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EX_MACHINA se encuentra en nuestras carteleras españolas desde el Viernes 27 de Febrero gracias a Universal Pictures Spain. Esta producción británica supone la ópera prima del cineasta y novelista Alex Garland que también se encarga de firmar la historia. El título está protagonizado por Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac.

Ex-Machina

Todo comienza cuando el joven Caleb (Domhnall Gleeson) un ejemplar empleado que trabaja como programador informático en Bluebook, una de las mayores empresas de internet del mundo gana el premio de vivir una experiencia única de una semana, en una gran mansión privada que se encuentra apartada en las montañas donde reside su jefe Nathan (Oscar Isaac). Allí será partícipe de un experimento científico, el cual le obligará a establecer un vínculo emocional con Ava (Alicia Vikander) la primera inteligencia artificial que se encuentra en el cuerpo de una bella mujer robot.

EX_MACHINA es una obra de gran notoriedad y más tratándose del debut cinematográfico del que la filma la película, que con este inicial trabajo se postula como un prometedor director a tener muy en cuenta con un excelente arranque que nos obliga a seguir la pista a sus futuras creaciones. Con este primer ejercicio de Alex Garland que nos invita a la reflexión sobre la inteligencia del hombre y la máquina, nos demuestra que sabe moverse como pez en el agua detrás de la cámara y sacar el máximo rendimiento de los actores que se ponen a sus órdenes. Además, es el autor de una historia que consigue atraparte de principio a fin, aunque en este campo ya está bastante versado siendo el responsable de los guiones de las películas “Sunshine” y “28 días después”.

imagen de Ex_Machina

EX_MACHINA funciona navegando en diferentes géneros, el de la ciencia ficción, el drama y el thriller (psicothriller), abordando también una historia romántica, la combinación del suspense con la estampa futurista dentro de ese búnker claustrofóbico y emocional en el que conviven el trío protagonista jugando con maestría al despiste y a lo de que nada es lo que parece elevan la función a la máxima potencia. Si bien el conductor ejecuta un trabajo digno de alabanza, también se debe de señalar a los que se ponen delante de la cámara dándolo todo, entregando unas actuaciones contundentes,y en el caso de Alicia Vikander (Un asunto real), hipnóticas, pues ella es el corazón del film, su presencia escénica es abrumadora. Sus dos compañeros de trabajo, Domhnall Gleeson (Una cuestión de tiempo, Harry Potter y las reliquias de la muerte) y Oscar Isaac, que fue nominado a un Globo de oro por su rol de cantante folk en A próposito de Llewyn Davis también se lucen muy bien en sus papeles.

Por otra parte, como dato curioso en el film, el personaje de Caleb, el ingenuo empleado, participa junto con Ava en el conocido test de Turing que trata de demostrar la existencia de inteligencia en una máquina, dicha prueba se basa en que si una máquina se comporta en todos los aspectos como inteligente, entonces debe ser inteligente. El magnate tecnológico hace las veces del juez que está detrás en el laboratorio observando cada respuesta y desarrollo de la relación entre el robot con IA y el ser humano.

Domhnall Gleeson en EX_Machina
Domhnall Gleeson
EX_MACHINA cuenta con reminiscencias a Yo, robot (2004), cinta inspirada en el relato de Isaac Asimov. En cuanto al lazo afectivo que tiene el protagonista con la inteligencia artificial nos recuerda al que tiene el principal con Samantha, su sistema operativo en Her (2013) de Spike Jonze. Y en relación al robot con IA, apariencia humana y sentimientos también nos evoca al film de Steven Spielberg titulado Inteligencia Artificial (2001).

En el apartado técnico de la cinta, EX-MACHINA ofrece un nivel muy alto, los efectos especiales están muy logrados, percibiendo realismo en todo momento.

Por tanto, EX_MACHINA se convierte en una propuesta necesaria para cualquier amante del género de ciencia ficción que, además, quiera una buena dosis de intriga con un reparto excelente que se entrega en sus registros y que goza de un argumento envolvente.



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LA MUJER DE NEGRO 2: EL ÁNGEL DE LA MUERTE (The Woman in Black 2: Angel Of Death) se estrena hoy viernes 27 de Febrero en nuestras salas de cine de la mano de eOne Films. 

'La mujer de Negro: El Angel de la muerte

Se trata de la continuación del film “La Mujer de Negro” el remake que se estrenó en 2012 y que fue conducido por James Watkins y protagonizado por el actor que dio vida en la gran pantalla al archiconocido mago Harry Potter de la exitosa saga literaria creada por J.K. Rowling, Daniel Radcliffe. 

En esta ocasión,  la cinta está orquestada por Tom Harper (The Borrowers, War Book) y al servicio del mismo se han puesto Phoebe Fox, Helen McCrory, Jeremy Irvine, Oaklee Pendergast, Andrian Rawlins, Thomas Arnold y Ned Dennehy. Como su antecesora esta producción está basada en la novela homónima de Susan Hill de cuya adaptación al guión se ha encargado el argumentista Jon Croker.

Si la anterior parte se ambientaba en una Inglaterra rural de 1900, ésta nos traslada a la época de la Segunda Guerra Mundial, donde ocho niños bajo la tutela de su profesora Eve Parkins (Phoebe Fox) y la directora del colegio Jean Hogg (Helen McCroy) son evacuados de Londres para evitar el peligro de la guerra y trasladados a una pequeño pueblo donde conocerán a Harry Burnstow (Jeremy Irvine) un valiente piloto de la RAF, que junto con éste último acabaran alojándose en una apartada y vieja casa situada en una isla. El nuevo hogar que les sirve como refugio aparentemente parece solitario, pero pronto empezarán a notar una aterradora presencia que pondrá en riesgo sus vidas.

Fotograma de La mujer de Negro 2: El Angel de la Muerte
La llegada al refugio

Si personalmente no me convenció la primera entrega, ésta hace que, sin duda, su predecesora. parezca mucho mejor  La primera contaba con el reclamo de un intérprete al que mayormente conocemos en su rol de Harry Potter y que nos apetecía ver en otro registro, evolucionando con personajes más maduros y diferentes alejados del famoso mago con el que saboreó las mieles del éxito y fue catapultado a la fama. En aquella la atmósfera creada por su realizador era mucho más turbadora e inquietante. Tenía un ritmo más sólido y una historia que daba más juego que ésta nueva. Aquí se da lugar a una breve y poca dibujada historia romántica que parece de relleno al no tener ningún tipo de sentido cuando no se desarrolla bien ni se le da importancia en la trama. El plantel de actores que principalmente protagonizan el supuesto relato de terror (digo supuesto, porque a mí no me dio ni un pizca de miedo) son Phoebe Fox, una actriz con más trabajos en la pequeña pantalla a cuestas que cinematográficos y el pequeño intérprete Oaklee Pendergast que ya apunta buenas maneras en el mundo interpretativo, para mí el que mejor trabaja en el film y que protagoniza las situaciones que pueden transmitirnos más angustia. La cara más conocida del largometraje es la de Jeremy Irvine al que vimos en la película de Steven Spielberg, “War Horse” (2011) y más recientemente en la cinta “Un largo viaje” (2013), en un personaje muy desaprovechado, que queda en un segundo plano con una presencia intermitente a lo largo del metraje. En general en el terreno artístico las actuaciones son correctas.

