Crítica de "The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro"

Crítica de "Capitán América: EL Soldado de Invierno

Crítica de "300: El origen de un Imperio", digna y exitosa secuela

Crítica de "Robocop": Modernizando el clásico

Crítica de la 1º temporada de "True Detective"

Crítica de "La Lego Película", Diversión pieza a pieza

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Crítica de "Divergente" de Neil Burger
Neil Burger (“El Ilusionista”) nos presenta “Divergente”, película basada en el libro homónimo que marcó el debut de Veronica Roth en estas lides distópicas y que tiene como protagonista Shailene Woodley (magnífica en “Los descendientes”, al lado de George Clooney) interpretando a “Tris”, quien tendrá que decidir en cuál de las Cinco Facciones determinará el derrotero de su etiquetada vida.

¿Y cuáles son esas facciones? Bueno, después de una guerra horrible que ocurrió en Chicago, Illinois, “La Sociedad” decidió dividir a sus ciudadanos en cinco grandes grupos, según sus cualidades: “Verdad”, aquellos que nunca mienten y trabajan como magistrados en las cortes judiciales, entre otras labores relacionadas; “Osadía”, los bravos, los guerreros, que actúan como policías defendiendo y resguardando la seguridad de los ciudadanos; “Abnegación”, los altruistas, los que velan por el bien ajeno, encargados directos del gobierno; “Cordialidad”, aquellos que emanan armonía y bienestar, ejecutando las labores propias del campo; y “Erudición”, los amantes del conocimiento, quienes trabajan mayormente como científicos. Toda esta categorización elaborada por “La Sociedad” (los fundadores de este nuevo status quo) tiene dos grandes objetivos: uno, evitar la guerra y dos, traer la paz duradera. Pero como siempre, no faltan los que se apartan del camino y para éstos también hay una etiqueta: “Divergentes”.

Theo James y Shailene Woodley en "Divergente"
Theo James y Shailene Woodley
¿Y quiénes caen en esta última categoría? Pues todos aquellos que tienen aptitudes para dos o más facciones y de esta manera se convierten en seres peligrosos para “La Sociedad”. ¿Por qué? Porque no se conforman, siempre piensan de una manera distinta a los demás, lo que los hace individuos difíciles de controlar y por ende, deben ser aniquilados sin más remedio.

Nuestra heroína de turno, “Tris”, tiene para su infortunio, virtudes en tres facciones: “Osadía”, “Erudición” y “Abnegación”, lo que la hará el objeto del deseo de “Jeanine” (Kate Winslet), la mandamás de los eruditos. Además de esto, deberá librar retos físicos, mentales y de carácter para demostrar que es digna cofrade de la facción “Osadía” para ejecutar, si aprueba, una de las siguientes tres tareas: liderar; vigilar y resguardar “El Muro” (valla que delimita el perímetro de la ciudad); y evitar que los miembros del grupo llamado “Sin Facción” se maten entre sí.

Kate Winslet en "Divergente"
Kate Winslet
¿Y quiénes componen este singular grupo, los “Sin Facción”? Pues todos aquellos indecisos que no supieron elegir a tiempo una de las cinco facciones existentes (es decir, sufrieron algo así conocido como “Parálisis por Análisis”), o que simplemente no contaban con el talento suficiente para ser elegibles por una de las cinco virtudes que para “La Sociedad” le resultan útiles.

Cabe destacar, que a pesar del escepticismo que pudiera originar una película como éstas, con una temática enfocada primordialmente al mercado “teenager”, a final de cuentas resulta una interesante propuesta cinematográfica por parte de Neil Burger, quien logra que esta futura realidad se desdoble en metáfora de lucha de clases, resaltando con exactitud los perjuicios de someter a los individuos de una sociedad a los parámetros de etiquetado, cuya función primordial es mantener el total control de los ciudadanos bajo un ambiente simplificado y no estimulante.

Zoe Kravitz y Shailene Woodley en "Divergente"
Zoe Kravitz y Shailene Woodley
Resalta también el buen trabajo actoral de Shailene Woodley, quien dota de credibilidad a su personaje de “Tris”, pues no necesitó de malabares histriónicos para sostener en un justo equilibrio las necesidades dramáticas y físicas de su interpretación a cuadro, y se aleja de la quema que otras actrices de su categoría han sufrido al ejecutar este tipo de roles (para mayor verbigracia, la sosita Lily Collins en “Cazadores de sombras: Ciudad de hueso”). Además con un digno soporte actoral compuesto por el tándem masculino de Theo James, como “Four” y Jai Courtney, como “Eric”.

El divergente Neil Burger se aparta de la generalidad de esta clase de filmes, donde su discurso cinematográfico logra que estas temáticas pervivan y agradezcan a la vez a la magia del cine, cuyo hechizo es tan grande y atractivo que en esta ocasión el buen quehacer y la sustancia acudieron a su encuentro.



"Divergente no se estrena en España hasta el 30 de abril, pero ya se ha estrenado en México (4 de Abril), país desde donde escribe nuestro compañero Eduardo Bustamante
Crítica sin spoilers de "The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro"
Seamos claros. Cuando uno va a ver una película de superhéroes, raras veces espera encontrarse con una obra maestra en cuanto a guión, dirección e interpretaciones, y aunque hay excepciones (como El Caballero Oscuro de Nolan), nos damos por satisfechos con cintas que cumplan una serie de requisitos, los cuales, varían según el espectador.

Por mi parte, he de admitir que tenia puesta unas expectativas muy altas en "The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro", y si bien, a nivel tecnico cumple con sobrada espectacularidad (es alucinante ver como se mueve Spidey, y los enormes trabajos que se han realizado en control de física y dinámica), no puedo decir lo mismo de su argumento y su guion, los cuales, sin llegar a ser calificables como los equivalentes a lo que fue "Batman y Robin" para la saga de "Batman" como he leído por ahí, no acabaran de convencer a aficionados ni a la mayoría del público.

The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro... 5 sobre 10
Lo que viene siendo el papel de Spider-Man y su puesta en escena es la parte mas acertada del film (aunque de eso no ha habido quejas desde la primera cinta de Raimi)


Como se entiende de mis palabras, he salido decepcionado, y pese a que los 40 primeros minutos de metraje me parecieron aceptables (incluso muy buenos), la tendencia del film a los altibajos (en un esquema que podríamos resumir básicamente como "acción, drama, acción, romance, emoción, crisis personal y otra vez acción) ha conseguido sacarme de una cinta en la que la aparición del Rhino (un exageradisimo Paul Giamatti) y del Duende Verde (acertado Dane Deehan) son meros pretextos para próximos proyectos de Sony (algo que no veo mal por completo), dejando el peso a un villano que luce espectacular, pero al que le faltan motivaciones y le sobran escenas heredadas de cómics/filmes como Watchmen (¿Es Electro un descendiente del Dr. Manhattan ? ¿WTF?).

