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Doraemon vuelve a los cines estas navidades en formato único que encantará a grandes y pequeños.

Crítica de "Stand by Me Doraemon"

No tengo ningún problema en admitir que nunca he sido un fan de este personaje. Sí que Doraemon fue una serie que marcó parte de mi infancia, pero no me ha llamado especialmente la atención. Este año es el 20 aniversario desde el comienzo de la serie, y de unos personajes que se han ganado el corazón de muchos niños durante varias generaciones, tanto por los dibujos animados como por el Manga original del tándem conocido como Fujiko Fujio, pareja que inspiró la serie y cuyo nombres reales son Hiroshi Fujimoto y Motoo Abiko.

La nueva película, Stand By Me Doraemon viene con motivo de la celebración de dicho aniversario, y añadiría otra posible razón por la cual se ha realizado, y es que creo que los directores, Ryuichi Yagui y Takashi Yamazaki quieren presentar al tierno gato cósmico a las nuevas generaciones de niños. El guión de la cinta corre también a cargo del propio Takashi Yamazaki.

Quizás la principal novedad que nos trae este film es el sistema en el que ha sido realizado, el novedoso 3DCGI, que básicamente son unas 3D mejoradas, pues podemos verla sin necesidad de gafas especiales, y el resultado es muy satisfactorio. Además de que la historia de Doraemon se presta muy bien para crear al espectador la sensación de que está totalmente inmerso en el film, pues somos un miembro más del grupo de Nobita que se divierte con los inventos de Doraemon. Aunque, posiblemente el elemento fuerte que sirve para darle publicidad a la película es la intervención en el doblaje de los personajes de Alaska y Mario Vaquerizo. Bajo mi punto de vista, este elemento no es tampoco muy fuerte porque solo doblan unos pocos instantes del film y además sus voces suenan un poco discordantes con los personajes. No encaja mucho que unos Nobita y Sizuka de poco más de veinte años les pongan voz personas mucho más maduras. Pero esto no es más que un parecer particular.

Fotograma de "Stand by Me Doraemon"
Nobita y Shizuka junto a otro personaje del film

¿Qué nos cuenta la peli? Supongo que todos los fans, seguidores y los simples conocedores del personaje se pueden hacer una idea aproximada de lo que se nos relata. La película se ajusta perfectamente a la esencia de la serie original y mas de uno que siga el show, sabrá que incluso hay un capitulo similar, pero vamos a lo importante: Nobita Nobi es un niño patoso, vago, perezoso y al que todo le sale mal. En los estudios no destaca, más bien suspende; dos compañeros, Gigante y Suneo, míticos personajes con los que nos hemos reído. Y además, Nobita sigue muy enamorado de Shizuka, la niña que es una estupenda estudiante y perfecta en todo lo que haga. Un día, la monótona existencia de Nobita se ve interrumpida por la llegada de un chaval llamado Shewazi, que dice venir del siglo XXII y además que es el tataranieto de Nobita. Nuestro protagonista se queda a cuadros y es incapaz de reaccionar. Shewazi le deja claro a su jovencísimo “tatarabuelo” que no puede seguir como hasta ahora, porque sino en el futuro su familia se verá en una situación muy precaria a nivel económico y además que él nunca será realmente feliz. El niño del futuro le deja a alguien para que le ayude en esa tarea de la búsqueda de la felicidad y es en ese viaje personal en el que se embarcará Nobita, un viaje en el que aprenderá a dejar de ser torpe, aprenderá a vivir por sí mismo, a ser valiente, a ser generoso y a pensar en el bienestar de los demás. Ese alguien, por supuesto, es el gato robot llamado Doraemon.


Imagen de "Stand by Me Doraemon"
Doraemon luce mejor que nunca en esta estupenda película

Poco a poco la amistad entre ambos se irá haciendo cada vez más fuerte, y este viaje personal no solo es para el joven Nobita, también Doraemon experimentará un cambio emocional importante, pues comprenderá que el Amor es la fuerza más potente para cambiar el mundo y quizás el futuro del chico. Hasta el punto en que ninguno de los dos podrá vivir sin el otro, haciendo honor al título de la película, Stand by Me Doraemon. Quédate conmigo.

Puede que a muchos les resulte raro lo que voy a decir, pero esta ha sido una de las mejores experiencias que he vivido en el cine este año, pues me he vuelto a sentir niño por 95 minutos de metraje, y además me he reconciliado con una historia que tiempo atrás me era un tanto indiferente.

Sin duda, Stand By Me Doraemon es una de las películas más bonitas del año, tierna y agradable. Emocional hasta niveles altísimos y hará las delicias (desde el día 19 de diciembre) de todos los niños se acerquen a verla durante esta próximas navidades.



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Ridley Scott nos presenta una versión épica y repleta de efectos especiales del clásico relato del Éxodo de los judíos con Moisés a la cabeza.

Crítica de "Exodus: Dioses y Reyes", una nueva y potente obra de Ridley Scott

“ÉXODUS: DIOSES Y REYES” aterriza está semana en nuestros cines gracias a 20th Century Fox España. Esta superproducción del renombrado y aclamado cineasta británico Ridley Scott cuenta con la presencia de grandes estrellas cinematográficas, a la cabeza del cartel están el actor Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Ben Kingsley y María Valverde.

“ÉXODUS: DIOSES Y REYES” está basada en el pasaje bíblico que corresponde a los hermanos Moisés (Christian Bale) y Ramsés (Joel Edgerton). La historia bíblica recogida en el segundo libro del Antiguo Testamento “Éxodo” narra la esclavitud de los hebreos en el antiguo Egipto (lugar al que puedes ir gracias al concurso que organizan en Paramount Channel) donde reinaba el todopoderoso Rámses y cómo posteriormente, su hermano Moisés liberó a todos los judíos llevándoles hacia la Tierra Prometida.

Ridley Scott apuesta sobre seguro al dejar la mayor carga interpretativa en nuestro Caballero Oscuro, Christian Bale siempre resulta solvente y convincente en sus cambiantes registros, con muchas tablas y una extensa carrera, el actor aporta ricos matices para ver la evolución personal de su personaje y el retrato del líder que estaba destinado a ser, siempre despuntando como un valeroso guerrero de nobles principios y que al final será el que lleve a su pueblo hacia la libertad. Contando con este peso pesado de la interpretación que es el que más apariciones tiene en pantalla junto con su antagonista hermano Ramsés (Joel Edgerton), el cuál me gustó menos encarnando a Ramsés, pero que cumple en su faceta, son los principales intérpretes que nos hacen concebible el relato, si además de eso, se van incorporando secundarios de lujo como Sigourney Weaver o Ben Kingsley, estamos de enhorabuena porque sabemos que van a embarcarnos mejor en la aventura épica que es “ÉXODUS: DIOSES Y REYES”.

