace, una guerra entre los Carbone y sus rivales. La esencia del film está en las relaciones paterno filiales y los conflictos entre hermanos. Luciano, el hermano mayor, que solo quiere dedicarse al pastoreo, llevar una vida tranquila y evitar que su hijo adolescente, Leo, sucumba a lo fácil, a la vida de un delincuente más, apoyado por su tío Luigi.

Las amistades son cada vez más frágiles y los sentimientos encontrados van desencadenando diferentes desgracias. Calabria es una película muy clásica, con un ritmo pausado pero no lento, nos mantiene pendientes en todo momento de lo que va a pasar a continuación. Una película que no dejará indiferente a nadie. Aunque, como siempre digo, esto no es más que una opinión personal, pues son ustedes los que deben elegir libremente si quieren disfrutarla.



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PRIDE (ORGULLO) es el título imprescindible para cualquier cinéfilo/a que se precie que nos trae Golem Distribución a nuestras carteleras coincidiendo con el día del padre. 

Crítica de Pride (Orgullo)
Esta película está conducida por el director Matthew Warchus (Circulo de engaños,1999). El relato que está basado en hechos reales está firmado por el guionista Stephen Beresford el cual debuta en esta faceta. El elenco actoral que componen está obra cinematográfica son Bill Nighy, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine,George Mackay, Joseph Gilgun, Andrew Scott, Ben Schnetzer, Faye Marsay, Freddie Fox, Jessica Gunning, Lisa Palfrey y Menna Trusller.

En el verano de 1984 con Margaret Thatcher como primera ministra, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un colectivo de gays y lesbianas se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los mineros así nace LGSM (Lesbians and Gays Support the Miners), pero el sindicato no acepta el dinero. Los activistas toman entonces la decisión de saltarse directamente el sindicato y escogen al azar un pequeño pueblecito de Gales al que irán en su furgoneta. Así comienza el suceso que se convirtió en un hito histórico.

Una composición firme y de alta escala en sus apartados artísticos y técnicos cimentada en una historia tan conmovedora como cercana. Nos acerca a un hecho histórico que cambió dos colectivos distintos pero que se unieron por un fin en común, la lucha por los derechos.

Escena de Pride (Orgullo)
Una oda a la lucha por los derechos, a la solidaridad y al significado de la amistad. Una invitación a recorrer un universo injustamente inverso, una hazaña tan entrañable que toca y contagia al espectador haciéndole un total protagonista de la función. Es imposible no terminar rindiéndose a esa comunidad de personajes aparentemente tan dispares pero que guardan un enorme corazón solidario, que están repletos de vida, valor y calidad humana, que saben brindar ayudar y servir de apoyo a las clases más desfavorecidas, levantarse ante las injusticias, formar una alianza y permanecer unidos por una buena causa.

Otro de los honores a hacerle a esta nueva obra del séptimo arte es la sutileza con la que nos narra y nos acerca a cada uno de los personajes que vamos descubriendo poco a poco. Retratando el drama social y familiar en los casos de tener una orientación sexual distinta. Reflejando a personas que aceptan y comprenden al colectivo de Gays y Lesbianas desde un principio, y otras que los rechazan totalmente.

La ambientación y la fotografía están muy cuidadas y estudiadas, sumándole mayor autenticidad a la trama que nos presenta un suceso real, la historia que está asentada hacia la mitad de los años ochenta, nos hace identificar el estilo de aquel tiempo con las prendas y estilismos que lucen sus protagonistas, la música y también los prejuicios que eran aún mayores por aquella época están muy bien mostrados, con personajes estirados incapaces de avanzar y aceptar la homosexualidad como algo normal y en la que muchos gays y lesbianas tenían que irse de su casa por no ser aceptados ni por su propia familia.

Escena de la comedia Pride (Orgullo)
En cuanto al campo artístico nos encontramos ante un reparto sólido y que nos entrega muy buenas actuaciones, siendo difícil poner por delante a un intérprete de otro, el nivel interpretativo está muy equilibrado y eso ayuda a que las escenas que pasan por pantalla no resten calidad en ningún momento al film. También es gracias a el buen dibujo que se hace de los personajes que se convierten en relevantes e interesantes para el espectador.