Jeremy Irvine y Phoebe Fox en "La mujer de Negro 2"
Jeremy Irvine y Phoebe Fox en "La mujer de Negro 2"

Como ya comentaba, el título no resulta una experiencia sobrecogedora ni satisfactoria, se utilizan elementos clásicos del cine del terror, los típicos sustos que intentan pillarte desprevenido pero que resultan totalmente predecibles, carentes de suspense y que no te hacen ni saltar ni amarrarte a la butaca, antiguos muñecos (en este caso de cuerda), figuras fantasmagóricas, ruidos, puertas y ventanas que se abren y cierran, casa apartada en ruinas, juego de luces y sombras y todos los clichés explotados del género. Lo mejor de la película es la fotografía que está a cargo de George Steel y los escenarios, particularmente la casa de estilo gótico donde habita la espectral mujer de negro y cuando contemplamos la isla que sólo se comunica con tierra firme por la carretera de las Nueve Vidas y, porque no, los episodios en los que los protagonistas también tienen que enfrentarse a sus propios miedos interiores teñidos de un pasado oscuro que se mezclan con los que se enfrentan en la espeluznante residencia.

"La mujer de Negro 2"
La fotografía, lo más destacable del film

En LA MUJER DE NEGRO 2: EL ÁNGEL DE LA MUERTE se echa de menos una propuesta más arriesgada y distinta que impacte más y deje más huella en el espectador. Se trata de una película del montón y fácilmente olvidable y que encima se estrena al mismo tiempo que dos producciones muy esperadas e interesantes como lo son Kingsman: Servicio Secreto y Ex Machina.



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Clint Eastwood viene a demostrarnos, una vez más, que está en plena forma para seguir dirigiendo. Y prueba de esto, es la película “El francotirador”, la historia basada en hechos reales de Chris Kyle, integrante de la Marina estadounidense, que abatió a más de 160 personas sólo con su rifle.

Crítica de El Francotirador

¿Cuándo se cansará Clint Eastwod de hacer buen cine? ¿Cuándo este originario de San Francisco, California dejará de seducirnos con sus obras cinematográficas? Tal vez no muy pronto y eso se agradece como espectador y admirador de la mayoría de sus films.

Cuando se sienta en la silla de director, pocos igualan a este clásico americano. Como los buenos vinos, sólo mejora con el tiempo. Verbigracias de sus magníficas películas sobran a lo largo del tiempo: “Bird”, “Sin perdón”, “Un mundo perfecto”, “Mystic River”, “Million Dollar Baby”, “Gran Torino”, etc. Y todo apunta a que este soberbio cineasta perfeccionará aún más su quehacer fílmico.

Una muestra de ello es “El francotirador”. Metraje realizado en 2014, que cuenta la verídica historia de Chris Kyle, elemento de la brigada Mar, Aire y Tierra de la Marina de los Estados Unidos (conocidos como navy SEALs), que se convierte en una ‘leyenda’ al haber abatido a más de 160 adversarios en batalla, una especie de ‘halcón humano’, por su precisión para el disparo a larga distancia, superando trayectorias más allá de los 1500 metros.

Bradley Cooper en una escena de El Francotirador
Esta mortífera habilidad llevará a Kyle (Bradley Cooper) a convertirse en el principal amuleto de las tropas estadunidenses diseminadas en Irak. Con el paso de sus intervenciones en cada uno de los ‘llamados al deber’, la psique de Kyle va siendo vulnerada por la natural neurosis que una guerra provoca en la mente del hombre; con cada incursión, el síndrome de estrés postraumático de Chris se va acentuando y comienza a ser una seria preocupación para su esposa “Taya” (Sienna Miller).

El fluir orgánico de Eastwood se hace presente en los encuadres donde Kyle demuestra su pericia para los blancos lejanos: Chris espera paciente, recostado en el terreno, con los ojos puestos celosamente en la mirilla de su rifle, una atmósfera de incertidumbre se hace presente; todo ello lleva algunos minutos que no provocan desesperación en el espectador, sino más bien sentimos la angustia que acompaña los silencios visuales de Clint, hasta que se detona el disparo inevitablemente mortal.

Bradley Cooper en El Francotirador
Kyle, el personje de Bradley Cooper se va derrumbando poco a poco
Eastwood perfecciona su obra con la ayuda de un actor que, al igual que el cineasta, ha ido mejorando su trabajo fílmico en cada oportunidad: Bradley Cooper. Con dos trabajos previos dignos de celebración, como lo fueron El lado bueno de las cosas (2012) y “La gran estafa americana” (2013), Cooper ha sabido moverse en aguas por demás diversas.

Con su mirada de tonalidades azules, la nariz afilada y su sonrisa apenas sugerida que dibujan un plano completo de emociones por venir, elige la más precisa, la que transmitirá lo que su personaje busca en ese momento, el ánimo del instante: concentración para matar, el deleite con la esposa o el fraternal consejo hacia el hijo.

Sienna Miller en El Francotirador
Sienna Miller asume el papel de la esposa del "Francotirador"

El montaje del film está impecablemente diseñado para crear la tensión que se requiere en los instantes previos a los certeros y mortales disparos de Kyle; también en las miradas de dos vías durante los interludios recriminatorios que se dan entre “Taya” y “Chris”; asimismo en los segundos en que “el francotirador” estrella de la Marina estadunidense se encontraba absorto en sus propios pensamientos, volviéndose completamente ajeno a lo que le rodeaba. Un trabajo que termina siendo excelso en su totalidad, gracias a las buenas maneras de Joel Cox y Gary Roach, responsables principales del departamento de edición de esta película.

“El francotirador” conlleva en sí misma el trazo artístico que tiene la firma inconfundible de su autor: Clint Eastwood, quien no apela a los convencionalismos del sentimiento para afianzar su historia, sino que el eje conductor de la trama, que es el personaje de Chris Kyle, consolida este film al verter en la pantalla los estados de ánimo a los que se enfrenta un ser humano entrenado para matar, una persona que tiene un ‘don’, que resulta útil a los propósitos de algunos y en contraparte, se convierte en una desgracia total para otros.



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Crítica de El Libro de la Vida: Un magnifico relato lleno de color

EL LIBRO DE LA VIDA (The Book of Life) se estrena hoy viernes 20 de Febrero en nuestras carteleras españolas de la mano de 20th Century Fox España en formatos 2D y 3D. Se trata del debut cinematográfico del cineasta mexicano Jorge R. Gutiérrez, el cual también se ha encargado junto con Douglas Langdale de firmar el guión. Este film de animación lo produce el aclamado director del Laberinto del fauno y Pacific Rim, Guillermo del Toro con música del galardonado compositor de bandas sonoras, Gustavo Santaolalla artífice de las soundtracks de Babel (2007) y Brokeback Mountain (2006) que también se estrena en poner música a un film de animación en colaboración con Paul Williams ( El fantasma del Paraíso).

EL LIBRO DE LA VIDA cuenta con nominaciones a los Globos de Oro, en los premios Annie se alzó con el premio al mejor diseño de personajes, aunque se quedo fuera de la nominación a mejor película de animación en la próxima edición de los Oscars.

La historia nos presenta al joven Manolo, su sangre procede de un extensa generación de prestigiosos toreros, por lo que su familia espera que continúe la tradición y se convierta en uno de ellos, aunque su verdadero sueño y pasión es ser músico. Además de su encrucijada profesional, se disputa el amor que siente por la bella y bondadosa Maria con su mejor amigo Joaquín, el guardián del pueblo de San Ángel que también está enamorado de ella. Manolo emprenderá un viaje donde tendrá que recorrer tres mundos fantásticos y superar las mayores pruebas de su vida.