Christian Bale en "Exodus: Dioses y Reyes"
Christian Bale

Sin embargo, bajo mi punto de vista, lo que probablemente puede hacer que “ÉXODUS: DIOSES Y REYES” no sea un título perfecto, pero si de una incontestable calidad, por la impecable factura que tiene tanto en sus apartados artísticos como técnicos, es que su creador haya usado tanto como base inspiradora, una de sus obras magnas, la galardonada “Gladiator”, hay tantas simetrías, que sencillamente es imposible no estar sintiendo una especie de dejà vu al estar visionando la cinta. Otro punto de contra restado a este ejercicio de grandes proporciones, es que se nota que el producto final se ha pretendido que sea más ligero, recortando parte de su metraje original, dando unos repentinos saltos en el tiempo que desconciertan bastante, aunque personalmente la película no se me hizo extensa pese a sus dos horas y media de duración, se percibe un desatino en ciertas elipsis que parecen provocadas deprisa y corriendo para avanzar en la historia más rápido.

La espectacularidad visual con las que se nos presenta la cinta es intensa y majestuosa, y más si se incrementa con la visualización en tridimensional, en las partes proféticas de las plagas, el trabajo en efectos especiales es fascinante dotando de mayor realismo a las secuencias, al igual que al final en el mar, realmente se nota la labor concienzuda de recrear al máximo los sucesos y agudizar nuestros sentidos para vivir más de cerca el místico episodio.

Maria Valverde en "Exodus: Dioses y Reyes"
Maria Valverde
Es importante resaltar el vestuario de este film diseñado por la figurinista ganadora de un Oscar por Gladiator, Janty Jates y confeccionado en su totalidad por Sastrería Cornejo, empresa española de confeccionado en la que todos sus trabajos son Made in Spain y que han hecho una labor increíble para enclavarnos en la época en la que se desarrollan los hechos. Después de una exhaustiva investigación la diseñadora con su equipo crearon un total de 5.000 trajes para la película que engloban todas las clases sociales. Posiblemente después del magnífico resultado es muy factible que sea una clara aspirante a alzarse por segunda vez con la codiciada estatuilla en la futura edición de los premios Oscar.

Además, de la aportación española al proyecto con Sastrería Cornejo, también se utilizaron localizaciones para el rodaje de la película en Fuerteventura y Almería, donde podemos observar los paisajes áridos característicos de las zona, la presencia de la madrileña actriz, María Valverde (Tres Metros sobre el cielo) que debuta bien en un superproducción de esta envergadura metiéndose en la piel de Séfora, la mujer de Moisés y la atinada y envolvente música del film obra del compositor español Alberto Iglesias (El Jardinero Fiel, El topo).

Joel Edgerton en "Exodus: Dioses y Reyes"
Joel Edgerton
Hace menos de un año del estreno del largometraje de Darren Aronosfsky “Noé(2014) que adaptaba de forma libre el relato bíblico sobre el arca de Noé y ahora nos llega “EXODUS: DIOSES Y REYES” en estas fechas tan señaladas y más apropiadas para acercase al cine a ver esta, megaproducción que personalmente me ha parecido mejor que la de Aronosfsky y que apunta a ser todo un éxito en taquillas. Aunque, seguramente muchos seguirán prefiriendo el pasaje de la clásica “Los diez mandamientos” y el Moisés al que dio vida el mítico Charlton Heston allá en 1956.



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Los medios más importantes de la web ofrecen sus primeras impresiones sobre la última entrega de "El Hobbit"

Críticas de "El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos"

El próximo 17 de diciembre llega a los cines la esperada conclusión de la extensa adaptación que Peter Jackson ha realizado de la novela de Tolkien “El Hobbit”, y como suele ocurrir, semanas antes del estreno, los críticos de los sitios webs de cine más importante del cine ofrecen sus primeras valoraciones sobre el film tras adelantarse al resto del público en su visionado.

En esta ocasión, tenemos extractos de las críticas de The Wrap, Variety, The Hollywood Reporter, Empire y Digital Spy, y aunque en ninguna de ellas se percibe un especial entusiasmo, tampoco nos quitan las ganas de ir a ver esta última entrega.

Personalmente, creo que “EL Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos” cumplirá con lo visto en las otras cinco películas ambientadas en la Tierra Media, y aunque puedo equivocarme, estos textos apuntan en dicha dirección:

THE WRAP: La pesada y sobrecargada "Batalla de los cinco ejércitos" sólo demuestra que Christopher Tolkien estaba en lo correcto respecto al proyecto. La película de 144 minutos de duración muestra los peores vicios de Jackson: escenas de batallas que duran eones, resoluciones abruptas y chapuceras, aciagos romances, chistes fuera de lugar, y de nuevo, poner a prueba la paciencia de los fans.

VARIETY: Así termina el Hobbit. No con un lloriqueo, sino con una batalla épica. Fiel a su título, La Batalla de los cinco ejércitos, la obra final de Jackson de la extendida precuela del Señor de Los Anillos ofrece más guerreros a las puertas de los que una espada elfa pueda vencer, todos compitiendo por conseguir la montaña de Erebor y sus tesoros. El resultado es el episodio más absorbente de la trilogía, el más ágil (dentro de sus 144 minutos) y también el más oscuro, tanto visualmente como respecto a las fuerzas que agitan los corazones de los hombres, enanos y orcos.

Banner de "El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos"


THR: Después de las quejas iniciales sobre el 3D y los 48 fotogramas por segundo, Peter Jackson y su equipo de artistas visuales hacen los ajustes técnicos necesarios para que las cosas fluyan, siendo el resultado una película de CGI llamativa y robusta, que ofrece detalles e imágenes colosales.

EMPIRE: Con sus dos horas y media, hay poco de “La Batalla de los cinco ejércitos” que Jackson haya dejado fuera de la edición, pero aún asi, todo el metraje resulta esencial para la historia. Es un trabajo inteligente y la película no padece de bajones, aunque esto pasa factura, ya que lo que podría haber sido la mejor película de la saga se desperdicia bastante con elementos innecesarios

DIGITAL SPY: “La batalla de los cinco ejércitos” va alternando emoción y frustración. Es espectacular, tiene acción llevada por los personajes, pero todo el trabajo termina socavado por confusas subtramas hechas con prisa que se desvanecen en el estelar tercer acto.

Como veis, la mayoría repara en que la cinta vuelve a pecar de larga, efectista y aunque no lo he incluido por aquí, también he leído criticas de gente que se ceba sobre la absurda aparición de Tauriel y lo apretado del romance en un film que ya de por si se extiende más allá de lo recomendado.

Aun así, esperaremos a verla para ofreceros nuestra crítica, la cual, y como siempre suele pasar, ira en consonancia con los gustos de unos u otros intentando destacar de la forma más objetiva posible los pros y contras de esta “Batalla de los Cinco Ejércitos”.



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Crítica Trash: Ladrones de Esperanza

Hoy se estrena en cines de la mano de Universal Pictures Spain, TRASH, LADRONES DE ESPERANZA y De Fan a Fan se encargó de la organización del preestreno en Sevilla gracias a nuestros apreciados amigos de SENSACINE.COM. Aquí os traemos nuestra valoración acerca de esta cinta dirigida por el cineasta oscarizado, Stephen Daldry artífice de joyas cinematográficas como Billy Elliot (2000), Las Horas (2002) y The Reader (2008). El libreto del cual es responsable Richard Curtis sienta sus bases en la novela homónima del escritor Andy Mulligan.

El reparto principal cuenta con la presencia del curtido actor Martin Sheen y la cada vez más conocida actriz Rooney Mara (Her, Efectos secundarios), aunque los verdaderos protagonistas de esta epopeya son los tres jóvenes actores, Rickson Tevez, Eduardo Luis y Gabriel Weinstein.