Por tanto, PRIDE se debería de convertir en un verdadero “ORGULLO” para su cineasta y todo el equipo que está detrás de esta producción, con una película de estilo personal, a la que se ha comparado con otras premiadas comedias inglesas con tintes dramáticos del panorama cinematográfico, como Full Monty (1997) y Billy Elliot (2000) con esta última guarda ciertas reminiscencias en cuanto a que está enmarcada en la misma etapa con la huelga de los mineros en el Condado de Durham y también toca el tema de la homosexualidad.

Bien valen esas dos horas de metraje con momentazos hilarantes y otros más dramáticos que no buscan la lágrima fácil pero que consiguen emocionarnos y llegarnos adentro, sobre todo con un final contundente y tan redondo que se convierte en la guinda de un pastel nada edulcorado y delicioso de degustar.





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“CHAPPIE” es el nuevo sci-fi de Neill Blomkamp, director de las exitosas películas District 9 y Elysium (director también del próximo film de la Saga Alien).

Crítica de 'Chappie'
El título que aterrizó en nuestras carteleras este fin de semana gracias a Sony Pictures Spain está protagonizado por Sharlto Copley, Dev Patel, Hugh Jackman, Sigourney Weaver y el grupo musical de hip-hop y electro rap-rave“Die Antwoord” conformado por el dúo Ninja y Yo-Landi Visser.

En un futuro muy cercano, debido al gran índice de criminalidad en la ciudad de Johannesburgo se opta por incorporar a la plantilla del cuerpo policial, robots polícias con IA que son abastecidos por la empresa de armas Tetravaal y creados por uno de sus brillantes programadores, Deon Wilson (Dev Patel) que trabaja en mejorar el prototipo dotándole de consciencia y sentimientos humanos. Cuando le es denegado el permiso por parte de su superiora, Michelle Bradley (Sigourney Weaver) para probar el nuevo programa en uno de los robots que está inservible, emprende una rápida fuga en la que es secuestrado por una peligrosa banda de criminales que se quieren quedar con el androide para que les ayude en sus planes de robos.

Dev Patel en Chappie
Dev Patel en Chappie
El realizador juega su baza a lo mismo que ha hecho antes, sin complicarse ni mostrarnos una apuesta más arriesgada en este trabajo de nuevo del género de ciencia ficción, se echa de menos algo diferente a lo que ya hemos visto anteriormente. Nos sirve una obra inferior a sus antecesoras. Con esta nueva oleada de cintas que tienen como protagonistas robots con inteligencia artificial, como la recientemente estrenada producción británica “Ex-Machina” o la producción española “Autómata” (2014), “Chappie” no resulta original ni novedosa, en muchos aspectos parece un refrito de las conocidas cintas de los ochenta “Robocop” (Un robot policía y el buey, la máquina antagonista de Chappie también se parece a la de Robocop ) y “Cortocircuito” (Un robot con fines militares que se convierte en familiar y entrañable), pero sí un producto comercial que entretiene y tiene el suficiente ritmo en cuanto acción y narración para no cansar ni aburrir al espectador, aunque podría haberse recortado algo de metraje, bajo mi opinión se extiende y se centra demasiado en la aceptación, manipulación y entrenamiento del robot por parte de sus peligrosos tutores. El largometraje gana puntos cuando comienza la verdadera batalla entre las máquinas, la acción es más intensa y asistimos a un fascinante espectáculo visual y pirotécnico.