El Libro de la Vida

EL LIBRO DE LA VIDA es un auténtico homenaje al tradicional “Día de los Muertos”de la cultura mexicana. Esta festividad que se celebra desde la época precolombina está presidida por la dama de la muerte “La Catrina”, en el largometraje es la encargada de la Tierra de los Recordados y el Señor del infierno mejicano Xibalba tiene a su cargo la Tierra de los olvidados, juntos son la representación maya del inframundo. Con una estética de inspiración burtoniana en el diseño de los personajes que se encuentran en el mundo de los recordados y en el de los olvidados que nos recuerdan a los del genial Tim Burton de “Pesadilla antes de Navidad” (1993) o los de el título “La novia cádaver” (2005) pero que toman otro cariz con una colorido espectacular, un verdadero festival de colores fuertes y vivos que deslumbran visualmente, el personaje más impactante en cuanto a su diseño, bajo mi enfoque, es el de “La Catrina” que está basada en la figura de la muerte del mural de Sueño de una tarde en la Alameda Central de Diego Rivera. Por otro lado, el diseño de los personajes está hecho de tal manera que parecen de madera, propicios para una animación en stop motion, aunque se trata de animación digital. Las texturas, los colores, los mitos y leyendas de las culturas Maya y Azteca componen esta película.

El argumento además de acércanos más al ancestral festejo mexicano lleva un mensaje implícito antitaurino, ya que su principal protagonista Manolo es incapaz de rematar la faena y dar muerte a ningún toro. El cuento nos ofrece una visión optimista respecto a lo que hay detrás de la vida, en la tierra de los muertos también hay lugar para celebraciones y fiestas. Contemplamos también un trasfondo crítico hacia la vanidad y el egoísmo por alcanzar un objetivo de manera improcedente, donde se aprecian los valores de la familia, de la amistad y del amor en general. Y asistimos al periplo interior, de superación y de descubrimiento para encontrar nuestro rumbo en la vida.

Escena de El Libro de la Vida

La música en esta obra es uno de los esenciales, aparte de disfrutar de la increíbles piezas musicales creadas por el compositor argentino Gustavo Santaolalla junto con Paul Williams, en el transcurso del metraje escucharemos diferentes versiones de famosas canciones interpretadas por los actores que dan voz a los personajes, como “Creep” de Radiohead, “Can´t Help Falling in Love” de Elvis Presley, “Just a Friend” de Biz Markie, “I Will Wait” de Mumford and Sons, “Da Ya think I´m Sexy” de Rod Stewart y hasta la conocida “Cielito Lindo” a la que pone voz en el doblaje original nuestro tenor con carrera internacional Plácido Domingo. Lo negativo es que al no haber visualizado la cinta en su versión original y haberla visto doblada al castellano no lucen mucho las canciones versionadas y seguramente pierdan mucho fuerza, personalmente no me gustaron mucho las populares temas que se versionan en la cinta, me pareció lamentable en particular el destrozo de “Creep” de Radiohead.

“EL LIBRO DE LA VIDA” se convierte en un ejercicio divertido y estimulante de estilo visual personal y apabullante, de narración y ritmo entretenido que sabe combinar de forma atinada aventura, acción, amor y música. La película está dirigida específicamente al público infantil y eso se nota sobre todo en la imagen que nos ofrece de los villanos y en el tono edulcorado sobre el tratamiento de la muerte pero aún así es muy recomendable también para el público adulto, aunque eso sí la recomendaría en V.O.S.



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Cincuenta sombras de Grey
 
La primera adaptación cinematográfica del primer libro de la trilogía erótica convertida en best-seller que firma la autora británica E.L. James50 SOMBRAS DE GREY” (Fifty Shades of Grey) ya está en nuestras pantallas españolas gracias a Universal Pictures Spain desde este viernes pasado coincidiendo con la celebración anual del día de los enamorados, “San Valentín”. Este título inspirado en la novela homónima de la exitosa saga literaria cuenta con la guionista Kelly Marcel que se ha encargado del libreto y está dirigido por la cineasta Sam Taylor-Johnson, bajo su batuta se han puesto Dakota Johnson, conocida por ser la hija de los también actores Don Johnson y Melanie Griffith y el actor irlandés Jamie Dornan, más reconocido por sus roles en la pequeña pantalla en series como “The Fall” y “Érase una vez” y por su papel del Conde Axel Fersen en el biopic dirigido por Sofía Coppola “Marie Antoinette (2006)”. El resto del reparto lo completan Jennifer Ehle, Eloise Mumford, Victor Rasuk, Luke Grimes, Marcia Gay Harden y Rita Ora.

Todo comienza cuando la inocente Anastasia Steele (Dakota Johnson), estudiante de Literatura inglesa en la Universidad, entrevista al intimidante, guapo y magnate Christian Grey (Jamie Dornan) de 27 años. Entre ellos surgirá una atracción inmediata que dará rienda a una desenfrenada relación de pareja, donde el rico empresario querrá someter a su inexperta amante a sus oscuros deseos más ocultos.

Escena Cincuenta sombras de Grey
Anastasia (Johnson) y Grey (Dornan)
De esta producción que ha debido de contar con una gran presupuesto para llevar a cabo su enorme campaña de promoción, publicidad y marketing (con línea de juguetes para adultos incluido), con un monumental “hype” a cuestas, asegurándose la preventa de entradas y sin pases ni ruedas de prensa antes de su estreno en cines, no se ha cesado de hablar desde que se diese luz verde al proyecto para llevar a la gran pantalla el fenómeno literario, con una historia que intentan vendernos como original y provocativa como reza en su eslogan en el cartel de la cinta “Pierde el control” y tan sólo se queda en una ajustada aventura romántica de corte erótico y tono dramático repleta de los manidos clichés que se contemplan en cualquier título de los géneros que abarca. Uno de los temas que más suscitaron interés y copaban noticias antes de comenzar con la filmación de la película fue la elección del casting de intérpretes que darían vida a los personajes principales de la obra de ficción de E. L. James, cada día se nos presentaban nuevos candidatos y aunque la avalancha de greysessed (fans acérrimas de la saga literaria) apuntaban al elegante y guapérrimo Matt Bomer (Ladrón de guante blanco, Magic Mike) como la elección perfecta para el papel de Grey, terminó siendo elegido el menos conocido actor Jamie Dornan, tampoco había absoluta aceptación en cuanto a la incorporación de Dakota como la co-protagonista femenina, muchas veían y preferían en las carnes de Anastasia a la actriz Alexis Bledel (Las chicas Gilmore). Y lo cierto es que pese al esfuerzo que se nota por parte de ambos intérpretes en meterse de lleno en sus registros, hay una visible y palpable carencia de magnetismo, química y chispa entre ellos, nada que ver como por ejemplo la magia que pudimos respirar con Ryan Gosling y Rachel McAdams en el drama romántico basado en la novela de Nicholas Sparks “El Diario de Noa” (2004). Lo que debería de resultar un relato apasionado e inteligible para sostener el complejo argumento de que una muchacha tímida y virginal que entra casi de forma inmediata en un espiral de vicio, deseo y prácticas sexuales oscuras que tocan desde el bondage hasta la dominación/sumisión y el sadomasoquismo termina siendo una ficticia y poco creíble historia de amor con personajes bastantes planos, poco y mal dibujados y secundarios prácticamente inexistentes que pasan por el metraje sin casi hacer acto de presencia ni ruido. Todo sea por dejarnos constatado quienes son los verdaderos cabezas de cartel. Si que incidiría en que me gustó mucho más la interpretación de Jamie Dornan que dota de misterio a su personaje y transmite una mirada fulminante, lujuriosa y morbosa que la de Dakota Johnson que pese a tener una bonita silueta y unos ojos azules que inundan la gran pantalla, parece que rinde menos en su papel, aparte de sus acertadas frases graciosas cuando intenta sacar su vis cómica que es cuando más sobresale, no resulta ni carismática ni destacable en su controvertido personaje de Anastasia Steele. Tal vez por separado es posible que estos dos actores den mucho más de sí, pero en conjunto como la ardiente pareja que nos tiene que llegar a convencer en este largometraje, bajo mi opinión, no funcionan.