Todo comienza cuando Rafael (Rickson Tevez) y Gardo (Eduardo Luis), dos niños de las favelas marginales de Río de Janeiro que van a diario a un enorme vertedero en busca de cosas que les puedan ayudar a subsistir, encuentran una cartera que contiene dinero y documentación. Cuando la policía local se presenta en el basurero con interés especial por recuperarla, los chicos entienden que es de gran valor y nacen sus ansias por descubrir el misterio que envuelve todo lo relacionado con los papeles encontrados en ella, de esa manera junto con Rato (Gabriel Weinstein) otro de sus amigos, se verán envueltos en una peligrosa trama de la que no querrán ni podrán salir fácilmente.

Rooney Mara junto con los chicos que protagonizan Trash: Ladrones de Esperanza
Rooney Mara junto con los chicos que protagonizan el film
TRASH es un ejercicio de buenas intenciones, un cuento con moraleja, que sin necesidad de recrearse en escenas de explícita crudeza, resulta verdaderamente demoledor por momentos, la ficción que se nos presenta, en la que la vida de un niño pobre no vale nada, no se puede digerir. Sin embargo, se las ingenia para embarcarnos en lo que parece ser una aventura y desventura que protagonizan tres pequeños héroes que dan una lección sobre la solidaridad y sobre lo que es “lo correcto”, dejando por debajo sus propios intereses y asumiendo su triste realidad, cuya mayor proeza es ayudar a los demás. Su mensaje es tan profundo y tan enternecedor que se puede pasar por alto dos hechos concretos que suceden en el film, que son muy poco probables (el final, por ejemplo) y que no se acercan a lo que sería la dura realidad. 

En TRASH se dibuja también una sociedad sucia y corrompida, mostrando la vileza del ser humano. Un lugar donde la ley está comprada y no existen reglas para allanar a los más desfavorecidos, hay una parte del largometraje que te deja con la piel de gallina y realmente absorto ante las injusticias que se practican.

Otro de los buenos atributos a resaltar de esta cinta, sería su enorme capacidad para producir intriga, de la manera en la que no sabemos hacia dónde va a encarrilarse la trama ni el porvenir de sus protagonistas, el hecho de no tener “previsibilidad”, hace que Trash nos seduzca desde el minuto uno, generando conexión y empatía con el público.

Selton Mello, el actor que da vida al villano de Trash: Ladrones de Esperanza
Selton Mello, el actor que da vida al villano del film
Es cierto que en cuanto a la historia puede venirnos al pensamiento títulos como Ciudad de Dios (2002) del director Fernando Meirelles y que sigue un esquema muy similar al título galardonado del también realizador británico Danny Boyle, “Slumdog Millionaire” (2008) , aunque aquí a diferencia de la película de Boyle que estaba rodada en la India, se toma como escenario de fondo la ciudad brasileña de Río de Janeiro y los principales intérpretes son niños que han sellado un trabajo de palpable calidad, los sentimos muy de cerca porque son sumamente naturales en sus roles. A estos jóvenes valores de la interpretación los protegen, el padre Juilliard (Martin Sheen) y la profesora Olivia (Rooney Mara) que avalan con sus nombres el proyecto y cumplen de forma correcta en sus papeles, al igual que el villano de la función, que tiene más peso en la trama, al que encarna el actor brasileño Selton Mello, un antagonista de mirada oscura y fría que consigue con éxito que nos creamos su malvado personaje.

La soundtrack de esta obra fílmica ha corrido a cargo del compositor Antonio Pinto, el cual tiene una extensa y productiva carrera en la que se ha encargado de poner su música a películas como Ciudad de Dios, El amor en los tiempos de cólera (2007) y Collateral (2004), entre otras muchas a destacar.

TRASH es un trabajo bien ejecutado, que eleva los valores humanos y de superación, que retrata héroes modernos en tiempos sin dioses, donde existe una sociedad en la que se ha perdido totalmente los valores y el respeto, donde la palabra y el honor se han cambiado por el que tiene más poder y dinero, pero en la que gracias a personas que luchan por un mundo mejor, albergamos esperanza.



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Big Hero 6 se estrena en España el próximo 19 de diciembre, pero para que vayáis haciendo cuerpo, os traemos ya su crítica.

Crítica de "Big Hero 6" (6 Héroes)

Atendiendo a su cultura corporativa de reducir a la competencia en la medida de lo posible, porque se sufre por comparación, la Casa Disney ha efectuado su imparable fagocitosis de manera muy exitosa en los últimos años al absorber a verdaderos monstruos del entretenimiento, que como sabéis son  “Pixar Animation Studios”, “Marvel Entertainment” y el emporio de George Lucas, "Lucasfilm".

Con “Pixar” mantuvo un relación amistosa que duró 15 años (1991-2006) y que les trajo muy buenos dividendos al agenciarse 2 Premios de la Academia de Hollywood en la categoria de “Best Animated Feature” ("Mejor Película Animada"): “Buscando a Nemo” (2003) y “Los Increíbles” (2004); y una vez que absorbieron a “Pixar”, el resultado fue aún mejor pues los Oscar© llegaron en cascada: “Ratatouille” (2007), “WALL E. Batallón de limpieza” (2008), “Up” (2009), “Toy Story 3” (2010) e “Indomable” (2012).

Animados por este tremendo éxito decidieron dar sus primeros pasos en solitario en el campo de la animación por computadora y el resultado volvió a ser igualmente satisfactorio, Oscar© y muchos dólares en la taquilla fueron los réditos que les trajo su propia producción de “Frozen: El reino del hielo” (2013).

Y ya en este camino de las asociaciones estratégicas y absorciones empresariales, el imperio de Walt Disney decidió aventurarse con un producto de “Marvel” que sabían de antemano podrían modificar de tal forma que innegablemente fuera un cómic transformado en una película con las orejas de Mickey Mouse bien puestas.

Hiro Hamada de "Big Hero 6" (6 Héroes)
Hiro Hamada

El cómic al que nos referimos por supuesto es “Big Hero 6”, que aunque es de origen estadunidense, tiene entre sus personajes principales a chicos y chicas de Japón con nombres y costumbres propias del País del Sol Naciente. Esto ya le otorgaba un perfil distinto a este tebeo, pues no contaba con los personajes que por antonomasia son típicamente estadunidenses, por lo que las modificaciones estaban dictadas ya desde la mesa.

El proyecto de llevar a la pantalla grande a la pandilla de “Hiro Takachiho” corrió a cargo de Don Hall (“Winnie the Pooh”) y Chris Williams (“Bolt”), ambos compartiendo la silla de director; con los arreglos en el guión tuvieron a Jordan Roberts (“El viaje del emperador”), Daniel Gerson (“Monstruos University”) y Robert L. Baird (“Cars”). En la oficina de producción estuvieron Roy Conli (“Enredados”) y la leyenda John Lasseter, la cabecilla principal de todos los proyectos de “Pixar” cuando ésta todavía era independiente.

La principal tarea de Roberts, Gerson y Baird fue girar el núcleo narrativo de la historia hacia “Hiro” y “Baymax” (el robot adorable y gentil que construye “Tadashi”, el hermano de “Hiro”) casi en exclusiva, para conseguir una relación entre ambos llena de humanismo y sensibilidad (cercana al parangón con “El gigante de hierro” (Brad Bird, 1999)).