También es cierto que quien es mayormente responsable de que el largometraje procure mantener el interés del asistente a la función es el androide inteligente al que da nombre el título y al que a través de un programa de captura, ha puesto voz, movimiento, personalidad el actor fetiche de Neill Blomkamp, Sharlto Copley. “Chappie” conecta con el espectador inspirando ternura y una fuerte empatía. Lleno de vida y con un instinto protector descomunal nos gana de lleno este robot de inteligencia artificial con sentimientos tan humanos. Con respecto al elenco actoral que abanderan el cartel junto al robot protagonista están nuestro particular Lobezno Hugh Jackman que aquí se viste de antagonista, aunque sus apariciones en pantalla sean algo intermitentes son de las más relevantes y animadas del film. Y el actor Dev Patel conocido por su papel de Jamal en “Slumdog Millionaire” de Danny Boyle, que cumple correctamente en su registro de creador de Chappie. El resto de intérpretes que son importantes en la trama son los integrantes de la banda de música sudafricana Ninja y Yo-Landi Visser, sus personajes que son unos delincuentes muy violentos y peligrosos son los que se hacen cargo de Chappie y para ser su debut cinematográfico hay que reconocer que están súper auténticos y naturales encarnando a los malhechores que llevan a Chappie por el mal camino. Además, la incorporación de este grupo en el apartado artístico es un añadido más para que los fans de la banda se acerquen a ver la película. También se suma un rostro muy conocido del mundo del celuloide cinematográfico, la actriz Sigourney Weaver, que ocupa pocos minutos en pantalla con un papel muy pequeño y plano en el que cumple sin sobresalir, lástima que esté tan desaprovechada una actriz de tanto talento a la que se le puede sacar muchísimo más jugo.

Hugh Jackman en Chappie
Hugh Jackman en Chappie
Siguiendo la estela de sus primeras obras fílmicas, el cineasta sudafricano que también ejerce de guionista de la película junto con Terri Tatchell, nos trae una historia que tiene como telón de fondo la denuncia social, ¿Es el ser humano el mejor ejemplo a seguir?. La decadencia del ser humano representado por el grupo de pandilleros y el empeño del inventor de los robots con inteligencia artificial que vive para crear un robot a su semejanza como si jugase a ser un Dios. La amenaza empieza cuando somos diferentes a los demás, la oveja negra del rebaño que se sale de la media. Nos acerca a las clases marginales, a las disputas y envidias entre profesionales de enormes egos que ostentan subir de escalafón en la empresa. ¿El futuro es nuestro o de las máquinas?. Además, hay un apunte al daño que puede hacer el avance de las nuevas tecnologías pudiendo sustituir la máquina al hombre.

Neil maneja maquinaria pesada, una superproducción que se viste de sus mejores galas en cuanto a su labor puramente técnica, la película está muy bien hecha y goza de una excelente fluidez en cuanto a la animación del robot “Chappie”.La fotografía de Trent Opaloch que nos muestra unos escenarios futuristas y apocalípticos en la ciudad de Johannesburgo es de una factura impecable y la portentosa banda sonora a manos del compositor Hans Zimmer contiene piezas magnéticas, melodías que se crean a través de sintetizadores y órganos.



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La dupla Ficarra-Requa nos presenta la interesante trama titulada “Focus: Maestros de la Estafa”, la historia de un timador (Will Smith) y su glamorosa pupila (Margot Robbie). (final de la entradilla)

Focus: Maestros de la Estafa
Will Smith se ha caracterizado por ser un nombre recurrente en las marquesinas del cine mundial en los últimos 20 años, no precisamente prolífico, sino más bien selectivo en cuanto a su interés de turno: consolidar su carrera como actor taquillero (para muestra ahí están “Independence Day” y “Hombres de negro”), o afianzarse como un actor serio (en la conmovedora “En busca de la felicidad” y el papel que, a mi parecer, ha sido el más brillante de su filmografía: "Ali", el biopic del epónimo boxeador).

Pero así como ha tenido grandes aciertos por cualesquiera de sus dos intereses principales (taquilla y crítica), ha cometido, asimismo, severos errores (verbigracias claras: “Wild Wild West” y After Earth”) que han convertido su carrera en un sube y baja constante.

Y así, en esta montaña rusa que ha sido la trayectoria cinematográfica de Will, nos llega su última elección ya convertida en film: “Focus: Maestros de la Estafa”, que viene de las manos del binomio Glenn Ficarra y John Requa. Estos dos cineastas tienen en sus principales obras, películas como “Philip Morris ¡Te quiero!” (2009) y “Loco y estúpido amor” (2011), que ya les hace reconocibles en la industria fílmica internacional.