Emma Stone en "The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro"
Aunque a mi mujer le encantaron las escenas donde salen Gwen y Peter, yo he llegado a aborrecerlas, ya que tanto "empacho amoroso" solo sirve para [SPOILER, pasa el cursos para leer] potenciar un sentimiento de afinidad entre el personaje y un suceso que todo el mundo se olía que ocurriría en esta entrega [FIN SPOILER]
Así pues, y con una historia sencilla (Peter Parker sigue a lo suyo, lo "gordo" se gesta en Oscorp, dando a la luz a villanos cuyos motivos "anti-arácnidos" están cogidos con pinzas y además descubrimos algunos detalles extra de la vida de los "papás" Parker), "The Amazing Spider-Man 2: El Poder de Electro" comienza narrándonos las circunstancias que provocaron que Peter Parker (Andrew Garfield) quedara huérfano en unas escenas apresuradas (como casi todo el film, a excepción de las escenas romanticonas y empalagosas entre Peter y Gwen) que dan pie la situación actual en Nueva York, una ciudad en la que la mayoría abrazo a un dicharachero y alegre trepanaros (heredero del humor original del personaje en los cómics), mientras que se ofrecen algunas críticas sobre su función de vigilante, introduciendo de forma escueta y ridícula la participación del Daily Bugle como uno de los medios encabezonados en presentar al héroe arácnido como una especie de villano anti sistema.

Jamie Foxx es Electro en The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro
Entre los poderes de Electro, además de desintegrarse, introducirse por las instalaciones eléctricas, y lanzar descargas a mogollón, también se incluye la habilidad de crearse de la nada un traje de lo mas molo (y que no es la sudadera con capucha)
En ese ambiente, y sin olvidar la promesa realizada al Capitán Stacy, Peter se debate entre seguir o no seguir con su querida Gwen (siempre estupenda Emma Stone), y mientras tanto, conocerá al desgraciado de Max Dillon, una especie de cerebrito trastornado por sus problemas sociales (el tipo parece invisible a los ojos de los demás, aunque presenta unos proyectos de un nivel técnico) que , con un origen 100% comiquero, se convertirá en el principal problema de Spider-Man en una historia, que ciertamente, rescata elementos importantes del primer y clásico encuentro entre Spidey y el villano conocido como Electro (Jamie Foxx), mezclándolos de una forma poco verosímil con la trama de Oscorp (en la que trabajan mil personajes conocidos de los comics como Felicia Hardy o Alistair Smythe, por poner un ejemplo) y que junto a innumerables guiños a la edad dorada del personaje (cuando el sentido arácnido y los lanzaredes tenían verdadera importancia), suponen lo mejor del film (junto a la acción y el hecho de que Andrew Garfield enseña poco su rostro cuando lleva el traje de Spider-Man), en contraposición de la apresurada trama de amistad, conspiración y venganza (sin contar la desacertada aparición del laboratorio secreto de Richard Parker en un vagón secreto que me recordó a las "instalaciones científicas secretas” de las que disfrutaba el personaje en la casa de la tía May durante la serie animada "Spider-Man y sus Asombrosos Amigos") en la que Harry se presenta como un villano de pacotilla, que eso si, además de apuntarse un tanto que bien podría haber sucedido en la tercera parte, maneja a las mil maravillas un traje militar y dotado de tecnología medica avanzada, del cual, y aunque no se dice, parece que es capaz de caer encima de su usuario y adaptarse sin que este deba hacer nada (y aqui aclaro que me paso de irónico, porque cuando veáis la situación en la que Harry se pone "el traje de Duende Verde", pensareis en un enorme ¿WTF?).

Dane Dehaan es Harry Osborn en The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro
El traje del Duende Verde es primo lejano de la armadura de Iron Man (o tiene tecnología Stark), ya que pese al estado de su portador, se ajusta sin problemas, instruyéndolo de camino en el uso del deslizador, y de como usar armas mortales como bombas o puñales extensibles.
Con todo esto, y a pesar de sus enormes fallos (que pueden ser paliados si uno quiere ser extremadamente indulgente con el film), hay que admitir que la cinta no aburre a pesar de su duración, y que a diferencia de los villanos, desarrolla bien a Peter y Gwen, algo que algunos agradecerán pero que yo, personalmente, y tras un seguimiento exhaustivo del film, veo que sobra en una cinta donde lo importante deberían ser los villanos (dos y medio, nada menos... y ya veréis porque lo del medio) y su protagonista, el cual, cuando aparece lo hace de una forma magistral (aunque pierde chispa y chistosada poco a poco), aunque siendo sinceros, no lo hace tantas veces como sería de esperar en un film titulado "El Asombroso Spider-Man" (The Amazing Spider-Man).

Paul Giamatti es el Rhino en The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro
La aparición del Rhino con esta guisa y una frase de un tipo del que aun desconocemos su identidad, el punto de partido para el film de "Los Seis Siniestros".


En definitiva y para mi gusto, aprueba por los pelos (y estoy siendo indulgente para un film que prometía mucho universo arácnido y ha ofrecido poco, recortando incluso escenas del tráiler), y además, no incluye (al menos ni yo, ni los compañeros del Solitario de Providence con los que coincidí, las vimos) escenas extras o post-créditos (hasta el cameo de Stan Lee me parece el más flojo hasta la fecha) relacionadas con el personaje, sino que metida con calzador, nos colocan un pequeño clip de "X-Men: Días del Futuro Pasado", que lejos de responder a las peticiones de fans porque el arácnido interactué con otros personajes importantes de Marvel, se debe a un problema de incumplimiento de contrato por parte del director Marc Webb por el que, curiosamente, han tenido que hacer publicidad gratuita a la película de mutantes de Fox, una cinta, que creo que tampoco estará a la altura de "Capitán América: El Soldado de Invierno", film, que salvo que me equivoque (y estoy apostando fuerte) se convertirá en la cinta de superhéroes del año de no ser que los X-Men y los Guardianes de la Galaxia hagan un trabajo en condiciones.


El Tour de los Muppets: entretenida y encantadora secuela familiar [Crítica]
EL TOUR DE LOS MUPPETS (Muppets Most Wanted (The Muppets…Again!)) es un nuevo título que se estrenó ayer miércoles día 16 de Abril gracias a Walt Disney España en nuestras carteleras de cine. El nuevo show de los míticos y famosos teleñecos está dirigido por el realizador James Bobin, director de su antecesora The Muppets en 2011 y también se encarga de firmar el guión de esta cinta junto con su habitual colaborador Nicholas Stoller.

Los famosos Muppets no necesitan presentación, desde que su creador Jim Henson cerca de la década de los 60 diera vida a estas populares marionetas dotadas de un gran dinamismo y de mucha movilidad cuentan con una extensa y buena trayectoria cinematográfica, lo más reconocidos son la Rana Gustavo, la coqueta cerdita Peggy y el osito Fozzie que vienen acompañados de otros amigos con los que forman una compañía de estrellas que se dedican al mundo del espectáculo y ofrecen unas insólitas funciones por diferentes países europeos.

Crítica de El Tour de los Muppets
Tipico show de Broadway por los Muppets
En esta nueva entrega, los Muppets son persuadidos por Dominic Badguy (Ricky Gervais) para viajar y llevar su representación por diversas capitales europeas, entre las que se encuentran: Berlín, Dublín, Madrid o Londres. Lo que desconocen es que su nuevo socio en la compañía esconde un oscuro fin que le une directamente a la némesis de La Rana Gustavo, Constantine, el delincuente número uno del mundo que casualmente es el vivo reflejo de la Rana. En su gira Los Muppets se verán envueltos en una intriga internacional sin comerlo ni beberlo.

No es la primera vez que se unen los Muppets con humanos para protagonizar una película, en esta secuela los que llevan el mayor peso del largometraje aparte de los responsables del nombre del título, son los actores Ricky Gervais (The Office), Tina Fey (Noche Loca) y Ty Burrell (Modern Family), a resaltar las interpretaciones de los dos primeros, que sin lugar a dudas nos regalan los momentos más divertidos e hilarantes del film.

