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El 27 de marzo seremos testigos de un nuevo y apasionante relato sobre la verdadera mafia italiana gracias a Calabria.

Calabria Betta Pictures
La obra del director Francesco Muzi es muy diferente a las historias que nos encontramos habitualmente en este género. Desde luego, el que piense que se va a encontrar con algo parecido o similar al Padrino de Francis Ford Coppola o los Soprano, puede llevarse una pequeña sorpresa. Calabria es un relato más cercano, si es que es necesario buscarle símiles, a lo que hemos podido ver recientemente en la serie Gomorra, basada en el libro de Roberto Saviano. ¿Por qué recalco esto? Porque los personajes que salen tanto en Gomorra como en Calabria poco tienen que ver con los Corleone o los Soprano. Estos últimos son italoamericanos, son historias que les acontecen a los italianos emigrados a EEUU, por lo que su estilo de vida es muy distinto a lo que vemos en Calabria o Gomorra.

Me viene a la cabeza una anécdota personal que creo, viene muy al caso de lo que hablo. Una persona cercana a mí estuvo en Nápoles hace unos veinte años. Cuando vio la serie de Gomorra me dijo, con desesperación y cierta tristeza: “Esto no ha cambiado nada en todos estos años”. Seguramente, si viese Calabria la sensación sería muy parecida. Lo que transmite ante todo Calabria es cómo se vive en algunos sitios de Italia, pueblos montañosos, con economías pobres, gente llevada al borde de la desesperación porque los trabajos que hay son paupérrimos. ¿Cuál es la única alternativa que les queda? Solo falta ver la película para comprobarlo. Pero no solamente se muestra esto, también de pasada, aunque deja una huella fuerte, nos cercioramos de que las mafias locales tienen tentáculos en el poder político, los cuales no dudan en usarlos para, por ejemplo, poner alcaldes que les sean propicios en sus negocios turbios.
Fotograma de Calabria
Calabria muestra una fotografía dura y realista
Estos aspectos sociales no son la primera vez que los vemos en una película. En realidad, Calabria no nos va a mostrar nada que no sepamos o que no leamos diariamente en la prensa. Pero creo que el poder principal que tiene la película reside en el interior de la familia protagonista, los Carbone, una de muchas de las que hay en el país. Hay un conflicto del pasado, una herida que sigue latente y a punto de estallar como un volcán. Un hecho terrible que puede suponer un fatal desenlace, una guerra entre los Carbone y sus rivales. La esencia del film está en las relaciones paterno filiales y los conflictos entre hermanos. Luciano, el hermano mayor, que solo quiere dedicarse al pastoreo, llevar una vida tranquila y evitar que su hijo adolescente, Leo, sucumba a lo fácil, a la vida de un delincuente más, apoyado por su tío Luigi.

Las amistades son cada vez más frágiles y los sentimientos encontrados van desencadenando diferentes desgracias. Calabria es una película muy clásica, con un ritmo pausado pero no lento, nos mantiene pendientes en todo momento de lo que va a pasar a continuación. Una película que no dejará indiferente a nadie. Aunque, como siempre digo, esto no es más que una opinión personal, pues son ustedes los que deben elegir libremente si quieren disfrutarla.



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PRIDE (ORGULLO) es el título imprescindible para cualquier cinéfilo/a que se precie que nos trae Golem Distribución a nuestras carteleras coincidiendo con el día del padre. 

Crítica de Pride (Orgullo)
Esta película está conducida por el director Matthew Warchus (Circulo de engaños,1999). El relato que está basado en hechos reales está firmado por el guionista Stephen Beresford el cual debuta en esta faceta. El elenco actoral que componen está obra cinematográfica son Bill Nighy, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine,George Mackay, Joseph Gilgun, Andrew Scott, Ben Schnetzer, Faye Marsay, Freddie Fox, Jessica Gunning, Lisa Palfrey y Menna Trusller.

En el verano de 1984 con Margaret Thatcher como primera ministra, el Sindicato Nacional de Mineros (NUM) convoca una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un colectivo de gays y lesbianas se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los mineros así nace LGSM (Lesbians and Gays Support the Miners), pero el sindicato no acepta el dinero. Los activistas toman entonces la decisión de saltarse directamente el sindicato y escogen al azar un pequeño pueblecito de Gales al que irán en su furgoneta. Así comienza el suceso que se convirtió en un hito histórico.

Una composición firme y de alta escala en sus apartados artísticos y técnicos cimentada en una historia tan conmovedora como cercana. Nos acerca a un hecho histórico que cambió dos colectivos distintos pero que se unieron por un fin en común, la lucha por los derechos.

Escena de Pride (Orgullo)
Una oda a la lucha por los derechos, a la solidaridad y al significado de la amistad. Una invitación a recorrer un universo injustamente inverso, una hazaña tan entrañable que toca y contagia al espectador haciéndole un total protagonista de la función. Es imposible no terminar rindiéndose a esa comunidad de personajes aparentemente tan dispares pero que guardan un enorme corazón solidario, que están repletos de vida, valor y calidad humana, que saben brindar ayudar y servir de apoyo a las clases más desfavorecidas, levantarse ante las injusticias, formar una alianza y permanecer unidos por una buena causa.

Otro de los honores a hacerle a esta nueva obra del séptimo arte es la sutileza con la que nos narra y nos acerca a cada uno de los personajes que vamos descubriendo poco a poco. Retratando el drama social y familiar en los casos de tener una orientación sexual distinta. Reflejando a personas que aceptan y comprenden al colectivo de Gays y Lesbianas desde un principio, y otras que los rechazan totalmente.

La ambientación y la fotografía están muy cuidadas y estudiadas, sumándole mayor autenticidad a la trama que nos presenta un suceso real, la historia que está asentada hacia la mitad de los años ochenta, nos hace identificar el estilo de aquel tiempo con las prendas y estilismos que lucen sus protagonistas, la música y también los prejuicios que eran aún mayores por aquella época están muy bien mostrados, con personajes estirados incapaces de avanzar y aceptar la homosexualidad como algo normal y en la que muchos gays y lesbianas tenían que irse de su casa por no ser aceptados ni por su propia familia.

Escena de la comedia Pride (Orgullo)
En cuanto al campo artístico nos encontramos ante un reparto sólido y que nos entrega muy buenas actuaciones, siendo difícil poner por delante a un intérprete de otro, el nivel interpretativo está muy equilibrado y eso ayuda a que las escenas que pasan por pantalla no resten calidad en ningún momento al film. También es gracias a el buen dibujo que se hace de los personajes que se convierten en relevantes e interesantes para el espectador.

Por tanto, PRIDE se debería de convertir en un verdadero “ORGULLO” para su cineasta y todo el equipo que está detrás de esta producción, con una película de estilo personal, a la que se ha comparado con otras premiadas comedias inglesas con tintes dramáticos del panorama cinematográfico, como Full Monty (1997) y Billy Elliot (2000) con esta última guarda ciertas reminiscencias en cuanto a que está enmarcada en la misma etapa con la huelga de los mineros en el Condado de Durham y también toca el tema de la homosexualidad.

Bien valen esas dos horas de metraje con momentazos hilarantes y otros más dramáticos que no buscan la lágrima fácil pero que consiguen emocionarnos y llegarnos adentro, sobre todo con un final contundente y tan redondo que se convierte en la guinda de un pastel nada edulcorado y delicioso de degustar.