“Hiro Hamada” (le cambiaron el apellido por cuestiones de eufonía) es un chico de 14 años genio en la robótica, un tanto desorientado, pues piensa dedicarse a las bot fights (peleas robóticas) el resto de su vida, porque según él, aunque ilegales son muy lucrativas. “Tadashi Hamada” (Daniel Henney), su hermano mayor, le hace entrar en razón, al decirle que no puede desperdiciar su talento en esa ilícita actividad y que lo más conveniente para él es seguir sus estudios en el “Instituto de Tecnología de San Fransokyo”.

El villano de "Big Hero 6" (6 Héroes)
El villano del film
Convencido por las palabras de su hermano, “Hiro” (Ryan Potter) decide aplicar solicitud en el showcase que ofrece el Instituto a todos sus aspirantes. “Hiro” con su incesante genio, construye los microbots, que mediante un neurotransmisor, obedecen las órdenes que él les da a su entero placer, pudiendo aquéllos funcionar como medios de transporte y también como perfectas armas de defensa y destrucción. La exhibición de “Hiro” detona la historia, llamando de inmediato la atención de las autoridades del Instituto, al igual que la de “Alistair Krei” (Alan Tudyk), CEO de “Industrias Tecnológicas Krei”, cuyas razones de su interés aún desconoce el menor de los “Hamada”.

El diseño del robot inflable “Baymax” (Scott Adsit), se inspiró en las creaciones de los androides suaves (soft-robotics) de la Universidad Carnegie Mellon (Pittsburgh, Pennsylvania) y que funciona a múltiples niveles, pudiendo ser desde un asistente médico personal hasta una implacable máquina de aniquilación y en medio de ello emociones de cualidades multiformes: sensible, humanista, sacrificado, pero al menor cambio de chip puede convertirse en el peor de los “Terminators”.

San Fransokyo, la ciudad donde toma lugar la historia, es un híbrido arquitectónico de dos culturas bien delineadas: la oriental y la occidental, además de que parte del diseño de la megalópolis está inspirado en filmes como “Akira” (1988) y “Ghost in the Shell” (1995). El nombre de la ciudad también es la fusión de dos nombres de urbes muy bien conocidas: la californiana, San Francisco y la japonesa, Tokyo.

Equipo  de "Big Hero 6" (6 Héroes)
El equipo "Big Hero 6" al completo
La construcción de “Big Hero 6, the movie” no podría quedar completa sin los otros 4 integrantes del sexteto (mas información del grupo haciendo clic aquí): iniciando con la cándida “Honey Lemon” (Genesis Rodriguez), cuyo poder central es la fragilización química del metal; el acrofóbico “Wasabi” (Damon Wayans Jr.) con sus navajas de plasma inducidas por láser; la impulsiva “Go Go Tomago” (Jamie Chung) y sus discos con suspensión electromagnética; y el despreocupado “Fred” (T.J. Miller) con su traje de Godzilla (Fredzilla) que escupe fuego a la menor provocación.

Han pasado ya muchos años desde que Mickey Mouse sorprendió al mundo con “Steamboat Willie” (1928) y sin embargo a pesar de tanto tiempo el emporio que creó su papá Walt sigue vigente hoy más que nunca. Apelando a la ley del efecto de Thorndike de que si a una respuesta le sigue una satisfacción, esa respuesta se graba en la mente con más fuerza que si le sigue una decepción puedo decir que se respondió al llamado de “6 héroes” y el resultado ha sido más que satisfactorio, concluyendo que la Casa Disney sigue siendo sinónimo de animación de calidad en el campo de la cinematografía internacional y que sus historias y personajes seguirán teniendo un lugar especial en la mente y los corazones de niños y adultos de todo el mundo.



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Jennifer Lawrence en Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE 1 (The Hunger Games: Mockingjay- Part 1) es la tercera entrega (dividida en dos partes) de la exitosa y taquillera saga “Los Juegos del Hambre” basada en la trilogía homónima de la escritora estadounidense Suzanne Collins, cuyo estreno en cines españoles fue este pasado fin de semana de la mano de eOne Spain. Actualmente, está dominando la taquilla de Estados Unidos con una elevada recaudación, aunque por debajo del debut de sus dos antecesoras “Los Juegos del Hambre” (2012) y “Los Juegos del Hambre: En llamas”(2013). En España se ha convertido en el mejor estreno en lo que va de año, registrando más de 200.000 espectadores el pasado viernes 21 de noviembre, fecha de su estreno en nuestras salas.
 
En este nuevo título, nuestra arquera heroína, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) junto con Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Philip Seymour Hoffman, Stanley Tucci, Sam Clafin, Elizabeth Banks y Donald Sutherland vienen acompañados de nuevas caras de estrellas muy respetadas y prestigiosas en el mundo del celuloide y de la pequeña pantalla, como la carismática y camaleónica Julianne Moore que se incorpora al reparto principal o la actriz Natalie Dormer conocida esencialmente por sus papeles en las series de “Los Tudor” y “Juego de Tronos” en un perfil más secundario, pero también de relevancia para la trama.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO. PARTE 1 es la continuación de la franquicia cuyo final va ser dividido en dos películas. Ésta primera parte nos sitúa después de que Katniss Everdeen destruyese definitivamente Los Juegos del Hambre, ahora se encuentra en el distrito 13 bajo el liderazgo de la Presidenta Alma Coin (Julianne Moore) quien con ayuda de su brazo derecho Plutarch Heavensbee (Philip S. Hoffman) y todos los sublevados ante el sistema corrupto y cruel del Capitolio comandado por el Presidente Snow (Donald Sutherland) empezarán la rebelión, sólo necesitan su guía, que el Sinsajo despliegue sus alas y los lleven al cambio de una nación justa y libre.

Philip S. Hoffman en Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1
El fallecido Philip S. Hoffman es el nuevo asesor de la Presidenta Coin


Al clamor del Sinsajo, a la convergencia de las más débiles aplastados por las clases más pudientes, una luz de esperanza abre un nuevo horizonte, allí aparece nuestra Juana de Arco en un futuro distópico, una Katniss Everdeen que aquí es más auto explorada, con sus duras experiencias a cuestas y el enfrentamiento a un sentimiento más poderoso que el miedo, hay un viaje de confusión que nos atrapa y nos absorbe a un ritmo pausado. La exposición y el reflejo de una sociedad oligárquica que somete al pueblo obrero que pudimos comprobar en sus dos predecesoras entregas, la primera fue el preámbulo y la novedad, la segunda repitió formula de la primera, aunque no decayó y supo mantenerse al nivel de la inicial, y además cerró con el comienzo de que lo estaba por venir en este nuevo episodio. Lo que está claro que en cuanto al guión adaptado de la novela que firma Danny Strong en esta nueva cinta orquestada de nuevo por el cineasta Francis Lawrence, hay un equilibrio entre la acción y el discurso político que aquí se interioriza más, la más de dos horas de metraje son suficientes para servirnos un plato fuerte al que no le faltan “atributos”, desde el atractivo elenco actoral, el cual contribuye a elevar el nivel de la superproducción con la participación de intérpretes del caché de la magnífica Julianne Moore, personalmente siempre me ha gustado ésta actriz que sabe moverse en cualquier registro y no pasar desapercibida ni en un recurrente rol, su personaje tiene mucho peso en la historia, y podría decirse que junto al “Sinsajo” el símbolo de un líder político que mueve, arrastra masas y ofrece mitines, es sin duda un fuerte eslabón en la conquista de espectadores. Contando también, con figuras como el recientemente desaparecido Philip S. Hoffman que añaden lustre y valor a cualquier proyecto al que se suman.