Ricky Gervais en  El Tour de los Muppets
Los villanos del film
El desfile de estrellas del celuloide del séptimo arte que aparecen en pantalla es inconmensurable, son numerosos los cameos, al estilo de la reciente “El Gran Hotel Budapest”. Algunos de las apariciones meteóricas por su reducido tiempo en escena, son las de Frank Langella, Salma Hayek, James McAvoy, Hugh Bonneville, Zach Galifianakis, la joven actriz que da vida a Hit-Girl en la saga Kick-Ass, Chloe Moretz, Saoirse Ronan, Stanley Tucci, Christoph Waltz, el mismismo y carismático- antagonista hermano de Thor en la ficción Tom Hiddleston, Tony Bennett y las divas de la música Lady Gaga y Céline Dion, ésta última además se marca un tema a dúo con la maravillosa cerdita Peggy. También vemos a Danny Trejo (Machete) y Ray Liotta (Uno de los nuestros) en pequeños roles a lo largo del metraje.

Conforme “Los Muppets” van haciendo su ruta europea vemos los clásicos clichés y tópicos entorno a las costumbres de cada país que recorren. En el caso de España me llamó especial atención que a las puertas del Museo del Prado aparecieran dos guardias civiles como custodiando la entrada, cosa que no se ajusta a la realidad, al menos las numerosas veces que he ido a visitarlo no ha sido así.

Peggy interpreta "La Macarena" en El Tour de los Muppets
Peggy a la española....
EL TOUR DE LOS MUPPETS es una buena propuesta y excusa para ir al cine en familia esta Semana Santa, pues dispone de muchos alicientes para hacernos pasar una buena sesión cinéfila acompañados de los más pequeños de la casa. Recoge y retoma la esencia de esos fabulosos teleñecos (conocidos así aquí en España) que entraban por los televisores de nuestra casa cuando éramos pequeños y que ahora en el cine logran que regresemos a nuestra infancia y consiguen marcar a las nuevas generaciones. Las actuaciones de Los Muppets muy al estilo de los musicales de Broadway, que vamos presenciando durante el visionado de la cinta, se disfrutan muy bien, a recalcar la que interpreta la pareja de villanos “I´m Number One” o la curiosa versión de la Macarena de “Los del Río” interpretada por la cerdita Peggy.


Ariane Felder es jueza titular de uno de los Juzgados de Instrucción ubicados en el Palacio de Justicia de París. Tiene 40 años, es soltera y no tiene hijos. Trabaja entre 10 y 15 horas al día. Se relaja haciendo danza. Considera que es una persona inteligente al no tener pareja. Su paso por un juzgado de familia, donde tuvo la oportunidad de tratar con todo tipo de personas y de conflictos de pareja, la reafirma en su idea de la soledad, en ser independiente y autosuficiente en el terreno emocional. Es muy rígida impartiendo justicia. “El ser humano es un irresponsable, del que hay que protegerse”, dirá implacable para justificar su dureza.

Fin de año. En la planta baja hay una fiesta. Abogados, funcionarios, jueces, fiscales, etc, se divierten al pie de una enorme estatua que representa la justicia, como suele ser habitual, con los ojos vendados y con la balanza y la espada. Un elegante plano secuencia recorre el acto social. De la estatua, la cámara pasea por el edificio. Las copas de champán en la bandeja del camarero, los que las toman, los que bailan, unos globos con togas dibujadas. Uno de ellos sale por la ventana y llega a otro lugar del edificio, donde la juez Felder trabaja incansable. A su despacho entra una comitiva dispuesta a arrancarla de su rutina y llevarla a la fiesta. No le queda más remedio que bajar y unirse a la alegría colectiva. Parece que flirtea con otro juez instructor, sale del Palacio de Justicia a las 0.32 horas del 1 de enero de 2013. Una cámara de seguridad capta su salida.

Albert Dupontel y Sandrine Kiberlain
Seis meses después, 12 de junio de 2013. Nos reencontramos con la juez Felder tomando declaración a un imputado a presencia de su letrado (en Francia, los abogados deben de ponerse la toga incluso en las dependencias de instrucción, formalidad de la que nos dispensan en España). Una webcam graba la declaración. El imputado, de origen árabe, se defiende de un delito de maltrato a su pareja. Pretende que la cabeza de la víctima chocó contra su mano. Felder le dirá sarcásticamente, que va a ampliar su reflexión y tomará declaración a una serie de objetos inanimados, después de leerle el contenido del informe médico forense. En un receso le comunican extraoficialmente que va a ascender. La van a nombrar Consejera del Tribunal de Apelación en breve. Al sentir náuseas, y no llegarle el período, visita a su ginecólogo, quien revela que está embarazada de seis meses. Su vida da un vuelco, pues no tiene a priori la menor idea de quién es el padre de la criatura.

"9 meses… de condena!" es la quinta película de Albert Dupontel, quien escribe e interpreta uno de los papeles principales. El filme pretende ser simplemente un relato divertido, una extravagancia, un artilugio sin mayor interés que entretener y hacer reír. Con la excusa argumental de una comedia de enredo, Dupontel logra un retrato corrosivo de la Administración de Justicia, donde se resaltan, de un modo ligero, sus imperfecciones, la humanidad y debilidades de los que la imparten y, por supuesto, las extravagancias de los letrados, donde vemos estrategias de defensa absolutamente disparatadas.
La elegancia y el acierto del tono que imprime Dupontel se apoyan en el uso de efectos especiales al servicio de la narración, que dotan de frescura y agilidad a la trama. Ese globo que sobrevuela el Palacio de Justicia al principio de la cinta como colofón del plano-secuencia antes mencionado; la ecografía del bebé de Ariane en primer plano del encuadre con el ginecólogo detrás; el crecimiento del bebé en el interior de la juez, para revelar el paso del tiempo; o algunas escenas marcadamente gore utilizadas como divertimento respecto a una serie de equívocos y conjeturas en torno a ciertas apetencias oculares del personaje de Bob Nolan (interpretado por el propio realizador), que consiguen arrancar una sonrisa a propósito de su brutalidad, imprimen todas ellas agilidad y diversión a esta simpática película, ganadora de dos premios César 2013, el de mejor actriz para Sandrine Kiberlain, excelente y muy adecuada en su papel, y el del guión original, obra del multifacético Dupontel.

La película cuenta con divertidos cameos de directores como Terry Guilliam, Jan Kounen o Gaspar Noé y de actores como Jean Dujardin.