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“CHAPPIE” es el nuevo sci-fi de Neill Blomkamp, director de las exitosas películas District 9 y Elysium (director también del próximo film de la Saga Alien).

Crítica de 'Chappie'
El título que aterrizó en nuestras carteleras este fin de semana gracias a Sony Pictures Spain está protagonizado por Sharlto Copley, Dev Patel, Hugh Jackman, Sigourney Weaver y el grupo musical de hip-hop y electro rap-rave“Die Antwoord” conformado por el dúo Ninja y Yo-Landi Visser.

En un futuro muy cercano, debido al gran índice de criminalidad en la ciudad de Johannesburgo se opta por incorporar a la plantilla del cuerpo policial, robots polícias con IA que son abastecidos por la empresa de armas Tetravaal y creados por uno de sus brillantes programadores, Deon Wilson (Dev Patel) que trabaja en mejorar el prototipo dotándole de consciencia y sentimientos humanos. Cuando le es denegado el permiso por parte de su superiora, Michelle Bradley (Sigourney Weaver) para probar el nuevo programa en uno de los robots que está inservible, emprende una rápida fuga en la que es secuestrado por una peligrosa banda de criminales que se quieren quedar con el androide para que les ayude en sus planes de robos.

Dev Patel en Chappie
Dev Patel en Chappie
El realizador juega su baza a lo mismo que ha hecho antes, sin complicarse ni mostrarnos una apuesta más arriesgada en este trabajo de nuevo del género de ciencia ficción, se echa de menos algo diferente a lo que ya hemos visto anteriormente. Nos sirve una obra inferior a sus antecesoras. Con esta nueva oleada de cintas que tienen como protagonistas robots con inteligencia artificial, como la recientemente estrenada producción británica “Ex-Machina” o la producción española “Autómata” (2014), “Chappie” no resulta original ni novedosa, en muchos aspectos parece un refrito de las conocidas cintas de los ochenta “Robocop” (Un robot policía y el buey, la máquina antagonista de Chappie también se parece a la de Robocop ) y “Cortocircuito” (Un robot con fines militares que se convierte en familiar y entrañable), pero sí un producto comercial que entretiene y tiene el suficiente ritmo en cuanto acción y narración para no cansar ni aburrir al espectador, aunque podría haberse recortado algo de metraje, bajo mi opinión se extiende y se centra demasiado en la aceptación, manipulación y entrenamiento del robot por parte de sus peligrosos tutores. El largometraje gana puntos cuando comienza la verdadera batalla entre las máquinas, la acción es más intensa y asistimos a un fascinante espectáculo visual y pirotécnico.

También es cierto que quien es mayormente responsable de que el largometraje procure mantener el interés del asistente a la función es el androide inteligente al que da nombre el título y al que a través de un programa de captura, ha puesto voz, movimiento, personalidad el actor fetiche de Neill Blomkamp, Sharlto Copley. “Chappie” conecta con el espectador inspirando ternura y una fuerte empatía. Lleno de vida y con un instinto protector descomunal nos gana de lleno este robot de inteligencia artificial con sentimientos tan humanos. Con respecto al elenco actoral que abanderan el cartel junto al robot protagonista están nuestro particular Lobezno Hugh Jackman que aquí se viste de antagonista, aunque sus apariciones en pantalla sean algo intermitentes son de las más relevantes y animadas del film. Y el actor Dev Patel conocido por su papel de Jamal en “Slumdog Millionaire” de Danny Boyle, que cumple correctamente en su registro de creador de Chappie. El resto de intérpretes que son importantes en la trama son los integrantes de la banda de música sudafricana Ninja y Yo-Landi Visser, sus personajes que son unos delincuentes muy violentos y peligrosos son los que se hacen cargo de Chappie y para ser su debut cinematográfico hay que reconocer que están súper auténticos y naturales encarnando a los malhechores que llevan a Chappie por el mal camino. Además, la incorporación de este grupo en el apartado artístico es un añadido más para que los fans de la banda se acerquen a ver la película. También se suma un rostro muy conocido del mundo del celuloide cinematográfico, la actriz Sigourney Weaver, que ocupa pocos minutos en pantalla con un papel muy pequeño y plano en el que cumple sin sobresalir, lástima que esté tan desaprovechada una actriz de tanto talento a la que se le puede sacar muchísimo más jugo.

Hugh Jackman en Chappie
Hugh Jackman en Chappie
Siguiendo la estela de sus primeras obras fílmicas, el cineasta sudafricano que también ejerce de guionista de la película junto con Terri Tatchell, nos trae una historia que tiene como telón de fondo la denuncia social, ¿Es el ser humano el mejor ejemplo a seguir?. La decadencia del ser humano representado por el grupo de pandilleros y el empeño del inventor de los robots con inteligencia artificial que vive para crear un robot a su semejanza como si jugase a ser un Dios. La amenaza empieza cuando somos diferentes a los demás, la oveja negra del rebaño que se sale de la media. Nos acerca a las clases marginales, a las disputas y envidias entre profesionales de enormes egos que ostentan subir de escalafón en la empresa. ¿El futuro es nuestro o de las máquinas?. Además, hay un apunte al daño que puede hacer el avance de las nuevas tecnologías pudiendo sustituir la máquina al hombre.

Neil maneja maquinaria pesada, una superproducción que se viste de sus mejores galas en cuanto a su labor puramente técnica, la película está muy bien hecha y goza de una excelente fluidez en cuanto a la animación del robot “Chappie”.La fotografía de Trent Opaloch que nos muestra unos escenarios futuristas y apocalípticos en la ciudad de Johannesburgo es de una factura impecable y la portentosa banda sonora a manos del compositor Hans Zimmer contiene piezas magnéticas, melodías que se crean a través de sintetizadores y órganos.



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La dupla Ficarra-Requa nos presenta la interesante trama titulada “Focus: Maestros de la Estafa”, la historia de un timador (Will Smith) y su glamorosa pupila (Margot Robbie). (final de la entradilla)

Focus: Maestros de la Estafa
Will Smith se ha caracterizado por ser un nombre recurrente en las marquesinas del cine mundial en los últimos 20 años, no precisamente prolífico, sino más bien selectivo en cuanto a su interés de turno: consolidar su carrera como actor taquillero (para muestra ahí están “Independence Day” y “Hombres de negro”), o afianzarse como un actor serio (en la conmovedora “En busca de la felicidad” y el papel que, a mi parecer, ha sido el más brillante de su filmografía: "Ali", el biopic del epónimo boxeador).

Pero así como ha tenido grandes aciertos por cualesquiera de sus dos intereses principales (taquilla y crítica), ha cometido, asimismo, severos errores (verbigracias claras: “Wild Wild West” y After Earth”) que han convertido su carrera en un sube y baja constante.

Y así, en esta montaña rusa que ha sido la trayectoria cinematográfica de Will, nos llega su última elección ya convertida en film: “Focus: Maestros de la Estafa”, que viene de las manos del binomio Glenn Ficarra y John Requa. Estos dos cineastas tienen en sus principales obras, películas como “Philip Morris ¡Te quiero!” (2009) y “Loco y estúpido amor” (2011), que ya les hace reconocibles en la industria fílmica internacional.