Por otra parte, sigue el juego del triángulo amoroso, aquí observamos más de cerca al hermano de Thor, Liam Hemsworth, quien da vida a Gale Hawthorne, el amigo enamorado de Katniss al que ella no parece serle del todo indiferente por lo que hemos podido ver en las otras adaptaciones, sin embargo el corazón de nuestra joven guerrera sigue confuso y anhelando tener cerca a Peeta Mellark (Josh Hutcherson) que se encuentra retenido en el Capitolio junto con otros ganadores de pasadas ediciones de los Juegos del Hambre. Lo que está claro es que Katniss representa una mujer luchadora, una superviviente nata que puede valerse por sí misma sin necesidad de cazar a nadie y del amor de un hombre, ella desde el principio ha sabido cuidarse y proteger a su familia llegando a enfrentarse a la muerte.

Josh Hutcherson en Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1
El tiempo de la película se puede medir viendo el desgaste de Peeta, de esta forma atractiva, hasta que las torturas hacen mella en el.


En cuanto al apartado de efectos especiales, lo podríamos valorar de “portentoso”, aquí predominan muchas escenas de acción con una fotografía fabulosa en tonalidades oscuras, utilizando muchas luces y sombras, pero también concurrimos a muchos escenarios apocalípticos que son campos de batalla, unos muestran la destrucción y el caos y otros “la esperanza” del renacer de un nuevo mundo. Enfrentamientos bien dirigidos y coreografiados con naves galácticas y derrumbamientos incluidos. Y nuevamente cuenta con un apreciable y original vestuario, en Los Juegos del Hambre:En llamas (2013) quedamos deslumbrados por el traje de plumas que habías tras las llamas que representaba a un Sinsajo, aquí también nos llevaremos sorpresas.

Como ya pudimos observar en los dos primeros largometrajes de esta secuela, hay muchos reminiscencias a la antigua sociedad romana y griega, por citar algunas, los tributos podrían ser bien gladiadores que se enfrentan en la arena, las carrozas donde se exhiben a los tributos preliminarmente a los Juegos, la forma de enorme anfiteatro romano, inclusive el retransmitirlos para el disfrute de las masas, de los superficiales y banales ricos que viven de forma ostentosa y cómodamente en el Capitolio y se alimentan más de lo que necesitan, otro detalle es el líquido que toman para poder vomitar y seguir comiendo otras de las famosas costumbres romanas, incluso la ropa que lucen Katniss y Peeta en la segunda parte cuando asisten a la fiesta del Capitolio. Katniss ha sido comparada con el mítico “Espartaco”, su leyenda cuenta que era un gladiador obligado a luchar a muerte en el circo romano para el entretenimiento de las masas. La idea de los emperadores era aletargar el instinto de rebelión que pusiera en peligro su condición de mandatarios en el Imperio Romano (en los Juegos del Hambre, los Juegos se celebran para recordar al pueblo el poder que ejercen sobre sus vidas tras una guerra civil que ganó el Capitolio) y además, Espartaco se negó a luchar a muerte con quienes consideraba de igual condición a él y lideró una rebelión para combatir la tiranía del Imperio Romano.

Jeniffer Lawrence y Julianne Moore en Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1
El uso de Katniss como simbolo de la rebelion es el leit motive de esta entrega
A la chica en “llamas” la han avivado el fuego, la revolución donde comienza la guerra, el levantamiento contra el Capitolio y la responsabilidad de ser la cabeza visible e imagen de rebeldía que da aliento a los distritos de Panem oprimidos. Hay una evolución clara en el personaje de Katniss, un paso gigante hacia la madurez, al igual que el del personaje de Effie Trinket (Elizabeth Banks) al que veremos con una cara lavada muy distinta a la que nos tiene acostumbrados.

Con respecto a la banda sonora, el film cuenta con música muy variada, dos temas principales de “Yellow Flicker Beat” de Lorde y “This is Not a Game” de The Chemical Brothers, además de canciones como “Original Beast” de Grace Jones, entre muchos otros que compaginan y nos introducen en la historia.

El relato que discurre entre la reflexión y la acción abre un nuevo capítulo de la saga, muchos la han tildado de exageradamente lenta y con carencia de acción frente a las otras entregas, además de pretender estirar el chicle al ofrecernos dos partes, en lugar de concluirla en una (algo parecido a lo que ha sucedido con la saga de El Hobbit, y lo que hemos visto con sagas literarias como Harry Potter y Crepusculo), bajo mi perspectiva el interés no sucumbe al tedio consiguiendo embarcarnos nuevamente en el episodio con una experiencia nueva donde todos los elementos funcionan sin repetirse, dando un espectáculo visual y atrayente, y donde además estimulan al espectador y lo arrastran hasta el final, te quedas con la miel en los labios e impaciente de que pase rápido este año para ver el cierre de la historia que arrancó en el año 2012.



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Os traemos nuestra opinión sobre "Dos a la carta", uno de los estrenos que llegan mañana a la cartelera española, aliñada con un divertido video sobre el evento que tuvo lugar con motivo de su preestreno y presentación en Madrid.

DOS A LA CARTA es el segundo largometraje del joven cineasta catalán Robert Bellsolà (Passi el que passi, 2011) que se estrena en nuestros cines éste próximo viernes 21 de noviembre y que pudimos visionar con antelación en un preestreno muy especial en la capital madrileña gracias a nuestros amigos de Entradasymás. El elenco principal de actores conformado por Adrià Collado, Andoni Agirregomezkorta, Carolina Bang, Melanie Olivares, Florín Opritescu, Petra y Katerina Kostalova, Marcel Tomàs y su realizador, presentaron la película antes de su proyección y a la finalización del visionado, el director quiso dedicar unas palabras al público invitado en agradecimiento a su asistencia (la sala estaba completa) invitando también a recomendar su película ante su inminente estreno en pantallas. Además apoyando esta nueva cinta española, también asistieron diferentes personalidades nacionales del universo cinematográfico, como el prestigioso cineasta Álex de la Iglesia.

DOS A LA CARTA nos presenta a Óscar (Adrià Collado) un hombre de negocios con éxito que vive cómodamente afincado en la ciudad con su mujer (Carolina Bang), y a Dani (Andoni Agirregomezkorta) un hombre campechano totalmente distinto que vive en un aldea con sus padres mayores. Ambos se verán obligados a conocerse cuando descubran que les une un parentesco familiar y que tienen que compartir un restaurante rural, Can Pitu, emplazado en un lugar idílico.


Entradasymas.com es un portal en el que puedes adquirir tus entradas 
de cine con "apetitosos" extras, como los que ves en el video.