El retrato de juezas de instrucción, cuenta con algunos exponentes interesantes tanto en la filmografía gala como en la española, cuyo perfil suele tener el denominador común de cierta dificultad en conciliar su labor profesional con sus responsabilidades familiares. En "Borrachera de Poder" (L'ivresse du pouvoir, Francia, 2006), de Claude Chabrol, la jueza Jeanne Charmant Killman (excelente Isabelle Huppert), investiga un escandaloso caso de malversación de fondos, que afectaba a altas esferas del poder, al tiempo que se tambaleaba su vida sentimental. Eva (Leonor Watling) en "Lo mejor de Eva" (España, 2012), de Mariano Barroso, es una jueza de Instrucción en Valencia, con un futuro brillante, meticulosamente labrado y planificado por su padre, fiscal retirado, actualmente en coma vegetativo en un hospital. Eva ha pasado su vida estudiando y no ha vivido (como le dirán, le falta roce). Cuando le llega su primer caso de asesinato, llegará a su vida de un modo aparentemente casual, Rocco (Miguel Ángel Silvestre), un gigoló, experto seductor, que la desestabilizará por completo, y que además, es testigo clave en el caso de asesinato que está instruyendo, complicando de modo irreversible su carrera en la judicatura. En "No habrá paz para los malvados" (España, 2011), de Enrique Urbizu, la Juez Chacón (Helena Miquel), es una juez de Instrucción de Madrid, que investiga, entre otros asuntos, una escurridiza trama Yihadista. Absorta en su trabajo, carece de tiempo para con sus responsabilidades personales como esposa y como madre. Supervisa las pesquisas policiales en dicha trama, con rejos en Ceuta y otros lugares, que lleva a cabo el meticuloso inspector Leiva (Juanjo Artero). El corrupto agente de policía Santos Trinidad (excelente José Coronado) al querer atar un cabo suelto, el molesto testigo de una de sus barbaridades, acabará tirando de la manta respecto a la investigación mencionada.

Tres ejemplos de películas con otras pretensiones más serias y dramáticas que "9 meses… de condena!", pero que comparten cuatro atractivos retratos de mujeres en la judicatura.


Mejor otro día: Un canto a la vida, a la amistad y al amor [Crítica]
Hoy llega a nuestros cines de la mano de A Contracorriente Films la cinta MEJOR OTRO DÍA (A Long Way Down). El libreto de cuya adaptación se ha encargado Jack Thorne, está basado en el best seller internacional “En picado” del británico ensayista Nick Hornby, popular también por otros libros que han sido también adaptados exitosamente a la gran pantalla como “ Fiebre en las gradas” “Alta fidelidad” o un “Un niño grande”. La película está dirigida por el realizador francés Pascal Chaumeil (Los seductores, 2010 y Llévame a la luna, 2012) y está protagonizado por caras muy reconocidas y con extensas filmografías en el universo fílmico, lo más veteranos Pierce Brosnan y Toni Collette que vienen acompañados de Aaron Paul conocido por la serie Breaking Bad y la guapísima actriz revelación, Imogen Poots (Need for Speed).

Crítica de "Mejor otro día"MEJOR OTRO DÍA nos enmarca en la historia de cuatro personas que paradójicamente han perdido el aprecio por sus vidas, el choque frontal de este cuarteto sucederá en el mismo lugar donde todos querrán acabar con su existencia…A veces es necesario derrumbarse para levantarse y valorar lo que tenemos y las razones por las que merece luchar, sonreír, soñar y sentirnos plenos de felicidad.

Cuatro personajes peculiares se cruzan en una fecha especial, en fin de año, y lo que parece el final de un grupo de personas fracasadas y perdidas por el mundo, es el inicio del sentir de la vida de cada uno de ellos, poco a poco vamos descubriendo el motor que les mueve hacia el suicidio, dando rienda a las emociones, a la comicidad en algunas situaciones y sobre todo a la empatía que muestran entre sí al encontrar un factor común y al forjar un trato que les obliga a mantenerse con vida hasta una fecha determinada.

Aaron Paul en "Mejor otro día"MEJOR OTRO DÍA es un verdadero canto a la vida, un ejercicio sobre la superación de las personas, un film cómico con tintes dramáticos con mucho humor negro, irreverente y mordaz, ciertamente parece minimizar el tema de la depresión, pero para mí su tono es de lo más acertado queriendo ofrecernos una visión optimista con soluciones a los problemas y con un acentuada sensibilidad, buscando salidas y dejando un dulce y agradable mensaje. Es hermosa su estructura narrativa pues consigue contagiar al espectador de energía positiva, de esperanza y de emoción. Gracias a la buena conducción en la dirección, en el terreno artístico el elenco actoral ofrece un buen rendimiento, destacaría a Pierce Brosnan por delante de los demás y a la pareja con mucha química que forman Imogen Poots y Aaron Paul, que curiosamente coinciden como dúo protagonista de nuevo, después de la recientemente road-movie adrenalínica basada en el videojuego homónimo estrenada en cines,Need for Speed”.

Como apunte negativo es su previsibilidad que apunta a su desarrollo final y por extensión su capacidad por caer en los clásicos tópicos, sobre todo en cuanto a la historia romántica, aunque esta película se centra más en el valor de la vida, en el amor a la familia y en la verdadera amistad y me gusta que se fragüe en torno a un club de personas pesimistas, avocados a la destrucción, pero que no se dejan perder en el abismo, un grupo de almas solitarias que acaban uniendo sus fuerzas para entregarse apasionadamente a la vida.

Pierce Brosnan, Toni Collete, Aaron Paul e Imogen Poots en "Mejor otro día"En cuanto a la banda sonora del film cuenta atinadamente con la música original del oscarizado compositor italiano Dario Marianelli (Orgullo y prejuicio, Expiación, Ana Karenina) que ha compuesto 8 piezas para la ocasión a los que se suman también otras temas de diferentes artistas que suenan a lo largo del largometraje, entre otros están Cake, The Irrepressibles o Alabama Shakes.

Está claro que Pascal Chaumeil se mueve como pez en el agua en el género de la comedia, y aquí a diferencia de sus dos títulos anteriores toca el drama acariciando nuestra fibra sensible pero dejando un buen sabor de boca. Recomendable.


Noé (Noah): Interesante epopeya cinematográfica [Crítica]
NOÉ (Noah) es lo nuevo del oscarizado cineasta neoyorquino de ascendencia judía, Darren Aronofsky, artífice de destacables obras cinematográficas como “Cisne Negro” (Black Swan, 2010) largometraje que le sirvió la codiciada estatuilla a la actriz Natalie Portman por el papel principal de una oscura bailarina esquizofrénica y a él mismo como director. Otro de sus laureados trabajos es Réquiem por un sueño (Requiem for a dream 2000) un clásico de culto que ahonda en las catastróficas consecuencias que producen las drogas y otras adicciones en los protagonistas de la cinta y que cuenta con una de las bandas sonoras más míticas dentro del universo fílmico.

NOÉ es un film que podremos disfrutar a partir de este Viernes 4 de Abril en nuestras carteleras españolas gracias a Paramount Pictures Spain y está protagonizado por el galardonados Russell Crowe, Jennifer Connelly y Sir Anthony Hopkins a los que acompañan la famosa Hermione Granger de la Saga Harry Potter, Emma Watson, Logan Lerman (Saga Percy Jackson) Douglas Booth (Miniserie Los Pilares de la tierra) y Ray Winstone (Infiltrados,2006).

NOÉ está basada en la novela gráfica creada por el tándem que componen el productor Aril Handel y el realizador Aronofsky, habituales colaboradores que han ejercido como guionistas para crear un cómic que ofrece una particular versión libre del pasaje bíblico. El autor de los dibujos de la novela es Niko Henrichon.
Jennifer Connelly y Russell Crowe en "Noé"


NOÉ (Russell Crowe) ha sido llamado por Dios para realizar una ardua labor antes de que la apocalipsis llegue en forma de un enorme diluvio que devaste por completo la tierra.