Margot Robbie y Will Smith en Focus: Maestros de la Estafa
Robbie y Smith
Con la premisa clásica del estafador con clase y que le gusta rodearse de glamour, el tándem Ficarra y Requa nos presenta a “Nicky” (Will Smith), quien por azares del destino conoce a la sensual, pero poco hábil, “Jess” (Margot Robbie). Esa poca habilidad para el hurto será cambiada por “Nicky”, quien ve en ella una potencial ladrona de buenos alcances. De esta forma, comienza el ‘training’ de “Jess” en un festival de jazz en Nueva Orleans, llegando ella a afinar tanto su pericia para sustraer cosas de las carteras ajenas, que hasta con palillos chinos lo logra hacer.

Todo marcha sobre ruedas, hasta que el inevitable romance ocurre, deviniendo en eróticas escenas que disfrutarán los fans, tanto los de Will como los de Margot, por supuesto. Esta detonación de la trama dará un punto de inflexión interesante a esta historia, pues a pesar del romance recién surgido, los dos marcharán a destinos distintos, para converger tres años después en Buenos Aires, Argentina, donde ambos tendrán casualmente el mismo objetivo: estafar al empresario “Garriga” (Rodrigo Santoro); cada quien lo intentará por su lado y “Jess”, buscará denodadamente, superar a su maestro.

Ahora que ha surgido el nombre de Rodrigo Santoro, me gustaría hablar un poco de él. Recuerdo a este actor con aquella sorpresiva película brasileña llamada “Bicho de Siete Cabezas” (2001), que narraba el difícil camino de un mozalbete tocado por el mundo de las drogas. Representó un despegue importante para Rodrigo Santoro, lo proyectó internacionalmente (junto con aquella joyita de Walter Salles titulada “Abril Despedazado”, también del 2001) y la verdad, parecía tener más madera, más potencial, para protagonizar films que lo convirtieran en un indiscutible referente iberoamericano en Hollywood como actor serio y no sólo como una figura decorativa de espectaculares películas (“300”, por ejemplo). Qué lástima, todo quedó en expectativa.

Rodrigo Santoro en Focus: Maestros de la Estafa

Ya metidos en el asunto de los actores, vamos a hablar un poco más de Will. No resulta su mejor trabajo, tampoco el peor, está en un confortable medio camino que parece más bien de transición para recordarnos que habrá mucho más de Will Smith en el futuro (ya nos frotamos las manos por Suicide Squad).

¿Y Margot? Bueno, esta chica no deja de acalorar la retina con su sensual presencia. Tiene el don de llamar al espectador a la concupiscencia; sí, hay un deseo inmoderado por mirarla y disfrutar en pantalla de sus atributos físicos a cada momento (cómo olvidarla en aquella candente escena junto a DiCaprio y la cámara escondida en “El Lobo de Wall Street). Lo mejor es que Margot no sólo es bellísima y sensual, tiene todo para convertirse en una incomparable actriz en un futuro, porque sabe transitar correctamente por el espectro emocional humano. Sólo necesita proyectos que la exijan más, histriónicamente hablando, donde ella sea la absoluta protagonista.

El espectador no saldrá defraudado de la sala de cine con esta apuesta fílmica de Ficarra-Requa, si lo que busca es una película que busca surgir por sí misma (en una temática tan recurrida como la del ‘con man’); un film que lleva su propio paso y con dos secuencias para el recuerdo: la del palco en el estadio, donde “Nicky” y “Jess” se enfrentan al tremendo apostador “Liyuan Tse” (BD Wong) y los inquietantes encuadres cuando están a la merced del enemigo para conocer su último destino.

Sin ser el referente absoluto de las películas de estafa, este film ha solventado correctamente el propósito para el que fue creado: entretener sin estafar al espectador.



NOTA: Focus no se estrena en España hasta el 27 de marzo, pero el que suscribe, residente en México, ya ha podido disfrutarla oficialmente el fin de semana del 6 de marzo.

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Home: Hogar Dulce Hogar nos propone un magnifico entretenimiento que hace hincapié en lo cierto del dicho: "Como en casa en ninguna parte"

'Home: Hogar Dulce Hogar'
 
HOME: Hogar Dulce Hogar (Home) es lo nuevo del cineasta Tim Johnson (Antz, Vecinos invasores) con libreto de Tom J. Astle y Matt Ember basado en el aclamado libro de Adam Rex “The True Meaning of Smekday”. Cuenta con las voces originales de nuestro querido actor Jim Parsons, archiconocido por su rol de Sheldon Cooper en la sitcom “The Big Bang Theory”, las dos divas del pop Rihanna y Jennifer Lopez, y el curtido comediante Steve Martin entre otros. Esta película de animación del estudio DreamWorks viene presentada por 20th Century Fox España y se estrena en nuestros cines en formatos 2D y 3D el próximo 19 de marzo.

Oh es un alienígena sumamente optimista, que sin querer, comete un grave error que pone en peligro a toda su especie, por ello será perseguido por los de su raza, y en su huida se verá forzado a sellar una alianza con una chica adolescente con mucho carácter que va en busca de su madre perdida.

Con HOME te adentras profundamente en los noventa y tres minutos de metraje que dura esta magnífica producción de animación. El trabajo técnico es colosal manteniendo un nivel altísimo en este apartado con la percepción permanente de autenticidad de ese universo ficticio que nos muestra el planeta Tierra, otros orbes, nuevas galaxias y unos protagonistas a los que es fácil cogerle cariño.
 
Protagonistas de 'Home: Hogar Dulce Hogar'
Tip y Oh
El trabajo de animación dota de enorme realismo los escenarios y los movimientos de los personajes. (a destacar las secuencias en el mar y el pelo de la protagonista). Aunque a este nivel nos tiene acostumbrados la factoria DreamWorks que en este rango tiene un estatus muy alto, prueba de ello son obras recientes como “Los Croods: una aventura prehistórica”(2013) o “Cómo a entrenar a tu dragón 2”, ambas cintas optaron a la estatuilla dorada en la categoría de mejor película de animación en sus correspondientes pasadas ediciones de los Oscars. DreamWorks nos traen trabajos impresionantes, algunos han recogido menos éxito en taquilla como El Origen de los guardianes (2012), Turbo (2013) y Las aventuras de Peabody y Sherman (2014), pero todo ellos son elogiables en cuanto a su calidad técnica y a su calado narrativo.

En esta nueva propuesta conocemos a una nueva raza alienigena, “Los Boovs” que son unos curiosos personajes que resultan entrañables, divertidos, inteligentes, inquietos, sencillos e ingenuos que se postulan a tener un hueco importante en el corazón de los espectadores con proyección a nuevas aventuras cinematográficas (supongo que esto dependerá también del resultado de sus recaudaciones por su paso en taquillas), al igual que esas criaturas tan adorables que son los famosos “Minions” de la saga Gru, mi villano favorito (Despicable Me) y que debido al gran impacto, apoyo y cariño que han causado en el público en general cuentan con su propio spin-off que se estrenará este verano.

alienigenas de 'Home: Hogar Dulce Hogar'
Boovs a tropel
“Los Boovs” tienen un diseño sencillo pero muy vistoso, cuentan con la peculiaridad de ser camaleónicos, cambian de color según su estado de ánimo, son tan achuchables como un gusiluz y no pueden evitar seguir el ritmo de la música. Dentro de su especie hay dos variantes en cuanto a su aspecto físico, hay unos Boovs dedicados a pensar y a generar ideas con una estética diferente y los otros, a los que pertenece nuestro simpático y bonachón protagonista Oh, diferenciándose el Capitán Smek con una especie de bigote y Kyle el polícia de tráfico con su antifaz y sirena en la cabeza, pero todos tienen la piel morada y llevan una indumentaria igual con tonos pasteles pero con distintas combinaciones de color. No podía faltar la fiel mascota inseparable de la joven Tip (se parece físicamente a la cantante Rihanna con sus grandes ojos verdes), que acompaña a los protagonistas de la historia, el minino Pig al que le encanta dormir y se le nota muy alegre y feliz.