La cinta tiene parecido en trama y secuencias al clásico erótico de los ochenta, “9 Semanas y Media” (1986), no cuenta con ninguna innovación en nada, no llega a ser lo transgresora ni rompedora que pretender ser como lo fueron en su día obras fílmicas como “Bella de día” (1967), “El último tango en París” (1972) o más contemporáneas como, La pianista (2001) o Secretary (2002).
 
Complementos eroticos Cincuenta sombras de Grey
Uuhh... que atrevido, un antifaz y cintas de satén para atar pies y manos ¡WTF?

Al principio de la película te sientes arrastrada por la historia y consigue más o menos mantener el interés vagando por la psique del Sr. Grey pero poco a poco se van difuminando las expectativas cuando ves que no hay nada nuevo en el horizonte y que se trata de un producto totalmente insulso. Lo mejor del film es el buen gusto con el que se han rodado las escenas subidas de tono, los escenarios donde se ha rodado la cinta, la fotografía obra de Seamus McGarvey y la correctísima y acoplada banda sonora original del curtido compositor cuatro veces nominados a la preciada estatuilla, Danny Elfman que ha sabido mantener el listón muy alto. Además, como ya desde hace tiempo sabíamos suena una cover de “Crazy in Love”un remix donde se aprecia un ritmo más lento que el de la canción original y el tono grave que le pone Beyoncé para hacerla más sexy. Otras canciones que suenan y participan en la soundtrack de 50 Sombras de Grey son de reconocidos y famosos artistas como Rolling Stones, The Weekend, Ellie Goulding, Annie Lennox, Jessie Ware, Ellie Goulding y Frank Sinatra.

Ya se ha anunciado recientemente que se realizarán las dos siguientes continuaciones, las películas que se inspiraran en los otros dos libros que completan la trilogía. Esperemos que ofrezcan un nivel superior a la de su predecesora que sólo me atrevería a recomendar para una tarde de cine y palomitas en casa y a los más fervientes amantes del género romántico que se conformen con dejarse llevar por una historia de amor más con el aliciente del erotismo.



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Ava DuVernay no ha tenido mayor problema para solventar este discurso cinematográfico acerca de Martin Luther King, de un histórico momento muy preciso como fue la marcha de Selma a Montgomery, Alabama y la aprobación, en consecuencia, de la muy necesitada “Ley de Derechos Electorales”, respaldada por Lyndon B. Johnson.

Crítica de "Selma"

Martin Luther King, el originario de Atlanta, Georgia, cimbró a la sociedad estadunidense con aquel discurso lleno de grandilocuencia y dramatismo, conocido como “I have a dream” (“Yo tengo un sueño”) y en éste se hallaban claros señalamientos al segregacionismo que reinaba en su nación y que afectaba en todo sentido la vida de las comunidades afroamericanas, sobre todo en los estados del sur.

Un punto nítido que tocaron las palabras de King aquel día del 28 de agosto de 1963 fue la situación en el estado de Alabama y más evidente no pudo ser:

“Yo tengo un sueño que un día, allá en Alabama, con sus racistas despiadados, con un gobernador cuyos labios gotean con las palabras de la interposición y la anulación; un día allí mismo en Alabama, pequeños niños negros y pequeñas niñas negras serán capaces de unir sus manos con pequeños niños blancos y niñas blancas como hermanas y hermanos”.

Así que este pendiente no podía quedar fuera del escritorio de King y junto a su SCLC (“Conferencia de Liderazgo Cristiano del Sur”, o “Southern Christian Leadership Conference” por sus siglas en inglés) encabezaron una campaña de protesta y resistencia en la ciudad de Selma, enclavada precisamente en el estado sureño de Alabama, donde aún el segregacionismo racial estaba latente en las actividades y el quehacer diario de esta entidad.

David Oyelowo como M.L.King
David Oyelowo

Y es aquí donde entra el relato que Ava DuVernay viene a contarnos de esta tremenda hazaña que logró el gran orador y apóstol de los derechos civiles americanos, Martin Luther King: la aprobación de “La Ley de los Derechos Electorales” (“The Voting Rights Acts”) que permitiría el sufragio a las comunidades afroamericanas de Alabama; sin embargo, para dicha victoria, King necesitaría mostrar a los ojos del mundo las tropelías e injusticias que padecían los habitantes negros de Alabama.

El plan era marchar en protesta pacífica de Selma a Montgomery, la capital de Alabama. A punto de cruzar el simbólico puente “Edmund Pettus”, la congregación es disuelta a punta de porrazos por las fuerzas del orden del estado y transmitido el hecho en cadena nacional, levanta ámpula de inmediato entre amplios sectores de la sociedad americana, quien ahora apoyara con mayor ahínco la causa de Martin Luther King.

Uno de los mayores retos que enfrentó King (personificado en este film por David Oyelowo) fue el gobernador de Alabama, George C. Wallace (interpretado por Tim Roth en perfecto acento sureño), quien permanecía firme en su postura de mantener para siempre la segregación racial en su estado y que impediría a toda costa la marcha desde Selma.

Escena de Selma
Las supuestas fuerzas de la seguridad...
Esta lucha de King lo llevó incluso a hablarle de manera muy fuerte al presidente en turno, que en ese entonces era Lyndon B. Johnson (Tom Wilkinson, en otro sólido papel) y que llevó a Johnson a contestarle ya con cierta exasperación: “Tú eres un activista; yo, un político. Tú tienes un gran problema; yo, 101”.

Con la firmeza de los manifestantes de King, DuVernay nos lleva por este camino del periplo de Martin Luther en su denodada lid por la emancipación de la sociedad afroamericana; Ava tuvo el tino de presentar este caso específico de King, resultando en un discurso cinematográfico con bastantes pantalones. Con determinación, llenando de dramatismo los encuadres, ascendiendo el discurso hasta volverlo, por momentos, incendiario, Ava nos estruja el corazón con los violentos enfrentamientos entre los partidarios de King y la policía.

Todos los encuadres de DuVernay se van solidificando hasta formar una estructura sólida y completa, como el mismo puente “Edmund Pettus”, que se convierte en marco importante de su historia (porque allí es donde los seguidores de King estuvieron dispuestos a entregar su propia vida por su causa).

Es un film completamente lineal, que cuenta con el mérito de DuVernay de irte atrapando en esta cronología acerca de Martin Luther, sin aspavientos y sin ataques de creatividad innecesarios, simple y llanamente la necesidad de contarte, desde una narrativa muy clásica, un fragmento de la historia contemporánea que nos atañe a todos, dada la complejidad actual de la conducta humana en distintos niveles.

Oprah Winfrey en Selma
Oprah Winfrey en Selma
DuVernay se vale para estos aciertos de un actor con el que hizo mancuerna previamente en “Middle of Nowhere” (2012), David Oyelowo, quien se adueña del personaje de King con una naturalidad que maravilla y no tanto por el aspecto físico, sino por la virtud de sentir, en su capacidad como actor, el alma de King, plena y correcta, en todos sus actos y en sus más profundos pensamientos.