Ciertamente, DOS A LA CARTA, es un título muy acertado, nos sirven en bandeja, a dos grandes cómicos del panorama actual español, ambos muy conocidos por la pequeña pantalla, Adrià Collado ha intervenido en dos series de nuestro país muy exitosas, “Aquí no hay quien viva” y “La que se avecina”, y el actor vasco Andoni Agirregomezkorta que ganó su fama por ser uno de los principales protagonistas en el programa de humor “Vaya semanita”. Éstos dos artistas consumados en el arte de hacer reír hacen que las expectativas sean bastante altas a la hora de lo que esperamos encontrar en éste trabajo fílmico, un buena sesión de divertimento y risas. Sin embargo, en este aspecto el resultado es de un aprobado raspado, contando con una materia prima de tan buena calidad en cuanto al cast de la película del que se podía había sacado mucho más provecho. El argumento, obra del mismo director junto con Manel Casabó, resulta bastante simple y atestado de clichés. De hecho, con el taquillazo de oro que resultó ser “Ocho Apellidos Vascos” es imposible no comparar el choque frontal de costumbres y de personalidades que aquí se nos presenta y que han intentado reflejar buenamente, en esta ocasión se trata de un vasco y un catalán que además son totalmente opuestos, algo que incomprensiblemente no se ha explotado con el potencial de juego que hubiese dado y de las situaciones descacharrantes que hubiésemos gozado con esos dos grandes cómicos a la cabeza del cartel. Se echa de menos una propuesta más arriesgada, sin la previsibilidad que suelen tener este tipo de comedias de enredos que cuentan con la típica historia romántica, es una auténtica lástima porque se podía haber sacado mucho más partido entregándonos un producto más potente con mayor comicidad.

Melani Olivares en "Dos a la Carta"
Adriá Collado, Melanie Olivares y Andoni Agirregomezkorta, tres de los cuatro protagonistas de "Dos a la carta"

Hay un momento guiño a una producción estadounidense del mismo género que seguramente muchos reconocerán al instante, si han visto “Algo pasa con Mary”(1998) de los hermanos Farrelly.

Entre sus puntos más álgidos incluiría la preciosista estampa que podemos contemplar mientras visualizamos el metraje, en el apartado de fotografía le daría una puntuación muy alta, es de una belleza visual impactante y nos invita a viajar y a querer ir al sitio en el que se está desarrollando la historia, además del uso de las luces, con una luz dorada armoniosa, parecida a la de “La gran familia española” (2013). También, la banda sonora del film es notable, contando con el tema de “Back to your panties” de Tom Hagan y de melodías agradables que empastan a la perfección con la trama.

El conductor del film ha contado también con curiosos y simpáticos cameos de famosos, algunos dedicados al mundo gastronómico. Y en pequeños papeles también han participado el veterano actor Sergi López y el ex-cantante de Los Sencillos, Miqui Puig.

Como resultado DOS A LA CARTA, es una comedia entretenida, para pasar un buen rato, sin esperar sorpresas ya que repite la misma fórmula que muchas otras ya vistas anteriormente.



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Los superhéroes llegan a la cartelera en formato infantil gracias a AntBoy.


Crítica de 'AntBoy: El Pequeño gran superhéroe'

Con una campaña promocional infinitamente más discreta que cualquiera de los productos cinematográficos o televisivos de superhéroes que se estrenan en la actualidad, AntBoy se presenta como una alternativa que explota el género con el público infantil como principal objetivo.

Dirigida por un desconocido Ask Hasselbalch, este film que se estrena hoy en algunas salas de cines españolas, nos presenta las aventuras y desventuras de Pelle, un niño de Dinamarca que se siente ninguneado e ignorado debido a que no destaca en nada.

Cierto día, decide echarle un cable a un chico al que unos abusones están molestando, atrayendo la atención de estos sobre su persona. Poniendo pies en polvorosa, Pelle acabará escondiéndose en el jardín de una siniestra casa, donde, por casualidad, será mordido por una hormiga alterada genéticamente.

Con esta presentación en las que los tópicos del genero de superhéroe son usados para llamar la atención del público, AntBoy va avanzando en el camino de la creación de un héroe, empezando por encontrar un amigo que lo guie, desarrollar un traje y como no, crearse un nombre.

Escena Antboy
La típica escena del traje en el exhibidor
Así pues, Pelle sigue siendo un cero a la izquierda para todo el mundo, pero su alter ego (que tiene superfuerza y es capaz de expulsar “pis” acido por su uretra) se hace inmensamente popular, tanto, que cuando un villano que se hace llamar la Pulga (nacido de un experimento y con necesidad de sangre incluida) secuestra a la chica que le gusta, será el encargado de rescatarla.

Si bien, el desarrollo inicial del film resulta entretenido y ameno de ver debido a los homenajes que se realizan a los superhéroes, el film empieza a desinflarse en cuanto hace actor de presencia el villano de la cinta, algo muy inapropiado pero que viene a reforzar el hecho de que estamos ante una película humilde que, por usar el género de los superhéroes, ha conseguido una publicidad más amplia de la que debería.

El villano de Antboy, una pulga a tamaño real
El villano y Antboy luchan en una escena cutre que intenta imitar,
sin buenos resultados, los clasicos combates que vemos en los animes japoneses
Con efectos especiales que recuerdan a los vistos en webseries como “Flaman”, la obra de Hasselbalch solo conseguirá entusiasmar a los aficionados al cómic de más temprana edad, y aunque potencia valores como la amistad, la independencia o la solidaridad, el ritmo lento, sin acción y con interpretaciones forzadas, lo convierten en un producto bastante aburrido.

Aun así, el film consigue introducirse en el género de superhéroes y aunque, como digo, le haría falta mayor presupuesto y algunos expertos que retocarán el guion y dieran más dinamismo a la historia, AntBoy (que se presentó en el Festival de Cine Europeo de Sevilla de este año 2014) demuestra que uno puede introducir a su propio superhéroe sin pertenecer a las grandes editoriales, aunque eso sí, este film usa todos los tópicos de dichas compañías (sobre todo bebe de Spider-man y Batman, tanto en el origen como en la creacion del traje) para intentar ganarse la simpatía de los espectadores, algo que ocurre para perderla después.



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Los medios informativos con corresponsales en U.K. nos muestran sus impresiones tras la premiere de anoche de "Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte1"

Primeras críticas de "Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte 1

La penúltima entrega deLos Juegos del Hambrese presentaba anoche y por todo lo alto en Londres durante una premiere a la que acudieron la mayoría de actores implicados en el proyecto, y aunque el resto de los mortales (incluidos algunos relacionados con la prensa) tendremos que esperar al 19 de noviembre para verla, ya tenemos algunas indicaciones por parte de los afortunados asistentes.

El film, como sabéis, abarca solo una parte del libro que adapta, y como ocurriera con las sagas Harry Potter y Crepúsculo, dejará lo mejor para la segunda y última entrega: “Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 2”.

De momento, nos quedamos con estas críticas rápidas:

Variety

La primera de las dos partes de esta historia se pone en marcha de forma sólida, que absorbe pero no es exactamente destacable.

CinemaBlend:

Encuentra el éxito en temas significativos, la historia basada en los personajes goza de una ejecución inteligente, y en última instancia crea una profundidad impresionante para fenomenal franquicia.