Con guiño incluido a la obra magna del pintor holandés Vincent Van Gogh titulada “La noche estrellada” asistimos a una aventura intergálactica y que también discurre en la Tierra donde observamos el nacimiento de una amistad entrañable con la que conectamos desde el principio, una amistad que nos contagia de emoción, nos hace sonreír y nos hace disfrutar. Al principio existe desconfianza mutua entre la humana y el inofensivo extraterrestre, pero después se dan cuenta de que tienen mucho en común, ambos se sienten las ovejas negras del rebaño, diferentes a los demás.

Escena de 'Home: Hogar Dulce Hogar'
Pig y Oh
Una vez los Boovs invaden nuestro mundo, a los objetos de los humanos les dan otras utilidades y cambian el aspecto de emblemáticos monumentos. El film me recordó a la franquicia de Lluvia de albóndigas por el color y la originalidad del universo que construyen los ingeniosos Boovs.

Esta película familiar cuenta con temas originales creados para la banda sonora de Jennifer Lopez, la cual también participa en el título prestando su voz al personaje de Lucy, la madre de Tip a la que pone voz la cantante Rihanna. Las canciones de las intérpretes se llaman Feel The Light y Towards The Sun, respectivamente.

HOME es divertida y emotiva hasta el final. Se alimenta de personajes vivaces, carismáticos e inolvidables que conforman esta nueva producción animada que promete convertirse en un nuevo referente del género. Apta y disfrutable para el público adulto e infantil.




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Repasamos la extensa filmografía del maestro Cronenberg para analizar las influencias y motivos que le han llevado hasta ‘Maps to the Stars’, film que aterrizo en la cartelera española el pasado 6 de marzo.

Crítica de 'Maps to the Stars',

El veterano cineasta canadiense David Cronemberg puede jactarse de llevar una coherente deriva cinematográfica. Francotirador contra las modas políticamente correctas, comienza su andadura con una cierta experimentación, a través del cortometraje. El realizador debuta en cursando estudios de cine con los cortos Transfer de 1966, sobre la relación de un paciente con su psiquiatra y From the Drain, de 1967, sobre dos veteranos de un conflicto bélico que charlan sentados en la bañera de una institución mental. El visionado de ambos filmes nos hace concluir que el cineasta ya apunta maneras respecto a universos insanos y paranoides y a la predilección por la complejidad de la mente humana, que poblaran su filmografía posterior. En el campo del largometraje, el cineasta se presenta en sociedad con dos filmes absolutamente delirantes e inclasificables. El primero es Stereo (Canadá, 1969), donde unos apacibles estudios sobre sexualidad y telepatía en una academia canadiense, se van transformando en un festival psicodélico y de violencia inesperados. El otro es Crimes of the future (Canadá, 1970), que narra cómo en un futuro más o menos próximo una plaga que se origina por unos productos cosméticos distribuídos desde una clínica dermatológica, conocida como House of Skin (la Casa de la Piel), diezma la población femenina mundial.

Cronemberg realiza a continuación una serie de filmes alimenticios para la televisión canadiense, que contribuirán a su formación, y su peculiar sentido el terror sobresale en una serie de películas inquietantes, muy modestas, pero firmemente resueltas, que poblaron las carteleras a finales de los años setenta y principios de los 80. Cronemberg se consolida en su oficio con una serie de films centrados en los efectos de ciertos experimentos macabros y siniestros. Hablamos de películas como Vinieron de Dentro de ... (Shivers, Canadá, 1975), donde unas criaturas parásitas creadas artificialmente por un científico, convierten a aquellos seres en los que se introducen, en criaturas sedientas de sexo y desprovistas de criterio, que van, a su vez, contagiando a otros. En Rabia (Rabid, Canadá, 1977) una mujer (la estrella de cine porno Marilyn Chambers) al someterse a una cirujía experimental, desarrolla un gusto por la carne humana y por la sangre, provocando una legion de seres que devoran a otros, que se extiende rápidamente en la ciudad donde vive. En Cromosoma 3 (The Brood, Canadá, 1979), el terapeuta Hal Raglan (Oliver Reed) utiliza a varios niños y a una mujer para una serie de experimentos macabros, con espeluznantes consecuencias. Scanners (Canadá, 1981) sigue a un grupo de seres humanos con poderes telepáticos que les permitirían el dominio del resto de la humanidad. El enfrentamiento de un padre y un hijo en opuestas esferas de poder, condiciona el devenir del relato, cuyo conflicto incide en la forma de vida en la tierra.

Cronemberg en el rodaje de Maps to the Stars
Cronemberg en el rodaje de Maps to the Stars

Maestro del cine más oscuro


Con filmes como Videodrome (Canadá, 1983), su particular remake del clásico de los años 50, La Mosca (The Fly, EEUU, 1986), que supondrá su debut en Hollywood, Crash (Canadá, 1996), sobre una obra de J.M. Barrie, o Existenz (Canadá, 1999), el cineasta sobresale, de modo evolutivo, en la descripción de unas historias complejas, donde sus patológicos protagonistas desarrollan una turbadora fusión de la carne humana con la tecnología. El mestizaje del ser humano con lo audiovisual, el teletransporte que literalmente fusiona al hombre con una mosca, los videojuegos cuyos puertos de conexión parten literalmente del propio ser humano, o un grupo de personajes que se excitan sexualmente en lugares donde acaban de ocurrir fatales accidentes de tráfico, componen un crisol muy especial de filmes dotados de una personalidad y de un universo muy particular, gusten o no.

Cronemberg, en perfecta consonancia con su trayectoria, trascendiendo del género de terror que lo dio a conocer y consolidó, ha sentido cierta fascinación por la exploración de determinados estados mentales y de mundos paralelos al aparentemente real, muchas veces anclados en la compleja psique de sus protagonistas. En este sentido, destacan filmes memorables como Inseparables (Dead Ringers, Canadá, 1988), El Almuerzo Desnudo (The Naked Lunch, Canadá, 1991), sobre una obra del complejo escritor William Burrough, Spider (Canadá, 2002), o Un Método Peligroso (A Dangerous Method, Reino Unido, 2011). En estos filmes la obsesiva unión de dos hermanos gemelos, puesta en peligro con la llegada de una joven; las experiencias de un exterminador de insectos convertido en escritor, en un universo plagado de sustancias tóxicas y del imaginario colectivo; la vida cotidiana en el East End londinense de los años 60, vista desde el punto de vista de un enfermo mental; o la relación a tres bandas entre el psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y la paciente, y luego también terapeuta, Sabina Spielrein, son diseccionados por la meticulosa mirada de su autor.