Margot Robbie y Will Smith en Focus: Maestros de la Estafa
Robbie y Smith
Con la premisa clásica del estafador con clase y que le gusta rodearse de glamour, el tándem Ficarra y Requa nos presenta a “Nicky” (Will Smith), quien por azares del destino conoce a la sensual, pero poco hábil, “Jess” (Margot Robbie). Esa poca habilidad para el hurto será cambiada por “Nicky”, quien ve en ella una potencial ladrona de buenos alcances. De esta forma, comienza el ‘training’ de “Jess” en un festival de jazz en Nueva Orleans, llegando ella a afinar tanto su pericia para sustraer cosas de las carteras ajenas, que hasta con palillos chinos lo logra hacer.

Todo marcha sobre ruedas, hasta que el inevitable romance ocurre, deviniendo en eróticas escenas que disfrutarán los fans, tanto los de Will como los de Margot, por supuesto. Esta detonación de la trama dará un punto de inflexión interesante a esta historia, pues a pesar del romance recién surgido, los dos marcharán a destinos distintos, para converger tres años después en Buenos Aires, Argentina, donde ambos tendrán casualmente el mismo objetivo: estafar al empresario “Garriga” (Rodrigo Santoro); cada quien lo intentará por su lado y “Jess”, buscará denodadamente, superar a su maestro.

Ahora que ha surgido el nombre de Rodrigo Santoro, me gustaría hablar un poco de él. Recuerdo a este actor con aquella sorpresiva película brasileña llamada “Bicho de Siete Cabezas” (2001), que narraba el difícil camino de un mozalbete tocado por el mundo de las drogas. Representó un despegue importante para Rodrigo Santoro, lo proyectó internacionalmente (junto con aquella joyita de Walter Salles titulada “Abril Despedazado”, también del 2001) y la verdad, parecía tener más madera, más potencial, para protagonizar films que lo convirtieran en un indiscutible referente iberoamericano en Hollywood como actor serio y no sólo como una figura decorativa de espectaculares películas (“300”, por ejemplo). Qué lástima, todo quedó en expectativa.

Rodrigo Santoro en Focus: Maestros de la Estafa

Ya metidos en el asunto de los actores, vamos a hablar un poco más de Will. No resulta su mejor trabajo, tampoco el peor, está en un confortable medio camino que parece más bien de transición para recordarnos que habrá mucho más de Will Smith en el futuro (ya nos frotamos las manos por Suicide Squad).

¿Y Margot? Bueno, esta chica no deja de acalorar la retina con su sensual presencia. Tiene el don de llamar al espectador a la concupiscencia; sí, hay un deseo inmoderado por mirarla y disfrutar en pantalla de sus atributos físicos a cada momento (cómo olvidarla en aquella candente escena junto a DiCaprio y la cámara escondida en “El Lobo de Wall Street). Lo mejor es que Margot no sólo es bellísima y sensual, tiene todo para convertirse en una incomparable actriz en un futuro, porque sabe transitar correctamente por el espectro emocional humano. Sólo necesita proyectos que la exijan más, histriónicamente hablando, donde ella sea la absoluta protagonista.

El espectador no saldrá defraudado de la sala de cine con esta apuesta fílmica de Ficarra-Requa, si lo que busca es una película que busca surgir por sí misma (en una temática tan recurrida como la del ‘con man’); un film que lleva su propio paso y con dos secuencias para el recuerdo: la del palco en el estadio, donde “Nicky” y “Jess” se enfrentan al tremendo apostador “Liyuan Tse” (BD Wong) y los inquietantes encuadres cuando están a la merced del enemigo para conocer su último destino.

Sin ser el referente absoluto de las películas de estafa, este film ha solventado correctamente el propósito para el que fue creado: entretener sin estafar al espectador.



NOTA: Focus no se estrena en España hasta el 27 de marzo, pero el que suscribe, residente en México, ya ha podido disfrutarla oficialmente el fin de semana del 6 de marzo.

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