Martin Luther King hoy ya no vive, pero su legado perdura, la semilla que sembró, hoy es árbol fuerte y robusto que da buenos frutos; que hay muchas cosas por hacer para mejorar, las hay por supuesto. Pero me gustaría que el gran orador viviera todavía y que empezara un discurso con la siguiente frase: “yo tengo un sueño por este mundo” y tal vez no sería Washington, D.C., ni tampoco Selma, Alabama, la ciudad elegida para tal efecto. ¿Qué ciudad elegirían? Una pregunta que tendrá la mejor respuesta en cada uno de ustedes.



NOTA: Selma se estrena en España el próximo 6 de marzo, pero en México ya está disponible en cines desde el pasado fin de semana, por lo que nuestro compañero Edu Bustamante, ya puede ofrecernos su crítica


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Teatro: James McAvoy en "The Ruling Class"
Como ya comenté en el blog hace poco (podéis verlo en el post sobre Richard Armitage en "The Crucible"), Londres es una ciudad imprescindible para los amantes del teatro. Muchísimos actores británicos actúan tanto para la gran pantalla (o la pequeña, que hoy en día no tiene nada que envidiar a la grande) como para obras de teatro. Si os plantéais un viaje a Londres, os animo a tomar en cuenta la cartelera de teatro para escoger vuestras fechas ya que es una oportunidad para ver a vuestros actores favoritos actuar en directo. Por ejemplo, en este momento hay obras con Mark Strong, Imelda Staunton, Gemma Arterton o... ¡ James McAvoy ! Descubierto en "El Último rey de Escocia" y apareciendo ahora en las precuelas de "X-Men" como el joven profesor X, el actor está protagonizando "The Ruling Class" en los Estudios Trafalgar hasta mediados de abril. Mi cumpleaños era en enero, mi novio me regaló un fin de semana a Londres... así que no fue muy difícil escoger mi auto regalo este año.

"The Ruling Class" en los Estudios Trafalgar

"The Ruling Class" (que se puede traducir en español por "La Clase dominante") es una comedia satírica de 1968, escrita y puesta en escena por el dramaturgo inglés Peter Barnes. Cuenta la historia de Jack Gurney, un joven aristócrata ingresado voluntariamente en un manicomio padeciendo esquizofrenia paranoide, que herede un condado después de la muerte accidental del decimotercero conde de Gurney. Su estado mental hace que no está bienvenido en su familia conformista y preocupada por las apariencias. Jack está convencido que es Dios, de vuelto a la Tierra para llevar amor y bondad, y duerme en una cruz. También tiene la costumbre de ponerse a cantar y bailar de manera repentina y de negar su verdadera identidad con trucos curiosos. La familia Gurney intenta ponerle una trampa para quedarse con el condado, recurriendo a la amante del tío más malvado de la familia, pero nada sale como previsto. La obra contiene mucho humor negro y es un ataque directo y brutal a la aristocracia inglesa. Tuvo mucho éxito en el West End en su momento y también fue llevada al cine en 1972, con un guion del mismo Peter Barnes y Peter O'Toole en el papel principal. Pero la versión que nos interesa en este artículo está dirigida por Jamie Lloyd, un joven y prolífico director de teatro británico, que ya había trabajado con James McAvoy en una adaptación de Macbeth.

James McAvoy en "The Ruling Class"

Claro está ya me gustaba mucho James McAvoy, por eso compré entradas. Me parece un actor realmente talentoso, es muy expresivo y tiene un registro bastante amplio. Hay que añadir que tiene un don para hablar con otro acento que el suyo: nació en Escocia pero puede hablar inglés de Inglaterra o de Estados Unidos como si fuera de allí. Hizo muchos papeles buenos pero destacaría el de Nicholas Garrigan en "El Último rey de Escocia" y el de Bruce Robertson en "Filth". Sabía que iba a ver una muy buena actuación pero la verdad es que me quedé totalmente impresionada. Es un papel difícil, sin destripar la historia puedo decir que son varios personajes en uno y es alucinante la habilidad que tiene James McAvoy de pasar de comedia a tragedia en un abrir y cerrar de ojos. También es un papel que requiere hacer muchas cosas diferentes: desde números musicales hasta ataques de locura, pasando por discursos con sonidos extraños a guisa de idioma. Y lo hace todo con una energía desbordante. Se nota que disfruta actuando y como además es un actor estupendo, se disfruta mucho viéndole actuar también. Hay que añadir que habla con un acento inglés durante toda la obra. Ya me parece una proeza hacerlo en películas, es verdad que se puede volver a hacer una escena tantas veces como haga falta pero aún así es mucho trabajo, pero hacerlo en directo sin posibilidad de equivocarse es impresionante. Si pasáis por Londres para ver algo de teatro, James McAvoy es sin duda un actor a tomar en consideración.

Poster de "The Ruling Class"


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“El Destino de Júpiter”, la nueva película de los hermanos Wachowski, venia lastrada por el enorme retraso en su estreno, y aunque todo apuntaba a desastre, al final hemos obtenido algo diferente.

Crítica de El Destino de Júpiter

Tras triunfar a nivel mundial y revolucionar el cine de acción con la primera entrega de The Matrix, los hermanos Wachowski han ido viviendo a la sombra de dicho éxito, y si bien, recientemente se habían ganado la aprobación de cierto sector del público por la adaptación del libro “El Atlas en las Nubes”, excesos sin buenos guiones como los vistos en Speed Racer y las secuelas de The Matrix, han conseguido que una gran parte de público los mire con desconfianza.

Si a eso le sumamos que el film se debería haber estrenado en agosto del 2014 y que finalmente, y por supuestas mejoras en post-producción, lo ha hecho en febrero de 2015, no es de extrañar que el público tuviera pocas expectativas con el film, algo que, particularmente, y sin que sirva de precedente, ha servido para no llevarnos una gran decepción.

Mila Kunis en el Destino de Júpiter
Mila Kunis no resulta un personaje femenino fuerte, aunque deja claro que tiene muchas ganas de que Tatum le de un revolcón.
Pero empecemos por el principio. ¿De qué trata “El Destino de Júpiter”?

El film, nos presenta a Júpiter Jones (Mila Kunis), una joven cuyo padre fue asesinado antes de nacer y que pese a que su nombre y el horóscopo le auguraban un destino espectacular, malvive trabajando en la empresa de limpieza de su familia.

Asqueada por una vida que no le permite darse ningún capricho, decidirá donar sus ovular a una clínica para obtener dinero, pero sin darse cuenta, pondrá en marcha una serie de mecanismos que la identificaran como la reencarnación de una reina extraterrestre cuya aparición pone en peligro los negocios de sus supuestos descendientes y que tendrá que ser rescatada por un mercenario a sueldo al que da vida Channing Tatum.

Bajo esa premisa, asistimos a un film de aventuras repleto de efectos especiales y acción que incluye muchos elementos familiares para los amantes de la ciencia ficción, y aunque la historia prometía un desarrollo simple (joven que hay que eliminar, mercenario que la rescata y final feliz), la historia acaba enrevesándose hasta conseguir que el público se aburra por las idas y venidas sin sentido de los protagonistas.

Channing Tatum el Destino de Júpiter
El personaje de Tatum carga con todo el peso del film al ser un héroe indestructible


Pese a eso, estamos ante un trabajo bastante disfrutable y que pese a no contar con un guion para Oscar, salva las bajas expectativas que había sobre él.

Como parte más destacadas del film hay que mencionar la magnífica puesta en escena que los Wachowsky han conseguido, y pese a que cuentan con poco tiempo, consiguen ofrecernos una panorámica bastante interesante del sistema estelar en el que transcurren las aventuras de los personajes interpretados por Mila Kunis y Channing Tatum, algo que personalmente me parece un punto a favor y que suple las carencias argumentales y los excesos derivados de la afición de los directores por priorizar la espectacularidad frente a una buena historia.

alienigenas El Destino de Jupiter
Las diferentes especies alienigenas, los homenajes a sagas conocidas y el mundo que nos presenta "El Destino de Júpiter" es sin duda alguna el punto fuerte del film.