Con estas obras, conviven otros trabajos, donde unos personajes particularmente obsesivos, experimentan ciertas catarsis vitales. A este grupo de filmes pertenecen M Butterfly (Canadá, 1993), Una Historia de Violencia (A History of Violence, EEUU, 2005) o Promesas del Este (Eastern Promises, Reino Unido, 2007), tres filmes absolutamente memorables, que complementan una fascinante filmografía. 

Algunos de los films mas destacados de Cronemberg
Algunos de los films mas destacados de Cronemberg


Cosmópolis e Influencias


En Cosmópolis (Cosmopolis, Francia, Canadá, Portugal, Italia, 2012), basada en la novela de Don Delillo, Cronenberg realizó una historia contemporánea ambientada en el Nueva York del movimiento Occupy Wall Street (ocupa Wall Street). Anclada en la realidad del momento, Cosmópolis constituye un tratado de pasmosa actualidad sobre la caótica situación que vivimos en estos días extraños, que diría el músico y poeta Jim Morrison, como consecuencia de una guerra en forma de crisis económica. Este microocosmos es el caldo de cultivo perfecto para almas desesperadas como la de Eric Parker (un apropiado Robert Pattinson, con deliberado aspecto asexuado, que acentúa la antipatía que desprende su personaje, cabron-rico-culpable-de-la-crisis), un joven broker insultantemente multimillonario (posee un avión de guerra ruso, adquirido en el mercado negro a un traficante de armas belga, al precio de ganga de 31 millones de dólares, inutilizado en un hangar de Arizona, necesitado de ciertas piezas ilocalizables) infelizmente casado (hace solo dos semanas) con una joven bellísima, de familia tan multimillonaria como él ( la actriz Sarah Gadon). Eric, envuento en una especie de “coraza” en forma de limusina (donde se crea un peculiar micro-ciber-sexi-cosmos), recorre la ciudad, empeñado en hacerse un corte de pelo en las dependencias de su peluquero de confianza, en medio de la polémica visita del presidente de EEUU, de crecientes y violentas manifestaciones antisistema y de anunciados atentados contra su vida. Las calles de la ciudad bajo el prisma de Cronemberg constituye todo un universo en ocasiones cuasi-apocalíptico, que nos hace pensar en ambientes magistralmente creados por cineastas como John Carpenter, y curiosamente recurrente en cohetáneos trabajos de cineastas tan antisistema como Abel Ferrara, Lars von Trier o Leos Carax.

El cineasta canadiense David Cronemberg ha filmado su peculiar travesía por el Mapa hacia las estrellas en Los Ángeles, el epicentro de la industria de Hollywood de la que tanto ha escapado en sus años de carrera (Cronemberg rechazó tomar las riendas de Alien 3 o Desafío Total, entre otros films de éxito) y propone una demoledora sátira de ese género conocido como “cine dentro de cine”.

Una de las primeras miradas introspectivas que realizaría la propia industria a través de un film es Espejismos (Show people, EEUU, 1928), de King Vidor, cineasta excepcional y tan famoso en su tiempo como lo es estos días por ejemplo, Steven Spieleberg. Un formidable clásico mudo, dinámico, muy entretenido, con un exquisito sentido del equilibrio entre la comedia y el drama. Hollywood empezaba a ser consciente de que el público estaba sediento de ver cosas nuevas. El año anterior el cine sonoro lo estaba cambiando todo. El Cantor del Jazz (The Jazz Singer, EEUU, 1927), de Alan Crosland, era el largometraje responsable. 



Un paso adelante lo constituye la obra maestra Crepúsculo de los dioses (Sunset Bulevard, EEUU, 1950), de Billy Wilder. Al revisionismo e introspección del cine desde su propia industria, se le añade un componente de film noir con una trama criminal, que comienza con el protagonista, el guionista y gigoló Joe Gillis (William Holden) muerto flotando en la piscina de una lujosa mansión, narrando su historia en un macabro flashback. Una película sensacional, amarga, implacable, que, como el buen cine, no sólo se conserva, sino que incluso mejora con el paso del tiempo. Wilder y sus guionistas, colocaban con mucha sabiduría, el dedo en la llaga sobre las consecuencias y el devastador efecto del paso del tiempo en la vida de una diva del ya caduco Hollywood silente, Norma Desmond (magnífica Gloria Swanson), que no se resigna a la evolución de la industria, anclada en unos tiempos pretéritos que jamás volverán.

En esas miserias humanas desarrolladas en las grandes mansiones de lujo con enormes piscinas, se encuentra el germen del atractivo punto de partida del libreto escrito por el guionista y escritor Bruce Wagner para confeccionar su particular cartografía de las estrellas, que se convierte en un instrumento preciso de navegación, en las seguras manos de David Cronoemberg.


Maps to the stars


En Maps to the stars, aparte de recuperar a Robert Pattinson como chofer de limusinas (su nombre es Jerome Fontana y, por supuesto, es aspirante a actor y guionista, manifestando en un momento determinado su intención de convertirse a la Cienciología porque opina que será beneficiosos para su carrera), Cronemberg vuelve a narrar, esta vez en clave de humor negro, un universo putrefacto y paranoico. Los personajes principales se refugian, en lugar de en vehículos de lujo, en zonas residenciales aparentemente de ensueño, convertidas lugares donde han ocurrido y ocurren cosas terribles y que sirven de residencia a seres que ejercen unas vidas ficticias, maniatadas por la dependencia al éxito, al logro de ingresos a cualquier precio, que incluye la rentabilización de sus propias desgracias, y a mantenerse en el candelero de actualidad desesperadamente. En este mapa humano tienen cabida jovencitas pirómanas, adictos al alcohol y a sustancias estupefacientes, incluso antes de tener la edad legal permitida para probarlas, gurús que imparten dudosas terapias, que más bien parecen ritos de exorcismo, fiestas plagadas de alcohol y drogas (donde se cuenta que incluso los excrementos de los famosos se venden a los incondicionales fans) y fantasmas de seres fallecidos en el pasado, o completamente imaginarios, que comparecen para torturar a quienes los ven.

Julianne Moore en Maps to the Stars, soberbia ¡Como siempre!
Julianne Moore en Maps to the Stars, soberbia ¡Como siempre!
Efectivamente, el Hollywood que diseccionan Cronemberg y Bruce Wagner (que, como Fontana, fue chofer de las estrellas en Los Ángeles), es un drama coral, que comparte con el Juego de Hollywood (The Player, EEUU, 1992), de Robert Altman, un retrato de ambición desmedida y un mordaz e implacable punto de vista en su tratamiento de la industria del cine. Para el cineasta canadiense, Hollywood es un lugar donde las estrellas son seres cuyas inseguridades, miedos y remordimientos de conciencia, proyectan la visualización de siniestros fantasmas. Un Hollywood, en definitiva, que no desentona con el entorno de otras turbadoras propuestas del cineasta canadiense y que, de algún modo, explica la repulsión que supone para el realizador el modelo de cine que representa ese lugar.