NOÉ es un espectáculo visual, poderoso y atrevido. Los efectos especiales de la película son grandiosos, con tonos crípticos, con una puesta en escena apabullante con la inmensidad del arca y el escenario árido donde se desarrolla la mayoría de la historia. Aronofsky nos entrega su visión moderna tomándose unas asombrosas licencias acerca de la conocida historia del Arca de Noé. Si algo sabe el director es crear atmósferas angustiosas donde la iluminación se torna a claroscuros que avecinan el invasivo diluvio. La imagen de un Noé menos sensibilizado, más imperfecto y más fanático en sus ideales, en su llamada del creador todopoderoso. Respecto a esta imagen diferente del personaje de Noé ha generado mucha controversia e indignación en algunos grupos religiosos. El intérprete Russell Crowe que lleva el peso de encarnar a la mística figura supera el nivel y ejecuta un muy buen papel para esta ocasión, es a la que normalmente nos suele tener acostumbrados, pero como toda estrella del celuloide tuvo un desliz recientemente interpretativo como lucifer en el film “Cuento de Invierno” (2014) en la que coincidió nuevamente con la actriz Jennifer Connelly (también trabajó bajó las órdenes de Aronofsky en Réquiem por un sueño) que con esta cinta hacen triplete coincidiendo en el set de rodaje. Al igual que coinciden nuevamente Emma Watson y Logan Lerman a los que pudimos ver juntos en el título (cuya crítica podéis leer aquí) “Las Ventajas de ser un marginado” (2012).

Emma Watson en "Noé"
Lo que debilita el valor de este ejercicio monumental que exhibe poderío y que registra un gran trabajo en la realización, dirección, producción, nivel interpretativo y un largo etcétera, es la duración del metraje rebasando las más de dos horas, y en las que la acción decae por momentos para dar lugar, no sé si a la reflexión y a la preparación de esa catástrofe meteorológica que está por venir. Bajo mi punto de vista, lo mismo se podía haber contado con una estimable menor duración. Por otra parte, el antagonista que mueve y domina a una tropa de bárbaros y que quiere que Noé se rinda a sus pies, es un villano poco carismático del que creo se podía haber sacado mucho más partido.

En el apartado interpretativo el reparto de actores está acertado y cumplen en su roles, sobresaliendo el Noé de Russell Crowe.

Ya vimos en el cine una diferente e irregular adaptación de la historia del Arca de Noé en la cómica secuela de Como Dios, donde el protagonista Steve Carell se convertía en la mismísima reencarnación del personaje bíblico.

Russell Crowe y Ray Winstone en "Noé"Todo esta superproducción que versa en lo épico-mitológico, en el drama familiar, en el cataclismo medioambiental y en lo religioso dispone de una banda sonora a su medida. Por supuesto a cargo de Clint Mansell responsable de magníficas piezas musicales creadas para grandes películas como las de Réquiem por un sueño o de La Fuente de la vida (2006).

Aronofsky es un maestro en trasladar a la pantalla desgracias, ya sean climatológicas, psicológicas o relacionadas con el sórdido mundo de las drogas. También tocó el existencialismo y la existencia de un Dios en su ópera prima “Pi, fe en el caos” (1998). En esta nueva visión sobre “Noé” nos muestra un hombre guerrero, que no se piensa dejar avasallar y que pone por detrás y que sacrifica todo lo que le importa contad de cumplir la llamada divina del Salvador.

En definitiva, “NOÉ” es una efectiva e interesante propuesta para salir de casa y vivir una epopeya apasionante que se disfruta más en las salas de cines.

El Gran Hotel Budapest: Inconfundible film con el sello de W. Anderson [Crítica]
Precedida por el gran premio del jurado en la última edición del Festival de Berlín, EL GRAN HOTEL BUDAPEST (The Grand Budapest Hotel) se puede disfrutar en pantallas españolas desde el pasado 21 de marzo gracias a 20th Century Fox España.

M. Gustave (Ralph Fiennes) es un mítico conserje de un prestigioso hotel europeo llamado El Gran Hotel Budapest que inicia una gran amistad con un joven empleado, Zero Moustafa (Tony Revolori) al que protege como si fuera un hijo, en medio de la guerra. Ambos se verán envueltos en una confabulación que implica una herencia familiar y la desaparición de una valorada obra renacentista sumergiéndoles en un periplo por la recuperación de la misma.

Wes Anderson nuevamente nos invita a viajar por su universo peculiar, su distintivo va impreso en cada fotograma, habiendo realizado unos encuadres soberbios, tan milimétricamente bien estudiados y enmarcados navegamos en un mundo colorido y de cuento con paisajes nevados y estampas impresionantes dando la percepción visualmente de que estamos ante cuadros. Si nos centramos en el guión basado en los escritos del escritor austríaco Stefan Zweig (1881-1942) del que el cineasta también se ha encargado diríamos que cuenta con una historia que engancha de principio a fin gracias a la construcción de personajes que generan una enorme empatía y por ende una conexión con el espectador y a la misteriosa trama que envuelve a la fábula con subtrama amorosa, con evocaciones a las novelas de Agatha Christie.

Ralph Fiennes y Tony Revolori en "El Gran Hotel Budapest"
Ralph Fiennes y Tony Revolori
En cuanto a la dirección artística el realizador obtiene un resultado magistral, reunir a tantas estrellas internacionales encabezadas por un camaleónico Ralph Fiennes, me declaro absoluta admiradora desde que le descubrí en el drama histórico-romántico “El Paciente Inglés” (1996) con el que comparten cartel Adrien Brody, Jude Law, F. Murray, Willen Dafoe en su rol de villano más habitual y en el que se viste a la perfección, Edward Norton, Jeff Goldblum, Saoirse Ronan, y con apariciones que se podrían considerar como cameos por su corta aparición en pantalla, Bill Murray, Owen Wilson, Harvey Keitel, Léa Seydoux, Tilda Swinton y Tom Wilkison, entre muchos más. El elenco actoral es excepcional y cada una de las estrellas que trabaja en la función es digna de mención, aunque el pupilo de M. Gustave, el botones que acompaña a Ralph Fiennes en la travesía, quizás la cara menos conocida que desarrolla un rol fundamental en la cinta es la de el joven intérprete Tony Revolori (Shameless).

Adrien Brody en "El Gran Hotel Budapest"
Adrien Brody
La cinta tiene un fuerte sustrato literario con referencia a otras obras, goza de una trama arquetípica con golpes de humor negro y escenas funestas, que resultan imprevistas, aunque resulte alguna explícita no resultan bruscas.

La puesta en escena revestida de la personalidad excéntrica del director y las relaciones paterno-filiares que ya ha usado en muchas de sus películas, como en los largometrajes "Academia Rushmore" (1998)o "Life Aquatic" (2004).

La nota musical viene de la mano del seis veces nominado a la academia, experto compositor de bandas sonoras, Alexandre Desplat (Monuments Men), para esta ocasión ha utilizado instrumentos poco habituales en sus anteriores trabajos, creando el ambiente que nos emplaza a las tres épocas diferentes donde discurren las historias que son presentadas de forma relevante, al principio con avances en el tiempo y al final con el cierre de la historia.

EL GRAN HOTEL BUDAPEST resulta una experiencia reveladora, melancólica, elegante, exquisita, divertida e inolvidable.

Crítica de "2 Francos, 40 pesetas"
A veces los personajes de una película se convierten en algo más que seres ficticios, empiezas a considerarlos de tu familia. Esto es lo que ocurrió con “1 Franco, 14 pesetas”, que supuso el estreno como director de Carlos Iglesias en 2006.