En el lado negativo, nos encontramos con unos villanos bastante pobretones, una interpretación muy floja por parte de Sean Bean (que por fin sale vivo de un film) y sobre todo, muchos excesos que si no son aceptados como parte de una cinta de aventuras y ciencia ficción, pueden hacernos renegar de un film pensado para disfrutarlo junto a un buen cubo de palomitas.

Por lo demás, creo que El Destino de Júpiter contará con un porcentaje muy similar de gente que la disfrute o que la odie, pero como digo, y tras haber visto otros films de los Wachowski, por mi parte me quedo bastante satisfecho y tengo que admitir que lejos de asquearme como ocurriera con Speed Racer, el film me ha parecido bastante digno pese a sus fallos.



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CAPITÁN HARLOCK se estrena hoy viernes 30 de Enero en nuestras carteleras y viene de la mano de Surtsey Films.


"Space Pirate Captain Harlock" (nombre original del film) es la película de animación más ambiciosa de la casa Toei Animation. Está dirigida por Shinji Aramaki y viene precedida de un gran éxito en las taquillas de países como Italia y Francia, donde ha recaudado más de 10 millones de euros. El film que se basa en el célebre manga de Leiji Matsumoto y que ha necesitado cinco años de producción, supone la renovación contemporánea de la legendaria serie de los 70-80. Después de treinta años de la adaptación de la historia de Leiji a la pequeña pantalla llega a la gran pantalla esta nueva revisión de las aventuras del mítico Capitán estelar que conserva el aroma que la vio nacer.

CAPITÁN HARLOCK nos lleva a una era futurista post-apocalíptica, nos encontramos en el año 2977, donde quinientos mil millones de humanos sueñan con regresar a su hogar de origen, el planeta Tierra. El furtivo Capitán Harlock y los tripulantes que están a bordo de la nave de combate “Arcadia” buscan dominar la galaxia enfrentándose a la corrupta Coalición Gaia que controla a la raza humana dentro del espacio. Ezra, el líder de la flota adversaria enviará a su hermano Logan para que se infiltre en la nave del Capitán y acabe con su oponente, pero al estar dentro de la línea enemiga descubrirá que las cosas no son tal y como parecen...

El gran trabajo de modelado/texturizado y animación de la obra cinematográfica podemos contemplarlo en las batallas del Arcadia contra las naves imperiales. La cinta cuenta con unos impresionantes efectos especiales que podemos apreciar a lo largo de todo su visionado, un importante ejemplo es cuando vemos la nave del Capitán Harlock abriéndose paso sobre el agua del firmamento (el humo).


El largometraje recoge la esencia y el espíritu de sus orígenes, aunque evidentemente se denota la clara evolución en la estética de los personajes con diferentes detalles que apreciarán enseguida los más fieles seguidores de las aventuras del mítico pirata espacial. Las diferentes personalidades están bien definidas y hay mucho realismo en escena, llegando a confundir al espectador sobre si está ante una historia ficticia o real, si son modelos 3D o personas de carne y hueso los que protagonizan el relato galáctico. Sin embargo, como contrapunto, el contraste de hiperrealismo en algunas escenas con los personajes y las escenarios virtuales se asemejan a los primeros videojuegos 3D, tipo Final Fantasy, y esta sensación provoca que el asistente a la función sienta incredulidad o falta de veracidad en algunos episodios.

En cuanto a la trama, el guión adaptado por el tándem Harutoshi Fukui y Kiyoto Takeuchi basado en el cómic original de Leiji Matsumoto, una historia que navega entre lo épico y lo romántico convencerá seguramente a los más fervientes amantes de la cultura y animación nipona, pero quizás no cale tanto en el corazón del público general. De todos modos resulta un entretenimiento con un gran trabajo técnico por detrás.



La fotografía obra de Kengo Takeuchi es digna de alabanza, recoge unos colores muy vivos, unos diseños de personajes con vestuarios y accesorios muy cuidados y trabajados y nos emplaza a la vida en el espacio dentro sobre todo de la nave “Arcadia” que abandera nuestro idealista héroe, contrastando luces y sombras en los diversos escenarios que se nos presentan a lo largo del metraje.

Como resultado final, CAPITÁN HARLOCK es un ejercicio indispensable para los admiradores de la serie y el cómic manga, y para los que disfrutan de una buena sesión de espectacularidad visual (que supongo que se acentúa con el uso del estereoscopía, nosotros la pudimos disfrutar en un pase en versión 2D), acompañada de una epopeya cósmica que nos devuelve a nuestra infancia, la cual podemos disfrutar en el cine en compañía familiar.



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Volvemos a las reseñas de los "Encuentros con el cine del Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife gracias a "La Herida" de Fernando Franco, uno de los títulos más destacados de la última edición del festival de cine de San Sebastián.

La Herida de Fernando Franco
El octavo y ultimo de los Encuentros con el Cine del año 2014, celebrados en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife, tuvo lugar el pasado 13 de noviembre. Ocho fueron los compromisos adquiridos por el grupo Digital 104, la empresa de audiovisuales organizadora del evento, con el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. El cierre de la andadura se produjo con la opera prima de Fernando Franco, protagonizado por Marián Álvarez, quien se erigió con la Concha de Plata en la 61 Edición del Festival de Cine de San Sebastián, por su interpretación en esta película. En dicho Festival, La Herida entró directamente a la Sección Oficial, en competición con filmes como Caníbal (España, 2013), de Manuel Martín Cuenca, Vivir es fácil con los Ojos Cerrados (España, 2013), de David Trueba, Enemy (Canadá, 2013), de Denis Villeneuve, Pelo Malo, (Venezuela, 2013), de Mariana Rondón, o Devil’s Know (Canadá, 2013) de Atom Egoyan. La triunfadora fue la película Venezolana de Mariana Rondón, pero La Herida se hizo con el Premio Especial del Jurado. En la página web del festival, se dejan bien claras las normas respecto a este premio: “El jurado oficial tendrá a su disposición un Premio Especial para su libre adjudicación a la película que, por las características que fuere, considere que tiene méritos para recibirlo, debiendo mencionar la motivación que la hace merecedora del mismo”. El jurado de la 61ª edición, compuesto por el realizador Todd Haynes, la productora Mariela Besuievsky, el músico David Byrne, el director Cesc Gay, la actriz Valeria Bruni Tedeschi y el actor y realizador Diego Luna, premiaron al filme de Franco, “Por su íntimo retrato de la soledad, donde se cuenta a cara descubierta, con honestidad y con valentía, la vida en una sociedad que, frente a la enfermedad y el dolor, mira para otro lado”.

A la presentación del 8º Encuentro con el cine en la capital tinerfeña, el cineasta Jairo López, director de El Jardín Barroco (España, 2014), ese bellísimo filme que sigue el proceso creativo del artista tinerfeño Roberto García de Mesa, agradeció a los 8 realizadores que, desinteresadamente, acudieron a cada uno de los 8 encuentros capitalinos. El cineasta destacó el importante papel de los críticos y moderadores presentes en las diferentes sesiones, reivindicando la figura del critico de cine a la hora de ponderar y valorar el punto de vista profundo y analítico de cada una de las propuestas. En este sentido, es oportuno citar al historiador y crítico de cine Carlos Losilla. En su reseña Emerge ‘otro’ cine español, en el número 18, de septiembre de 2013, de la revista Caimán Cuadernos de Cine, Losilla argumenta el importante papel del teórico del cine: “… el cine que importa se construye mediante la práctica, pero también a través de la teoría que lo sustenta, que se forma a partir de él y justifica sus intenciones, que a veces se escapan de la visión de los que están en primera línea”.