About.com:

Emocionante, sincero, y un preludio excelente para la batalla final, Sinsajo Parte 1 lleva la serie de Juegos del Hambre a nuevas niveles, incluso superando su propia exposición.

Forbes:

Terrible como primer acto, entretiene como lo que es, la continuación de “Los Juegos del Hambre: En Llamas”, sin embargo es lamentable que nos dejen a medias porque el estudio está preocupado ya que la serie llega a su final.

THR:

"Al igual que un tráiler demasiado extenso para un film que está por llegar, Francis Lawrence estira de forma demasiado pausada los cuarenta y cinco minutos necesarios para contar lo que vemos en “Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 1” y lo extiende de forma innecesaria a través de más de dos horas.

Como veis, parece que la cinta cumple con lo esperado, o lo que es lo mismo, ofrece parte de la historia del libro, pero se reserva lo mejor para el año que viene, algo que si bien, da para extender más la historia de ciertos personajes, juega en contra de nuestros castigados bolsillos.

Aún así, y viendo los precedentes de otras sagas exitosas, estamos seguro de que “Los Juegos del Hambre: Sinsajo parte 1” reventará la taquilla.


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Chad Stahelski presenta en coautoría con David Leitch su ópera prima titulada “John Wick”: la historia de un sicario retirado que vuelve a las andadas tras un desafortunado encuentro con unos mafiosos rusos.

Crítica de John Wick

Otroras dobles de riesgo, Stahelski y Leitch decidieron instalarse como directores cinematográficos, en asociación con Keanu Reeves como su principal protagónico. La fórmula se antojaba de plomo al por mayor con una insípida trama de por medio, esto porque Keanu se ha visto envuelto en proyectos que han resultado un sonoro fracaso de taquilla y de crítica: El poder del Tai Chi” y “La leyenda del samurái: 47 ronin”, ambas del año pasado.

Pero hay algo en los “stuntmen” (dobles de riesgo) que los hace diferentes en la silla de director (como es también el caso de Scott Waugh con “Need for Speed”): detectan el aroma de su guión, saben combinar correctamente los ingredientes, con las cantidades necesarias de cada uno de éstos, para dejar sobre la mesa un platillo por demás apetecible. Mas cabría agregar el cariño especial que le guardan al apartado cinematográfico de la acción, del que han comido durante tantos años, porque ellos, los “stuntmen”, sí que han sufrido en carne propia los duros golpes de su ardua labor.

La dupla Stahelski-Leitch conoce muy bien el medio de la acción, lo que ha habido antes, lo que ha habido durante y saben muy bien lo que vendrá después (luego de lo demostrado en esta cinta). Las audiencias se hartaron del típico personaje de acción que se encumbró en los 80’s (simbolizado sobre todo por actores como Stallone y Schwarzenegger), avante siempre entre cientos de balas y algún que otro rasguño. Y aunque “John Wick” está configurado dentro de este cliché, este cliché está detallado con ingredientes que actualizan al personaje. Dejando atrás su estupendo kung-fu demostrado en “The Matrix” (1999), Keanu se muestra renovado con técnicas artemarcialistas aprendidas del judo y jiu jitsu , lo que da más realidad a sus peleas al desprender éstas esencias completamente callejeras, rudísimas, sin protocolo de ring.

Keanu Reeve vuelve como John Wick
Como si fuera una extensión natural de sus manos, la pistola se convierte en la mejor amiga de “John Wick”. El uso que hace de ello, por ende, es orgánico, nada que denote algún tipo de artificio, truco o engaño, todo fluye como un río que corre por su cauce, pero que una vez desbordado, ocasiona serios daños a su alrededor. Recordando a “Apoc” y “Switch” (los grandes gatilleros de “The Matrix”) y equiparándose con la suprema destreza que tenía “Tequila Yuen” (Chow Yun-Fat en “Hard Boiled”, 1992), Keanu ha instalado a “John Wick” como un gatillero de antología: riguroso, preciso y mortal.

La sabrosa trama que armó Derek Kolstad no podía quedarse atrás. Con un detonante inusual, como es la muerte a manos de la mafia rusa de un pequeño cachorro, Derek nos sumerge en la historia de “John Wick” con la exactitud de un reloj atómico. Sabe cuándo es el momento de la acción y cuándo el de los diálogos, permitiendo que esta pieza cinematográfica sea refrescante a cada momento: nunca te hartas de ningún personaje. El gramaje de plomo y de palabras está en las porciones correctas.

La acción te hace vibrar con la música que corrió a cargo de Tyler Bates y Joel J. Richard, amén del elegante vestuario que se eligió para Keanu Reeves, mérito de Luca Mosca, reconocido diseñador y encargado principal de este apartado, que ha trabajado también entre otros títulos, en "21: Blackjack" y "En el punto de mira", ambas del 2008.

Adrianne Palicky, Willem Dafoe, Michael Nyqvist, Alfie Allen (Theon Greyjoy en Juego de Tronos)
y otros más intentarán dar muerte a Keanu Reeves en John Wick
A pesar de los tropiezos que ha sufrido su carrera actoral en los últimos años, Keanu ha demostrado entereza para sostenerse contra todo pronóstico y reveló su audacia por esta intrépida elección de “John Wick”: bien dicen por ahí que la fortuna ayuda a los que son audaces y fuertes, y éste es el caso de Keanu.

El tándem Stahelski-Leitch sabía lo que Reeves necesitaba para volver a estar en la palestra. No sólo se trataba de la historia y su tratamiento, sino de cómo volver a presentar a Keanu como un activo del cine de acción: ligeros cambios, muy sutiles, pero efectivos: cabello largo, relamido y una barba crecida, pero esta vez bien cuidada, aunado todo ello a la siempre inquietante presencia cinematográfica de Keanu y su mirada fija y concentrada. Estos elementos y los mencionados líneas arriba, han hecho de “John Wick” un personaje que llegó para quedarse e instalarse, desde ahora, como un enclave para lo que vendrá en el futuro para el cine de acción.



NOTA: John Wick no tiene todavía fecha exacta de estreno en España, pero ya está disponible en cines de México, ciudad desde donde escribe el compañero Edu Bustamante.

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Una cautivadora historia familiar que te llegará al corazón.

Crítica de "El chico del millón de dólares"

“EL CHICO DEL MILLÓN DE DOLARES” (Million Dollar Arm) del cineasta Craig Gillespie aterrizó en nuestras carteleras el pasado fin de semana gracias a Disney España. Este título familiar está protagonizado por el actor Jon Hamm conocido por su papel de Don Draper en la aclamada serie estadounidense “Mad Men” al que secundan notablemente Aasif Mandvi, Pitobash Tripathy, Madhur Mitall, Suraj Sharma, Lake Bell, Alan Arkin y Bill Paxton.

JB (Jon Hamm) es un agente deportivo que tiene su propia empresa junto con su amigo y colega Aash (Aasif Mandvi), cuando la sociedad en común se encuentra en horas bajas, el hábil JB fragua una idea pionera con el fin de convertir a jugadores de cricket asiáticos en jugadores profesionales de béisbol que puedan ser fichados para jugar en la Mayor Liga de béisbol americano.