Havana Segrand (excelente Julianne Moore, ganadora del premio en el festival de Cannes 2014 a la mejor actriz), es una actriz madura, insegura, limitada y poseída por la visión del fantasma de su madre, la actriz Clara Taggart (interpretada por Sarah Gordon), una figura de culto fallecida prematuramente en un incendio. El espectro se le aparece a Havana para recordarle lo patética que es, no sólo al querer seguir los pasos de su madre, sino al contar a su terapeuta unos traumas derivados de sucesos que no ocurrieron. Segrand pretende interpretar el papel que consagró a su madre, en el remake del filme Aguas Robadas (por la que Clara fue nominada al Oscar, que no ganó, pero sí el Globo de Oro). Los productores le adjudican el goloso papel a la actriz rival Azita Watchel (Jane Heitmeyer), aunque la trágica muerte del hijo pequeño de ésta en una piscina, precipita la obtención del ansiado papel por parte de Havana, que baila con su asistente en el jardín de su mansión, contenta por su logro.

Robert Pattinson repite a las ordenes de Cronemberg
Robert Pattinson repite a las ordenes de Cronemberg
Agata Weiss (Mia Wasikowska), es una joven a la que conocemos llegando en autobús a Los Ángeles, como tantas jóvenes todos los días desde que la ciudad alberga la fábrica de los sueños. Esta joven conoció a Carrie Fisher a través de Twitter y desarrolla con ella, dice, un guión que puede ser de una película o una serie para la HBO. Fisher es famosa en la industria, no sólo por su papel de la princesa Leia en la saga galáctica creada por George Lucas, sino por ser una reputada guionista. Concretamente, sin figurar acreditada, es contratada para pulir y resolver los callejones sin salida narrativos de los libretos más complejos. Agata quemó en su día la casa donde vivía con sus padres, Stafford y Christina Weiss (John Cusack y Olivia Williams, respectivamente), y acaba de salir del sanatorio donde se le trató su piromanía criminal, que le provocó quemaduras en su cuerpo y una parte del rostro, que oculta con su cabello. Stafford es terapeuta de las estrellas y escribe un libro donde fusiona sus técnicas de terapia con sus memorias. Olivia, por su parte, está consagrada a la carrera del hijo común Benjie (Evan Bird), un engreído adolescente de 13 años que acaba de salir de una clínica de desintoxicación, por lo que está en el punto de mira de los productores que han dado luz verde al rodaje de la secuela de una franquicia de éxito. Benjie, como Havana, ve visiones. Ve fantasmas. En su caso, es una chica muerta de su edad, que le habla y le reprocha su mediocridad y le presenta en la piscina de su casa al hijo muerto de Azita Watchel.

Unos ingeniosos diálogos, una fotografía luminosa, que retrata con detalle esas enormes zonas residenciales diseñadas para vivir vidas idílicas y una puesta en escena carente de golpes de efecto visuales, acentúan la más absoluta falta de conexión de los personajes con la realidad, ávidos por vivir y experimentar “el gran sueño de Hollywood”, pero que realmente sufren “la gran pesadilla americana”.



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LOS CABALLEROS DEL ZODÍACO: LA LEYENDA DEL SANTUARIO (Saint Seiya: LEGEND of Sanctuary) es lo nuevo que nos presenta la factoría Toei Animation después de reboot estrenado recientemente en cines, Capitán Harlock. Este film de animación basado en el cómic de Masami Kurumada está conducido por Keiichi Sato y guionizado por Tomohiro Susuki. La película se estrena hoy en cines en formatos 2D y 3D.

Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario

Este reinicio de la legendaria franquicia realizada para celebrar el 25 aniversario del manga/anime de Kurumada, nos narra la cruzada de los jóvenes caballeros de bronce (Cisne, Andrómeda, Fénix, Pegaso y Dragón) que han sido entrenados para salvaguardar la vida de la Diosa Atenea.

Se trata de una película de entretenimiento puro y duro que pretende traernos de vuelta a los queridos personajes de la serie de los 90 creados por Masami Kurumada, los cuales marcaron la infancia de muchos espectadores a través de sus historias en la pequeña pantalla. Sus increíbles y majestuosas indumentarias (armaduras) en esta nueva adaptación lucen impresionantes. El largometraje que ha sido creado íntegramente por ordenador con formato de animación CGI digital, al igual que se hizo con Capitán Harlock, tiene una óptica visual muy potente, una gran espectacularidad visual, en cuanto a la animación en su puesta en escena contiene unos efectos deslumbrantes, que podemos apreciar tantos en los movimientos de los personajes como en los poderes y en sus diferentes símbolos guardianes. A pesar de haber visualizado el metraje en formato digital sin 3D se puede apreciar el gran trabajo técnico que ha desarrollado el equipo encargado de este apartado, he de suponer que con la ayuda de la estereoscopía el resultado visualmente debe de ser aún más apabullante.

Las versiones en CGI de Seiya, Shiryū e Hyoga
Aparte de recoger e intentar conservar la esencia de la historia original de Masami Kurumada y de que él mismo se haya encargado de producir la cinta, el relato respeta los caracteres de los caballeros que pudimos conocer en los episodios de la serie, con alguna minúscula diferencia en la personalidad de alguno de ellos. 

Reconozco que personalmente me gustaban las aventuras de estos míticos personajes y verlas de nuevo en la gran pantalla, aunque sean resumidas en una película de hora y media (la serie constaba de alrededor de 114 capítulos) ha producido en mí un resultado muy satisfactorio.

Aunque lo que puede no llegar a conectar o disgustar a los más fervientes seguidores de la épica saga nipona es que tenga que tener un ritmo más acelerado en cuanto a su discurso narrativo es difícil comprimir toda la historia de la serie en los 90 minutos de duración del título, en los que sus protagonistas tienen que atravesar las 12 casas y batirse con los caballeros de oro, aún así se resuelve de manera adecuada para introducirnos plenamente en la aventura.

Los efectos visuales del film hace vibrar la pantalla en cada batalla de Los Caballeros del Zodiaco.
Como pasaba con “Capitán Harlock” esta película está específicamente dirigida al fan y lector de la obra de Masami Kurumada y a los amantes de la serie, pero igualmente es una producción interesante y muy entretenida para cualquiera que desconozca por completo las hazañas de estos Santos guerreros. Y por otra parte, bajo mi perspectiva está por encima del anterior trabajo de la casa Toei Animation.

Una pequeña advertencia, hay que quedarse hasta el final, porque si no os perderéis la escena post-créditos.

Por tanto, LOS CABALLEROS DEL ZODIACO: LA LEYENDA DEL SANTUARIO es una película de animación de elevada calidad técnica, visualmente envolvente y con una historia amena que bien merece ser disfrutada en la butaca del cine.



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Fuerza Mayor banner

Avalada por una extensa lista de premios, FUERZA MAYOR (Tourist) (Force Majeure) se encuentra disponible en nuestras salas desde el pasado fin de semana. Nosotros gracias a nuestros apreciados amigos de Sensacine.com y a Golem Distribución pudimos asistir a su preestreno en los cines Golem de Madrid.

FUERZA MAYOR está dirigida y guionizada por el cineasta Ruben Östlund (Play, 2011). El cuarto trabajo del director está protagonizado por Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Vincent Wettergren, Clara Wettergren, Kristofer Hivju, Fanni Metelius y Karin Myrenberg.