La idea de los eventos culturales en torno al Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife organizados por Digital 104, ha sido siempre estrenar en primicia muestras de cine independiente español en general, alternando con cine realizado especificamente en Canarias. Los títulos seleccionados, por razones de política de distribución, nunca se han estrenado en pantalla grande en Tenerife. En concreto, el estreno de La Herida ha tenido lugar alrededor de un año después del estreno nacional. A ello se añade el indispensable y meritorio plus de traer a sus realizadores y debatir tras la proyección.

El moderador del evento fue Jorge Gorostiza, Arquitecto, teórico de cine, autor de diversos monográficos especializados sobre Peter Greenaway o David Cronemberg, entre otros, director de la Filmoteca Canaria entre 2000 y 2005, y miembro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España, que entrega anualmente los Premios Goya. Gorostiza comentó que, en la edición de los premios Goya de 2014, él personalmente votó por La Herida en la categoría de mejor Película. La Edición XXVII tuvo una clara vencedora, la mencionada Vivir es fácil con los Ojos Cerrados. La Herida tuvo seis nominaciones, recibiendo finalmente los premios al mejor realizador novel y a la mejor actriz protagonista.

Finalmente, concedida la palabra al realizador Fernando Franco antes de la proyección del filme, éste comentó que su película suscita más preguntas que respuestas, pues su objetivo es trabajar con el espectador, no dárselo todo manufacturado, de modo que cada uno pueda valorar e interpretar su película como considere. Fernando Franco felicitó a los organizadores del evento, al que denominó “Acto de Resistencia de Encuentros con la Cultura”.

Fernando Franco, que recibió clases en la prestigiosa Escuela Internacional de Cine y Television, ubicada en San Antonio de Los Baños, Cuba, comenzó en el cine como montador de cortometrajes y de documentales, dando el salto al ensamblaje de largometrajes. Suya es la labor de edición en películas como Cargo (España, 2006), de Clive Gordon, No tengas miedo (España, 2011), de Montxo Armendariz o Blancanieves (España, 2012), de Pablo Berger. Franco debuta en la dirección con el cortometraje Mensajes de Voz (España, 2007), realizando otros cuatro, hasta debutar en el largo con La Herida, planeado inicialmente como un documental.

Fernando Franco presenta "La Herida" en Tenerife
Fernando Franco presentando su film, "La Herida" en el VIII Encuentro con el Cine del Teatro Guimerá de Tenerife

Algunos críticos de cine, entre ellos el mencionado Carlos Losilla en el citado artículo de la revista Caimán cuadernos de cine, han llamado la atención sobre un fenómeno que estamos viviendo actualmente en nuestro país y que denominan Otro cine español. Se refieren a un cine opuesto al que realizan cineastas consagrados como Pedro Almodóvar, Fernando Trueba o Alejandro Amenábar entre otros muchos, y que se aleja de los géneros y clichés que terminan reventando la taquilla. El Otro cine español se encuentra en el otro extremo de películas a la moda como la saga Torrente, o taquillazos como Ocho Apellidos Vascos (España, 2014), de Emilio Martínez Lázaro (filmes estos que, dado su éxito descomunal, probablemente condicionarán el rumbo del cine español los próximos 10 años). A esta suerte de movimiento de cineastas a contracorriente podemos vincular a directores como Fernando Franco, Alberto Marais, a quien tuvimos el privilegio de recibir y escuchar en el cuarto de los Encuentros con el cine, a propósito de su filme Los chicos del Puerto (España, 2013), Albert Serra, Luis Patiño, el mencionado Manuel Martín Cuenca, la realizadora catalana Mar Coll, que también nos visitó al Teatro Guimerá, concretamente en el 2º de los Encuentros con el cine, para presentar el estreno en la isla de Todos Queremos lo Mejor para Ella (España, 2013) o a Miguel Ángel Jiménez, entre otros muchos.

El movimiento tiene su punto de arranque cuando en 2008 el ICAA, el Instituto de cinematografía y Artes Audiovisuales, impuso sus nuevas normas en la producción cinematográfica. En concreto, al dictarse una Orden Ministerial que desarrolla la Ley del Cine de diciembre de 2007, cuyo contenido fundamental es la regulación de ayudas a la cinematografía. Estos artistas, y muchos otros, se aglutinaron y pertrecharon en una plataforma denominada Cineastas contra la Orden, que reunió y acaparó el descontento frente a los parámetros normativos, es decir, contra la pretensión ministerial de legislar sobre las maneras de hacer cine, así como del tipo de cine que se podia realizar. El manifiesto suscrito por los cineastas sostiene que la referida Orden es antitética al espíritu de la ley, "…que defiende el cine español como cultura en su pluralidad de contenidos, valores y presupuestos…". Para ellos la resolución sólo apoya a los grandes y a aquellos empresarios que "pretenden exclusivamente obtener rentabilidad económica" y que fomenta las prácticas monopolíticas. Se afirma igualmente en dicho manifiesto que se "pretende desterrar el cine que se hace por menos de dos millones de euros de inversión" y que "sólo recibirá dinero quien ya lo tiene o quien está seguro de generarlo". La orden para los cineastas elimina de facto alrededor de un 60% de las producciones anuales "…que son, de hecho, las que producen un cine de diversidad cultural, de una mirada en gran medida diferente e innovadora".

Fernando Franco director de "La Herida" en Tenerife
Fernando Franco en pleno debate con Jorge Gorostiza

En este ecosistema, los jóvenes cineastas mencionados, se consagran a una concepción de la realización de películas, eludiendo las convenciones y desmontando ciertos mitos del cine español. Se trata de un cine cuyo fin en sí mismo es el esbozo o el trazado, que interactúa de un modo directo con la realidad y con el espectador, servida con desnudez, en un tono semi-documental, despojado de virtuosismos formales y narrativos complejos. En los últimos años, estos cineastas están consiguiendo conectar con un sector importante del público, y logrando el reconocimiento en Festivales del calibre de San Sebastián, Las Palmas de Gran Canaria, Gijón, Sevilla, Valladolid, Locarno o Sitges, entre otros, donde en las más recientes ediciones, resuenan sus nombres, erigidos como ganadores de los prestigiosos premios, y que recogen con devoción y agradecimiento, sabedores de que les permitirán el impulso de nuevos proyectos. 

Ana Ortega (Marián Álvarez) es una joven que bordea la treintena. Es atractiva, trabaja de manera estable en el Servicio Ordinario de Traslados de pacientes en Vehículo Ambulancia, desde sus domicilios hasta los hospitales. Ana se encuentra en un momento de su vida en el que lucha encarnizadamente consigo misma para sentirse bien y estar en paz interior, pero no lo consigue. La jóven padece un Trastorno Límite de la Personalidad, que no le ha sido diagnosticado y por tanto no sabe que tiene. Es muy nerviosa, genera repentinamente mucha ansiedad y su novio, Alex, la ha dejado poniendo punto y final a una relación sentimental que intuímos ha sido muy problemática. Ana le envía mensajes, le deja recados en el buzón de voz, donde pone de manifiesto su bipolaridad y sufre enormemente, tanto cuando recibe respuesta, como cuando no.