La cinta derrocha encanto, como un elixir de buenas vibraciones nos relata una entrañable historia basada en hechos reales. Conjuga emoción con un mensaje alentador, “persigue tu sueño y hazlo realidad”. A veces se trata de creer en ti mismo antes de que lo hagan los demás, de trabajar para poder alcanzar tus metas. El camino no es sencillo de recorrer y hay que atravesar muchos obstáculos, pero para ello hay que seguir insistiendo, que la derrota nunca nos deje perder la esperanza de lograr lo que queremos. La película versa sobre la familia y la amistad con pinceladas de romanticismo, dando lugar a una bonita narración que plasma las relaciones interpersonales, mezclando idiosincrasias de diferentes culturas.
Imagen de la película "El chico del millón de dólares"
JB (Jon Hamm y sus jovenes promesas

Entre sus puntos débiles, el título puede resultar algo edulcorado e infantil para el público adulto, es demasiado entusiasta y por momentos demasiado predecible, con una duración de más de dos horas (puede resultar cansino), aunque según el punto en el que nos encontremos o lo que busquemos al ir al acércanos al cine, puede ser una forma agradable e inmediata de evadirnos de nuestra realidad para entrar en una ficción que cuenta algo real de forma cautivadora y apasionante.

En cuanto al trabajo artístico el largometraje cuenta con un reparto solvente encabezado por el carismático Jon Hamm, aquí un poco con el síndrome de Peter Pan, la guinda la ponen secundarios de lujo como Alan Arkin (Argo) y Bill Paxton (Al filo del mañana). El trabajo de las dos jóvenes promesas del béisbol procedentes de la India que encarnan los actores Suraj Sharma (La vida de Pi) y Madhur Mittal (Slumdog Millionaire) es reseñable. Ambos consiguen empatizar con el espectador aportando el lado ingenuo y soñador, las nuevas peripecias hacen inevitable su paso a la madurez.

De alguna forma, la obra tiene ciertas reminiscencias a la de Danny Boyle, “Slumdog Millionaire”, no sólo por compartir uno de los actores que estuvo presente en el otro largometraje, también comparten una experiencia que les cambia totalmente la vida.

Lake Bell en la película "El chico del millón de dólares"
Lake Bell, el contrapunto femenino del film
El guión corre a cargo de Thomas McCarthy, uno de los autores de la historia del film de animación “Up” y que aquí se ha inspirado en un hecho verídico para adaptarlo a la gran pantalla, la trama pierde un poquito de fuelle al ser prolongada de manera innecesaria, lo mismo se podía haber contado con menos tiempo y hubiera mejorado el producto final.

Cerrando el balance, se salda positivamente, EL CHICO DEL MILLÓN DE DÓLARES es una propuesta familiar que deja se deja ver y deja un buen sabor de boca tras su visionado.


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Todos estamos de acuerdo en que la primera película de REC, dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, fue un producto absolutamente innovador en su ejecución. La manera de narrarnos la historia, cámara en mano, con esa perspectiva de primera persona lograba meternos de lleno en la acción.

Crítica de "[REC] 4 Apocalipsis": Diversión asegurada a pesar del guión.

Innovadora no solo en eso, también en su temática en lo que a "Cine Español" se refiere. No he visto la ópera prima de Balagueró, Los Sin Nombre, siempre he escuchado que era un film interesante. Supongo que en algún momento me acercaré a él. Lo que está claro también es que con REC ha logrado una auténtica franquicia (analizada por nuestra compañera Celia Recio en un especial de la saga) que se ha prolongado durante cuatro films, algún cómic con historias cortas añadidas que rellenan un poco los acontecimientos de la comunidad de vecinos donde comienza todo, y también una versión americana llamada Quarantine, protagonizada por Jennifer Carpenter (Deborah en Dexter), un remake desde luego innecesario y que es bastante peor que nuestro producto. En fin, que por dinero no será, porque sin duda este fin de semana, algunas salas se llenarán de fans y de no tan fans para ver cómo acaba todo.

En [REC] 4: Apocalipsis, retomamos los acontecimientos de la segunda entrega. De nuevo nos encontramos con Ángela Vidal (Manuela Velasco) esa joven reportera que sufrió de primera mano los ataques de los poseídos por el misterioso virus de la niña Medeiros.

Manuela Velasco en REC 4 Apocalipsis
Manuela Velasco vive un gran momento en su carrera como actriz

Un grupo de agentes especiales la rescatan del infernal edificio, exhausta y en estado de shock. Posteriormente, ella se despierta en un barco en alta mar, en donde hay un laboratorio secreto instalado en la bodega. Allí el doctor Ricarte (Héctor Colomé) intenta sintetizar una especie de vacuna con la que poner fin a la amenaza biológica. 
 
Sin que nadie más lo sepa, los científicos guardan un mono infectado con el virus al que quieren utilizar como cobaya para probar el retroviral. Y, evidentemente, los hechos se desencadenan con la liberación del mono diabólico.  

El argumento de esta cuarta entrega de [REC] , al igual que el de sus predecesoras, es digno de un survival horror (ese tipo de juegos que todos conocemos gracias a la franquicia Resident Evil).

Una vez más afirmo que me he divertido con esta entrega, es entretenida, cumple muy bien con los parámetros que uno puede esperar de este tipo de films. Ahora bien, debo entrar en los matices del film, que tiene bastantes. No voy a decir demasiados para no spoilear a nadie. Pero hay uno muy molesto: lo incoherente del guión.

infectados de REC 4 Apocalipsis
Tanto la estética como la ambientación nos recuerdan a Resident Evil Revelations, una entrega de la saga de Capcom que acontece en un barco.

La fantasía y la astracanada me gustan como al que más, pero eso es una cosa, y otra es que ya tomemos al espectador por memo. Los personajes son bastante vulgares. Se supone que uno tiene que empatizar con ellos, como por ejemplo el médico que intenta solucionar la crisis, que parece ser el personaje más creíble. Luego está Nic (Ismael Fritschi) el técnico de radio del barco, un fan de Ángela. Puede ser el “amigo friki” simpático que rebaja un poco el tono de horror de la cinta pero tampoco termina de cuajar del todo. De todas formas, hay algo increíble. Y es que, como todos recordaremos, Ángela tiene el parásito dentro desde la segunda entrega.  Supuestamente sube con él al barco, e incluso vemos una escena en la que el bicho el bicho aparentemente se mueve en su interior, pero más adelante, como por arte de magia, resulta que el parásito ha encontrado otro y que ella no lo tiene, haciéndonos entender, que el gusano de marras abandonó el cuerpo Ángela durante su traslado desde la Rambla Barcelonesa, acabando dentro del cuerpo de German, uno de los médicos del barco... aunque, sinceramente, eso no me quedo muy claro.

En esta cinta se hace muy evidente ya que lo único que importa es el dinero y ya no hay molestias en intentar hacer algo que se sostenga por algún sitio. Creo que aún queda cuerda para rato con esta historia aunque nos vendan que ya es el final. 

Independientemente de todo lo dicho, que como siempre no deja de ser una visión personal, animo a todos a que vean está cinta que se estrena el viernes 31 de octubre para que cada uno saque sus propias conclusiones, ya que por lo menos, y sean cuales sean nuestros gustos o inquietudes, [REC] 4: Apocalipsis consigue claramente un objetivo: divertir y entretener.



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