Un matrimonio con sus dos hijos vive sus vacaciones esquiando en los Alpes. Cuando se encuentran almorzando en un restaurante se produce una avalancha que asusta a todo el mundo que se encuentra allí. En medio del caos Ebba, la madre llama a su esposo Tomas para que le ayude a proteger a sus hijos, y él no la responde. Tomas ha huido para proteger su propia vida. Después del susto, la avalancha se detiene sin ocasionar daños, pero el núcleo familiar se tambalea debido a la reacción del padre de los niños.

Protagonistas Fuerza Mayor
La familia protagonista del relato
El eje principal de este drama familiar con pequeños retazos de comedia es el llamado instinto de supervivencia, pero en esta obra cinematográfica está tratado a dos escalas, por una parte la reacción inesperada de uno de los padres ante el peligro de perder su propia vida y por la otra la rutina matrimonial que se mece en una parálisis crítica y emocional tras el suceso pero que ya arrastraba resquemores por actos pasados, por ello el sobrevivir a una avalancha no sólo supone estar a salvo de la muerte también remite a unas consecuencias psicológicas, en las que nos plantea el verdadero sentimiento y amor que sentimos por nuestra propia vida o el propio egoísmo que desconocemos que albergamos por dentro. Además de la supervivencia por seguir dentro de la familia que ha entrado en crisis después de tomar una actitud totalmente reprochable. La historia es un estudio sobre el comportamiento humano, una radiografía de intensidad fuerte que nos pone sobre la mesa un dilema, ¿Cómo reaccionaríamos ante tal situación?. ¿Estamos preparados para ello?. ¿Somos mejores personas que el que la protagoniza?. Cuando una cinta nos provoca tanto ejercicio reflexivo es de esas que cuando terminas de visualizar aún sigues pensando en ella.

La fotografía está muy cuidada recogiendo escenas en la nieve que inundan la gran pantalla y nos hacen viajar junto a los protagonistas.

Lo único que no me acabó de convencer del todo de este film fue su desenlace final. Durante toda la historia había llegado a empatizar y a sentirme en la piel de cada uno de sus personajes, pero a su cierre me quedé totalmente fría. 

Kristofer Hivju en Fuerza Mayor
Kristofer Hivju, al que hemos visto en Juego de Tronos, aparece también en Fuerza Mayor

Sin duda alguna, nos encontramos ante una FUERZA MAYOR que nos hace partícipes con una fuerte y apreciable historia sobre la familia, el instinto protector y la supervivencia que nos sitúa como jueces ante una disyuntiva repentina que puede cambiar totalmente el rumbo de nuestras vidas. Ese alud puede ser el detonante de una aparente ejemplar familia a la que envidias, pero detrás de cada ser humano se esconde una verdad absoluta que solo sale al exterior cuando está al límite.

En cuanto a su apartado artístico, los intérpretes emanan una gran naturalidad y soportan muy bien los primerísimos planos transmitiendo a través de sus miradas lo que sienten en cada momento.

Por tanto es de FUERZA MAYOR ver esta cinta nórdica que nos hace vivir una historia muy cercana, palpable, de las que nos hacen pensar detenidamente y de las que dan para conversar largo y tendido después de visionarla.



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EX_MACHINA se encuentra en nuestras carteleras españolas desde el Viernes 27 de Febrero gracias a Universal Pictures Spain. Esta producción británica supone la ópera prima del cineasta y novelista Alex Garland que también se encarga de firmar la historia. El título está protagonizado por Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Oscar Isaac.

Ex-Machina

Todo comienza cuando el joven Caleb (Domhnall Gleeson) un ejemplar empleado que trabaja como programador informático en Bluebook, una de las mayores empresas de internet del mundo gana el premio de vivir una experiencia única de una semana, en una gran mansión privada que se encuentra apartada en las montañas donde reside su jefe Nathan (Oscar Isaac). Allí será partícipe de un experimento científico, el cual le obligará a establecer un vínculo emocional con Ava (Alicia Vikander) la primera inteligencia artificial que se encuentra en el cuerpo de una bella mujer robot.

EX_MACHINA es una obra de gran notoriedad y más tratándose del debut cinematográfico del que la filma la película, que con este inicial trabajo se postula como un prometedor director a tener muy en cuenta con un excelente arranque que nos obliga a seguir la pista a sus futuras creaciones. Con este primer ejercicio de Alex Garland que nos invita a la reflexión sobre la inteligencia del hombre y la máquina, nos demuestra que sabe moverse como pez en el agua detrás de la cámara y sacar el máximo rendimiento de los actores que se ponen a sus órdenes. Además, es el autor de una historia que consigue atraparte de principio a fin, aunque en este campo ya está bastante versado siendo el responsable de los guiones de las películas “Sunshine” y “28 días después”.

imagen de Ex_Machina

EX_MACHINA funciona navegando en diferentes géneros, el de la ciencia ficción, el drama y el thriller (psicothriller), abordando también una historia romántica, la combinación del suspense con la estampa futurista dentro de ese búnker claustrofóbico y emocional en el que conviven el trío protagonista jugando con maestría al despiste y a lo de que nada es lo que parece elevan la función a la máxima potencia. Si bien el conductor ejecuta un trabajo digno de alabanza, también se debe de señalar a los que se ponen delante de la cámara dándolo todo, entregando unas actuaciones contundentes,y en el caso de Alicia Vikander (Un asunto real), hipnóticas, pues ella es el corazón del film, su presencia escénica es abrumadora. Sus dos compañeros de trabajo, Domhnall Gleeson (Una cuestión de tiempo, Harry Potter y las reliquias de la muerte) y Oscar Isaac, que fue nominado a un Globo de oro por su rol de cantante folk en A próposito de Llewyn Davis también se lucen muy bien en sus papeles.

Por otra parte, como dato curioso en el film, el personaje de Caleb, el ingenuo empleado, participa junto con Ava en el conocido test de Turing que trata de demostrar la existencia de inteligencia en una máquina, dicha prueba se basa en que si una máquina se comporta en todos los aspectos como inteligente, entonces debe ser inteligente. El magnate tecnológico hace las veces del juez que está detrás en el laboratorio observando cada respuesta y desarrollo de la relación entre el robot con IA y el ser humano.

Domhnall Gleeson en EX_Machina
Domhnall Gleeson
EX_MACHINA cuenta con reminiscencias a Yo, robot (2004), cinta inspirada en el relato de Isaac Asimov. En cuanto al lazo afectivo que tiene el protagonista con la inteligencia artificial nos recuerda al que tiene el principal con Samantha, su sistema operativo en Her (2013) de Spike Jonze. Y en relación al robot con IA, apariencia humana y sentimientos también nos evoca al film de Steven Spielberg titulado Inteligencia Artificial (2001).

En el apartado técnico de la cinta, EX-MACHINA ofrece un nivel muy alto, los efectos especiales están muy logrados, percibiendo realismo en todo momento.

Por tanto, EX_MACHINA se convierte en una propuesta necesaria para cualquier amante del género de ciencia ficción que, además, quiera una buena dosis de intriga con un reparto excelente que se entrega en sus registros y que goza de un argumento envolvente.



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LA MUJER DE NEGRO 2: EL ÁNGEL DE LA MUERTE (The Woman in Black 2: Angel Of Death) se estrena hoy viernes 27 de Febrero en nuestras salas de cine de la mano de eOne Films. 