El comienzo de La Herida, deja perfectamente claro, no solo que algo muy grave le ocurre a la protagonista, sino también el tono formal que presidirá la andadura del filme. Primer plano de Ana fumando. Está en la calle, esperando al pie de la ambulancia que conduce. Está tranquila. De repente recibe un mensaje de texto en su teléfono móvil. No lo vemos, pero está claro que el texto altera a la joven. Ya empieza a tener una respiración más agitada, fuma de modo más compulsivo, cambia la expresión del rostro. De una expresión seria pero relajada, pasa a una expresión de sufrimiento, a una mirada perdida, intranquila, muy triste, con una súbita tension en los músculos faciales que la acompañará, con ligeras variaciones, a lo largo de casi todo el metraje. Vuelve a coger el móvil, y visceralmente, sin sopesar los efectos, contesta el mensaje. Tampoco lo vemos, pero intuimos la furia de la jóven en el contenido del texto. De repente, experimenta la imperiosa necesidad de ir al servicio del Hospital. Sabe que no está bien y necesita algo de privaciad. La puerta del primer excusado no se abre. La golpea con frustación. Entra al siguiente servicio. Después de entrar, da un deliberado cabezazo a la puerta, respira agitadamente, se sienta en el suelo apoyada en la puerta para que nadie entre. Se tranquiliza. Se lava la cara y sale por el mismo pasillo, hacia la calle. Su compañero de trabajo la espera y la reprende levemente. Le dice que no puede dejar la ambulancia abierta, y que tenían un aviso. Ana le comenta que algo le ha sentado mal y que ha vomitado. Fernando Franco filma toda esta escena, practicamente en un solo plano. La cámara en Steadycam (sistema de estabilización de la cámara atada al operador, con un sistema de arnés que compensa los movimientos de su cuerpo), está practicamente pegada a Ana en todo momento, dispuesta a captar cualquier expresión corporal. De esta secuencia, sabemos que Franco va a intentar prolongar el plano cueste lo que cueste. Sabemos que el peso de la película lo llevará Marián Álvarez. La mirada de Fernando Franco, que nunca juzga, va a estar ahí, muy cerca del rostro, de la espalda y del cuerpo en general de la jóven. Sabemos que la realización tratará de estar a la altura del reto, para captar cada gesto, cada reacción, cada instante, cada contrariedad, cada estado de ansiedad, cada momento de dolor psíquico o físico (la jóven se lastima a sí misma con cigarros encendidos, o con una hojilla que guarda celosa y ritualmente en una cajita metálica y con la que se practica cortes en antebrazo y muslos).

Fotograma de "La Herida" con Marián Álvarez como Ana
Fotograma de "La Herida" con Marián Álvarez como Ana

En su día a día profesional, Ana es sensacional. Trata a sus pacientes con mucha humanidad. Es seria, formal, disciplinada, pero también les transmite serenidad, sensibilidad. Los escucha y se ríe con ellos. A sus pacientes enfermos y disminuídos les da lo mejor de sí. Su introspección personal es otra cosa. A la referida cuestión sentimental, hemos de añadir que su madre (Rosana Pastor) tiene una relación de pareja que mantiene alejada del hogar que comparte con Ana. Madre e hija se relacionan de un modo muy gélido. La hija no soporta la “actitud cobarde” de su progenitora, quien trata de darle algo de soporte emocional, pero definitivamente “mira hacia otro lado” en el problema de su hija, que no sabe como abordar. Su padre les abandonó a ella y a su madre en su día. Un viaje a Barcelona de Ana para ir a la boda de aquél con su nueva pareja, termina de un modo caótico. Su modo de relacionarse con otros invitados al banquete, se limita a cortar la carne del plato de un señor mayor que tiene a su lado (sin duda, deformación profesional) y a decirle a otra señora con la que comparte mesa, que le pregunta por su trabajo, que se fue de Urgencias para no ver morir a sus pacientes, pero en Traslados la situación es peor, porque cuando se mueren lo siente más, porque los conoce desde hace tiempo. Cuando su padre la invita a bailar y le abre su corazón hacia ella, tratándo de retomar contacto y relación, Ana, con su ansiedad característica, solo es capaz de decirle que ha roto con su novio y reprocharle que es un hijo de puta, por historias pasadas que desconocemos, pero que intuímos muy dolorosas. Su nariz sangra. La relación con su padre se torna en irrecuperable. El aislamiento de Ana en la boda de su progenitor es total.

Ana trata de ahogar su via crucis personal e introspectivo, con alcohol, tabaco, cocaína, sexo fácil e impersonal, que o no culmina, o lo hace de un modo violento y desagradable. El encadenado de circunstancias la va destruyendo poco a poco. Sus sueños son demoledores (según cuenta en un chat, sueña con bichos saliendo de su boca y de su sexo), sus charlas en las redes sociales, son un simple escapismo, aprovechando la distancia y el aparente anonimato que las mismas parecen otorgar, para no revelar otra cosa que su desequilibrio. Ana, a lo largo de los 95 minutos de metraje, lidia con los problemas cotidianos de la vida, con los que el común de los mortales también tenemos que convivir. La novedad de la película radica en que la protagonista no sabe como gestionarlos. El cuerpo del largometraje lo ocupan sus reacciones, la expresión de la sensibilidad a flor de piel ante ciertas realidades de su entorno, incapaz de desarrollar mecanismos para asumirlos, que no pasen por la autodestrucción. Asistimos, ante la mirada sincera y honesta de Fernando Franco, a un crisol de instantes en la vida del personaje, mientras se va resquebrajando por dentro.

Publico Teatro Guimerá Tenerife
El público asistente al evento
No era una tarea sencilla. Probablemente nos desconcierte el film, si esperamos de él un engranaje narrativo convencional, en el sentido de multitud de conflictos externos, es decir del personaje con el mundo, de giros narrativos inesperados, de explicación milimétrica de cada detalle, o de cada acontecimiento. La aproximación adecuada al largometraje de Fernando Franco, o al menos, el abordaje para disfrutar de la experiencia visual y narrativa, es abandonar los prejuicios y las ideas preconcebidas, mostrarnos permeables y dejarnos llevar por las reglas del juego expuestas claramente, como decíamos, al comienzo del film. Será perfectamente legítimo, como es obvio, no hacerlo, y cuestionar cada plano, cada decisión, y aburrirse con la película. En mi caso concreto, cada una de las tres ocasiones que he podido visualizar el filme, he disfrutado de la experiencia y de la coordinación y complicidad entre el realizador y la actriz.

En el debate final, Fernando Franco explicó lo complicado que fue cargar con el foco para iluminar las escenas, además de con la steadycam, en ese peregrinaje existencial de Ana, y como renunció al formato digital, en beneficio del 16 mm, más caro, pero para él más satisfactorio visualmente. El filme requirió cinco semanas de rodaje, tres de montaje y meses el trabajo en la importantísima pista de sonido, que revela muchísima información sobre detalles del personaje central, potenciando sensaciones. La película, según su autor, lleva “Un trabajo de sonido importante”.

El realizador comenta igualmente como siempre tuvo en mente a Marián para el personaje, que nunca hubo un casting para el papel, y que la joven actriz tenía el físico ideal para esta película. Con ella ensayó mucho y se mostró permeable a sus aportaciones, muchas de las cuales figuran en el resultado final. Lo importante era “que todo encajase bien con el desarrollo del personaje”, afirma el realizador sevillano. Franco se muestra muy satisfecho con todo el equipo, que creía en la película y dió lo mejor de sí.

Su película, manifestó, se programa en ciclos de cine y salud mental, y los profesionales de la psicología y psiquiatría la toman en cuenta como referente de la enfermedad, cuyo nombre jamás se menciona a lo largo del filme.



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