Iglesias ejercía en este caso, además de director, de guionista y de actor principal y es que la historia le tocaba de cerca. De manera magistral y emotiva, nos relataba una parte de su vida, la historia de su familia y de cómo en la década de los 60 ésta emigraba a un pequeño pueblo de Suiza, Uzwill, a buscar trabajo.

Martín (Iglesias) y Marcos (Javier Gutiérrez) cansados de la crisis que asola España deciden hacer las maletas y embarcarse en un viaje hasta Suiza con el sueño de poder tener un futuro más cómodo para su familia. El guión camina entre España y Suiza contándonos la vida de la familia de Martín y de sus amigos y cuando Martín y su mujer Pilar (Nieves de Medina) regresan a España dando un final a la historia, nos deja con esa sensación de que aún quedan cosas por contar.

Carlos Iglesias y Javier Gutiérrez en "2 Francos, 40 pesetas"
Iglesias, Gutiérrez, de Medina y el resto de interpretes que forma la familia de "2 francos, 40 pesetas"
Esas cosas que se quedaron por contar, han encontrado su lugar en “2 francos, 40 pesetas” que llega ahora a nuestras pantallas. 

Han pasado cerca de diez años y la situación en España ha cambiado, Franco está enfermo y Pablo, el hijo de Martín, es ahora un adolescente que se siente como un pez fuera del agua en un país que aún tiene que luchar por la libertad.

“2 francos, 40 pesetas” toma un estilo más cómico en su guión, pero sigue funcionando igual, principalmente porque sigue contando con esos personajes que nos enamoraron de la primera película. Las situaciones son más divertidas pero el trasfondo sigue siendo igual de importante. La crisis no desaparece, Martín ya es mayor y encuentra que ha perdido su lugar. En España no se encuentra y Suiza ya no es su lugar. Pero con motivo del bautizo de la hija de Marcos y Mari Carmen, Martín y Pilar deciden volver a Suiza para visitar a estos viejos amigos, aunque Martín desea secretamente ir en busca de trabajo.

Adrián Expósito y Luisber Santiago interpretan a Pablo y Juan en "2 Francos, 40 pesetas"
Adrián Expósito y Luisber Santiago interpretan a Pablo y Juan
La historia aparece dividida a través de los miembros de la familia que se van cruzando a lo largo del camino. Pablo y su amigo Juan se van en interrail hacia Suiza en un viaje muy accidentado donde acabarán conviviendo con un grupo de “alternativos”. Un viaje que supone para ellos la pérdida de la inocencia y el descubrimiento de otros estilos de vida.

De las situaciones más divertidas nos encontramos con Luisa (Eloísa Vargas) que decide marcharse en coche con Arturo (Roberto Álvarez), un conocido del que pronto descubre que su interés por Suiza es el blanqueo de dinero. La química de ambos personajes funciona a la perfección y la situación absurda en la que se ven envueltos está tratada con mucha naturalidad, porque a pesar de las diversas historias y personajes curiosos que nos encontramos, el humor sigue siendo natural, conocido y familiar. Digamos que es el humor que todos hemos vivido, porque todos sabemos cómo pueden disparatarse algunas reuniones familiares.

Roberto Álvarez en "2 Francos, 40 pesetas"
Roberto Álvarez ofrece el punto "corrupto-económico" del film, algo lógico si hablamos de Suiza
“2 francos, 40 pesetas” gana en risas pero no pierde la dulzura de su origen, aunque parece que siempre nos vamos a quedar con ganas de más porque cuando unos personajes te atrapan, nunca los quieres soltar.

Crítica de "Capitán América: El Soldado de Invierno"
"Capitán América: El Soldado de Invierno" (Captain America: The Winter Soldier (Captain America 2)) se postula, sin duda alguna, como un film revienta taquillas. Su esperadísimo estreno en carteleras, que viene de la mano de Disney España, es este próximo viernes 28 de marzo.

Nuestro blog estuvo invitado al evento fan organizado en los Cinesa Proyecciones de Madrid (tenéis las fotos del photocall en nuestra fanpage), el pasado sábado, y pudimos visionar con antelación esta nueva entrega en V.O.S. y 3D protagonizada por uno de los superhéroes más legendarios y antiguos de la casa Marvel, personaje basado en la serie de cómics creados por Joe Simon y Jack Kirby en los inicios de los años 40.

 "Capitán América: El Soldado de Invierno" [Crítica]
El Capi realiza tareas habituales, como correr y hacer nuevos amigos
Bajo la batuta de los hermanos Joe y Anthony Russo, encargados de dirigir la secuela del film realizado por Joe Johnston (Rocketeer), está un estelar y numeroso plantel de actores que consta de caras más que conocidas, sobre todo por los seguidores de las cintas basadas en los personajes heroicos de Marvel, los cuales, guardan relación entre sí gracias a la particular versión del Universo Marvel que han creado desde Marvel Studios.

Protagonizado por un más que certero y brillante Capitán América, aka Steve Rogers, el intérprete Chris Evans (Saga Los 4 Fantásticos 2005 y 2007) que repite en el rol que adoptó tanto como en su antecesora, Capitán América: El primer vengador (2011), como en “Los Vengadores” (2012), se encuentra que un acompañamiento de lujo en el que encontramos a Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Sebastian Stan, Frank Grillo, Anthony Mackie, Cobie Smulders, la joven actriz conocida por la serie Revenge, Emily VanCamp y el oscarizado y prestigioso Robert Redford.

Robert Redford en "Capitán América: El Soldado de Invierno"
Redford es el actor veterano que Marvel ha elegido para esta cinta
Al igual que "Thor: El mundo oscuro" la historia se desarrolla tras los devastadores sucesos acontecidos en la ciudad de Nueva York que vimos en “Los Vengadores”. El Capitán América (Chris Evans) que ahora vive tranquilamente en Washington D.C. tendrá que enfrentarse a una nueva amenaza para el mundo cuando atacan a un compañero de S.H.I.E.L.D.. Para ello, contará con la ayuda de la Viuda Negra (Scarlett Johansson) y su nuevo amigo y aliado, Halcón (Anthony Mackie).

El libreto, que firman a partes iguales Christopher Markus y Stephen McFeely, contiene una trama envolvente a más no poder, jugando con la combinación de acción con elevadas dosis de suspense en plan thriller de espionaje, en una historia conspiratoria que implica a la agencia S.H.I.E.L.D relacionándola con actos terroristas de inflexiones oscuras (algunos han encontrado ciertas reminiscencias a la Saga del Caballero Oscuro de Nolan) que eleva la palpitante tensión y nos hace expectantes hasta el desenlace final que, como muchos sabréis, nos prepara para lo que veremos en la próxima entrega de Los Vengadores 2 (The Avengers: Age of Ultron) con dos escenas post-créditos, una de ellas muy reveladora (hay que quedarse hasta el final de todos los créditos) en cuanto a incorporación de nuevos personajes (Mercurio, la Bruja Escarlata y Baron Von Strucker) y adelanto argumental, y la otra, hace alusión a la antigua identidad de uno de los personajes. En la historia, también se establece un dilema social sobre el miedo infundado por el uso y desarrollo de las nuevas y altas tecnologías, ya que con ellas, nuestras vidas pueden estar controladas y hacerse públicas en todo momento.

El Capitán América y la Viuda Negra en "El Soldado de Invierno"
Steve Rogers no esta muy contento con el uso que S.H.I.E.L.D. hace de el, ni con la política de control de información
De esta manera  "CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO" no solo proporciona el magnánimo espectáculo visual esperado con batallas estupendamente sincronizadas y coreografiadas al nivel de otras cintas del universo Marvel, como Iron Man 3, con el uso de la técnica de la estereoscopia y su factura técnica impecable, también nos suministra esas más de dos horas de vertiginosa acción con intriga con sus característicos y habituales chascarrillos.

En esta entrega unen fuerzas el Capitán América y su partenaire Natasha Romanoff, alias Viuda Negra con la que comparte bastante protagonismo y una química muy natural ,además de un escuadrón de élite, en el que Nick Furia tiene mucho un papel bastante destacado. Y si en la primera entrega su gran amigo y compañero de batallas era Bucky, en esta se le une “El Halcón”, que personalmente, creo que está más a la altura de su anterior cómplice en luchas.

Tocante a los villanos de esta secuela hay que resaltar al que da vida un increíble [SPOILERS, marca/subraya el texto para leerlos] Robert Redford , un peso pesado de la interpretación en el rol de Alexander Pierce, por supuesto que su presencia suma calidad a la película. Su personaje representa la cara y la cruz de la moneda, el poder corrompe hasta a las personas por las que pondrías las manos en el fuego.

Muy complicado estaba que los antagonistas de esta segunda entrega, Brock Rumlow / Crossbones (Frank Grillo) y el Soldado de Invierno (Sebastian Stan) pudiesen equiparase al carismático Loki de Tom Hiddleston, ni al espectacular Cráneo Rojo de Hugo Weaving en su predecesora [FIN SPOILERS], pero hay que admitir que ambos hacen una muy buena interpretación de sus roles.

 "El Soldado de Invierno" villano principal de la 2ª pelicula individual del Capitán América
Sebastian Stan da vida al principal villano del film "El Soldado de Invierno"


Por otra parte, salvo porque se hacen saltos en el tiempo hacia atrás, con flashbacks que nos muestran parte de lo que pudimos ver en la primera entrega, y en las que intervienen tanto su amor platónico, Peggy Carter, ahora una de las fundadoras de la agencia S.H.I.E.L.D o el malvado Arnim Zola, el científico mano derecha de Cráneo Rojo que formaban parte de la organización nazi terrorista HYDRA y que en esta parte, cobra también mucha importancia, EL CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO parece mas una continuación de “Los Vengadores” que de “El Primer Vengador”.

Nos encontramos con personajes desaprovechados, poco dibujados y mínimamente desarrollados, como el que encarna Emily VanCamp , la guapa vecina del Capitán América que esconde el secreto de su verdadera identidad (y que los fans ya conocen), apenas se la ve aparecer en pantalla y parece haber sido introducida con calzador en una trama que, a priori, parecía que iba a tener más relevancia en la historia tras su primera aparicion en el film.

El Halcón, un nuevo superhéroe hace su entrada en "Capitán América: El Soldado de Invierno"
El personaje de Mackie, "El Halcón", todo un acierto y con mucho futuro en el universo cinematografico de Marvel


Y por supuesto, como sello personal que llevan todas las cintas ambientadas en el universo Marvel no podía faltar el particular cameo de Stan Lee, en esta ocasión como vigilante del Museo Smithsonian donde hay una exposición dedicada exclusivamente al Capitán América.

La banda sonora corre a cargo del compositor Henry Jackman encargado de bandas sonoras, entre muchas más, de "X-Men: Primera Generación" o "Kick Ass 2: Con un par", que empasta a la perfección con la épica aventura “marvelita” que vamos a presenciar en pantalla.

Como balance final, "CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO" obtiene un resultado positivo, en todos sus apartados, artísticos y técnicos, el relato avanza con dinamismo, intensidad y ritmo, sin picos de bajo interés, y en consecuencia es una nueva entrega que supera, de lejos, a la anterior.

¡MUY RECOMENDADA!

Crítica de "Byzantium" de Neil Jordan
Con casi dos años de retraso nos llega la segunda incursión del irlandés Jordan en la temática vampírica, después de la famosa entrevista, según el primer volumen de las crónicas de Anne Rice, al vampiro Louis (uno de los "hijos" de Lestat). 

El estreno mundial de Byzantium tuvo lugar en el Irish Film Institute el 28 de abril de 2013, un muy acogedor centro cultural, donde se proyectan abundantes retrospectivas, mucho cine clásico, y premieres de películas emblemáticas, que cuenta con dos salas de proyecciones, una cafetería y una librería donde puede conseguirse material de la cinematografía local bastante interesante. Un lugar con maravillosas vibraciones cinéfilas como marco incomparable para el estreno de uno de los cineastas más emblemáticos de sus país. La película pasó por el festival de Toronto, como plataforma a un discreto estreno estadounidense, en junio de 2013, para entrar en nuestro país por vez primera, en el festival de Sitges 2013, como titulo incluido en la sección oficial a concurso. El jueves 20 de marzo de 2014, se produjo el preestreno español en un único pase por Canal Plus. El estreno en cines en nuestro país se produjo el 21 y el próximo 29 de abril, está programada la venta en formato doméstico digital. Sin duda, las políticas de distribución, van alterando modelos hasta ahora consolidados, ante la mutación de los hábitos de consumo de los espectadores.

Saoirse Ronan en "Byzantium"
La conversión a vampiro, una de las novedades del film de Jordan

Consciente de que resulta muy complicado acometer la temática vampírica de un modo original o diferente, sobre todo teniendo en cuenta cómo han invadido la cinematografía los bebedores de sangre en los últimos años, Jordan opta por fusionar el tema con el drama intimista, que se le da estupendamente. En ese sentido, la especial atención a la relación de las dos protagonistas, madre e hija, que conviven como hermanas, copa claramente el interés de la mirada del realizador. Dos mujeres vampiro que viven su existencia de más de doscientos años, en el mundo actual. El mundo de la crisis económica, del aislamiento y la deshumanización. Ambas se sienten vinculadas a su maldita condición, de muy diversa manera. Dos maneras de afrontar la eternidad, enfatizadas visualmente, por ejemplo, a la hora de mostrarlas alimentándose. Las imágenes de Byzantium, en ese sentido, resultan familiares respecto a otras obras de Jordan. El pueblecito de la costa donde acontece la acción, remite a los escenarios de al menos tres películas previas: Amor a una Extraña (The Miracle, Gran Bretaña, 1991), Contracorriente (The Butcher Boy, Gran Bretaña, 1997) y Ondine (Gran Bretaña, 2009). El plano secuencia que muestra a madre e hija recorriendo la zona de atracciones del pueblo de la costa británica al llegar, remite al travelling inicial de Juego de Lágrimas (Crying game, Gran Bretaña, 1992), que no perdía de vista una inmensa noria, bajo los acordes de la canción When a man loves a woman.

Por supuesto, la habilidad del realizador y su buen gusto a la hora de recrear un entorno fantástico, quedan patentes en películas como "En Compañía de Lobos" (The company of wolves, 1984), una obra maestra de lo sutil, a la que se permite realizar un guiño visual, cuando vemos a la joven Eleonore con una capucha roja, en la secuencia en la que va a practicar la eutanasia a una anciana tendida en la cama (y de paso a beber su sangre), y las mencionadas Entrevista con el Vampiro y Ondine, ésta última que entronca con una conocida leyenda gaélica, donde una joven y bella sirena fue extraída del mar, al quedarse atrapada en la red de pesca del barco de un joven pescador.

Saoirse Ronan en "Byzantium" en un homenaje a "En Compañia de Lobos"
Claro homenaje a "En compañia de Lobos"
Clara (apropiada y excelente Gemma Arterton), que utiliza el seudónimo de Camilla, es una criatura bella, exuberante, carnal, consciente del enorme poder de seducción que utiliza como arma de supervivencia. Es, además, una mujer bastante práctica, que tiene bien claro que es necesario el dinero para subsistir en el mundo actual. Para ello se prostituye, o practica el lap dance, a veces en tugurios de mala muerte. Hace aquello que tiene que hacer para que ella y su hija salgan adelante, lo que implica que carece de compromisos y ataduras morales, salvo con su hija. Cuando Clara necesita sangre, no es nada diplomática, ni se anda con remilgos, refinamientos ni hipocresías. Utiliza sus encantos y artimañas sexuales, y es una apasionada depredadora, alimentándose, sobre todo, de posibles clientes. Al fin y al cabo, desde su punto de vista, es hasta legítimo sorber la sangre de hombres que sólo quieren tener sexo con ella. No vive anclada en el pasado, es poco útil. Su hija le dice no puedes olvidar el pasado, como si no hubiese ocurrido. Ella le responde A mí lo que me preocupa es el ahora, ¿entiendes?. La voz en off de la hija, se referirá a su madre Nunca habla de su familia. Forma parte de esas cosas que debe olvidar. Por todo ello, la sensual vampiro, no tiene compasión. La última vez que la tuvo, le salió muy cara, como muestra la película en un momento determinado. Al principio del film, la joven se quita de encima a un cliente en un tugurio que rompe las reglas, al tocarla. Lo hace de modo drástico. A continuación, es perseguida de un modo bastante implacable. La secuencia comienza en la barra del bar, continúa a través de la cámara de seguridad, sigue por las calles, pasillos, techos de un centro comercial. La escena es todo un prodigio de pericia técnica. Trepidante y muy física, la filmación sin duda conlleva un dominio del espacio y del tiempo real. La cámara está muy bien colocada, y el montaje, potencia la intensidad. La joven termina decapitando a su perseguidor en su apartamento. Clara/Camille es una superviviente nata.

Gemma Arterton en "Byzantium"
Gemma Arterton se muestra mas sexy que nunca en "Byzantium", dejándonos incluso algún desnudo sutil
Por el contrario, Eleanor (correcta Saoirse Ronan), la hija, es una joven muy sensible. Está muy atada al pasado, sufre cada vez que ha de mentir, y escribe su historia y la de su madre una y otra vez en un diario (Escribo todo lo que sé de ella), cuyas hojas escritas las arranca y las arroja al viento, casi como un mensaje en una botella. Un poco a la manera del camello que interpretaba Willem Dafoe, John Le Tour, en Light Sleeper (USA, 1992), de Paul Schrader. Elie se alimenta de un modo muy diferente que su madre. Lo hace de un modo discreto, casi poético. Bebe la sangre de ancianos que ya no desean vivir, que dan su consentimiento. Al principio de la película, el anciano que recoge uno de los papeles con su historia, le dirá Ya he pasado suficiente tiempo aquí, créeme. A algunos de ellos, treinta o cuarenta años antes, ya les ha dicho que vendrá, les deseará que la paz sea con ellos, y los conducirá plácidamente al otro mundo, algo que a ella le es negado. Tiene casi los mismos problemas existenciales que Louis, el personaje de la noche que interpretaba Brad Pitt en Entrevista con el Vampiro (Interview with a vampyre, USA, 1994).

La madre y la hija se ven obligadas a huir por los siglos de los siglos, de la implacable persecución de una orden vampírica, según la cual una mujer vampiro no puede criar a otro ser. Cuando Clara se hizo vampiro, aprendió ... que la inmortalidad es insoportable si estás sola, y volvió al orfanato donde ella misma había colocado a su hija ... mi único vínculo con lo que tenía vida.

Orden de Vampiros en "Byzantium"
La orden de vampiros de Byzantium bebe de la trilogía de Anne Rice
La narración adopta dos líneas temporales que se suceden a lo largo de la película con notable armonía. El presente, con la subsistencia día a día de la madre e hija, y el siglo XIX, en el marco de las guerras napoleónicas, donde todo comenzó. Poco a poco iremos descubriendo el origen de estas dos mujeres, y del conflicto con otros vampiros que las persiguen. Desprovista de efectismos visuales y sonoros vacuos y vacíos, para público de parque de atracciones, o con memoria de pez, el relato no pierde el tono intimista. Byzantium triunfa en el retrato del anhelo romántico del paso del tiempo, a la hora de describir el concepto de eternidad en la vida de un no muerto. Sin embargo, la relación sentimental entre la joven Ellie y Frank, un joven camarero, con leucemia, descompensa la calidad del relato, y en ocasiones roza el ridículo. Parece una licencia para el público de la saga crepúsculo y similares.

Los vampiros de Jordan (o quizá deberíamos decir, de Moira Buffini, guionista y autora de la obra teatral de inspiración de la película), no tienen colmillos, no les afecta la luz del sol (aunque prefieren la oscuridad), ni temen al ajo. La novedad reside en una uña en el dedo pulgar, que crece a voluntad, y a la que el realizador sabe otorgar a lo largo del metraje un sabio uso narrativo. Cada vez que vemos la uña creciente en el plano, sabemos que la vampiro va a alimentarse. Bellísimo es el instante en que Elie va a asistir en la muerte a una anciana en la cama. La mujer le pide a la joven que le ponga música, señalando para un tocadiscos que tiene un disco vinilo. Jordan coloca en primer plano la mano de la joven colocando la aguja en el disco y enseguida vemos como la uña crece y se dirige hacia la señora, que está al fondo del encuadre, en la cama, desenfocada. Por su parte, en un momento determinado, vemos a la madre, a Clara junto a las prostitutas en la calle, seduce a un cliente, y enseguida vemos como le toca la mejilla y como la uña va creciendo cerca del cuello del hombre. Aquello, nos deja claro la cámara de Jordan, no va a ser una relación cliente-prostituta... Clara va a alimentarse.

Caleb Landry Jones en "Byzantium"
El joven Frank y enfermizo Frank (Caleb Landry Jones)
Resulta brillante tanto la idea en el guión, como en la puesta en escena, del lugar donde tiene lugar las transformaciones de los seres humanos en vampiros. Se trata de una isla frente a la costa. Como dirá un personaje al referirse a ella era como una siniestra uña negra sobresaliendo del océano... más piedra que isla. En ella habían tantos pájaros en el cielo que ocultaban el sol. La simbología ornitológica, que acompaña a la muerte del ser humano y su renacer como vampiro, se sucede con la de las aguas de las diferentes cascadas que recorren los acantilados y riachuelos, que se tornan en rojo intenso, color sangre.

Byzantium nos ofrece, en definitiva, una perspectiva astuta, pero honesta y gratamente adulta, del “cine de vampiros”, que parecía destinado en exclusiva al público teenager. Sin realizar demasiado esfuerzo por desmarcarse de otras incursiones del género, el visionado del resultado final, resulta altamente estimulante.