'La mujer de Negro: El Angel de la muerte

Se trata de la continuación del film “La Mujer de Negro” el remake que se estrenó en 2012 y que fue conducido por James Watkins y protagonizado por el actor que dio vida en la gran pantalla al archiconocido mago Harry Potter de la exitosa saga literaria creada por J.K. Rowling, Daniel Radcliffe. 

En esta ocasión,  la cinta está orquestada por Tom Harper (The Borrowers, War Book) y al servicio del mismo se han puesto Phoebe Fox, Helen McCrory, Jeremy Irvine, Oaklee Pendergast, Andrian Rawlins, Thomas Arnold y Ned Dennehy. Como su antecesora esta producción está basada en la novela homónima de Susan Hill de cuya adaptación al guión se ha encargado el argumentista Jon Croker.

Si la anterior parte se ambientaba en una Inglaterra rural de 1900, ésta nos traslada a la época de la Segunda Guerra Mundial, donde ocho niños bajo la tutela de su profesora Eve Parkins (Phoebe Fox) y la directora del colegio Jean Hogg (Helen McCroy) son evacuados de Londres para evitar el peligro de la guerra y trasladados a una pequeño pueblo donde conocerán a Harry Burnstow (Jeremy Irvine) un valiente piloto de la RAF, que junto con éste último acabaran alojándose en una apartada y vieja casa situada en una isla. El nuevo hogar que les sirve como refugio aparentemente parece solitario, pero pronto empezarán a notar una aterradora presencia que pondrá en riesgo sus vidas.

Fotograma de La mujer de Negro 2: El Angel de la Muerte
La llegada al refugio

Si personalmente no me convenció la primera entrega, ésta hace que, sin duda, su predecesora. parezca mucho mejor  La primera contaba con el reclamo de un intérprete al que mayormente conocemos en su rol de Harry Potter y que nos apetecía ver en otro registro, evolucionando con personajes más maduros y diferentes alejados del famoso mago con el que saboreó las mieles del éxito y fue catapultado a la fama. En aquella la atmósfera creada por su realizador era mucho más turbadora e inquietante. Tenía un ritmo más sólido y una historia que daba más juego que ésta nueva. Aquí se da lugar a una breve y poca dibujada historia romántica que parece de relleno al no tener ningún tipo de sentido cuando no se desarrolla bien ni se le da importancia en la trama. El plantel de actores que principalmente protagonizan el supuesto relato de terror (digo supuesto, porque a mí no me dio ni un pizca de miedo) son Phoebe Fox, una actriz con más trabajos en la pequeña pantalla a cuestas que cinematográficos y el pequeño intérprete Oaklee Pendergast que ya apunta buenas maneras en el mundo interpretativo, para mí el que mejor trabaja en el film y que protagoniza las situaciones que pueden transmitirnos más angustia. La cara más conocida del largometraje es la de Jeremy Irvine al que vimos en la película de Steven Spielberg, “War Horse” (2011) y más recientemente en la cinta “Un largo viaje” (2013), en un personaje muy desaprovechado, que queda en un segundo plano con una presencia intermitente a lo largo del metraje. En general en el terreno artístico las actuaciones son correctas.

Jeremy Irvine y Phoebe Fox en "La mujer de Negro 2"
Jeremy Irvine y Phoebe Fox en "La mujer de Negro 2"

Como ya comentaba, el título no resulta una experiencia sobrecogedora ni satisfactoria, se utilizan elementos clásicos del cine del terror, los típicos sustos que intentan pillarte desprevenido pero que resultan totalmente predecibles, carentes de suspense y que no te hacen ni saltar ni amarrarte a la butaca, antiguos muñecos (en este caso de cuerda), figuras fantasmagóricas, ruidos, puertas y ventanas que se abren y cierran, casa apartada en ruinas, juego de luces y sombras y todos los clichés explotados del género. Lo mejor de la película es la fotografía que está a cargo de George Steel y los escenarios, particularmente la casa de estilo gótico donde habita la espectral mujer de negro y cuando contemplamos la isla que sólo se comunica con tierra firme por la carretera de las Nueve Vidas y, porque no, los episodios en los que los protagonistas también tienen que enfrentarse a sus propios miedos interiores teñidos de un pasado oscuro que se mezclan con los que se enfrentan en la espeluznante residencia.

"La mujer de Negro 2"
La fotografía, lo más destacable del film

En LA MUJER DE NEGRO 2: EL ÁNGEL DE LA MUERTE se echa de menos una propuesta más arriesgada y distinta que impacte más y deje más huella en el espectador. Se trata de una película del montón y fácilmente olvidable y que encima se estrena al mismo tiempo que dos producciones muy esperadas e interesantes como lo son Kingsman: Servicio Secreto y Ex Machina.



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Clint Eastwood viene a demostrarnos, una vez más, que está en plena forma para seguir dirigiendo. Y prueba de esto, es la película “El francotirador”, la historia basada en hechos reales de Chris Kyle, integrante de la Marina estadounidense, que abatió a más de 160 personas sólo con su rifle.

Crítica de El Francotirador

¿Cuándo se cansará Clint Eastwod de hacer buen cine? ¿Cuándo este originario de San Francisco, California dejará de seducirnos con sus obras cinematográficas? Tal vez no muy pronto y eso se agradece como espectador y admirador de la mayoría de sus films.

Cuando se sienta en la silla de director, pocos igualan a este clásico americano. Como los buenos vinos, sólo mejora con el tiempo. Verbigracias de sus magníficas películas sobran a lo largo del tiempo: “Bird”, “Sin perdón”, “Un mundo perfecto”, “Mystic River”, “Million Dollar Baby”, “Gran Torino”, etc. Y todo apunta a que este soberbio cineasta perfeccionará aún más su quehacer fílmico.

Una muestra de ello es “El francotirador”. Metraje realizado en 2014, que cuenta la verídica historia de Chris Kyle, elemento de la brigada Mar, Aire y Tierra de la Marina de los Estados Unidos (conocidos como navy SEALs), que se convierte en una ‘leyenda’ al haber abatido a más de 160 adversarios en batalla, una especie de ‘halcón humano’, por su precisión para el disparo a larga distancia, superando trayectorias más allá de los 1500 metros.

Bradley Cooper en una escena de El Francotirador
Esta mortífera habilidad llevará a Kyle (Bradley Cooper) a convertirse en el principal amuleto de las tropas estadunidenses diseminadas en Irak. Con el paso de sus intervenciones en cada uno de los ‘llamados al deber’, la psique de Kyle va siendo vulnerada por la natural neurosis que una guerra provoca en la mente del hombre; con cada incursión, el síndrome de estrés postraumático de Chris se va acentuando y comienza a ser una seria preocupación para su esposa “Taya” (Sienna Miller).

El fluir orgánico de Eastwood se hace presente en los encuadres donde Kyle demuestra su pericia para los blancos lejanos: Chris espera paciente, recostado en el terreno, con los ojos puestos celosamente en la mirilla de su rifle, una atmósfera de incertidumbre se hace presente; todo ello lleva algunos minutos que no provocan desesperación en el espectador, sino más bien sentimos la angustia que acompaña los silencios visuales de Clint, hasta que se detona el disparo inevitablemente mortal.

Bradley Cooper en El Francotirador
Kyle, el personje de Bradley Cooper se va derrumbando poco a poco
Eastwood perfecciona su obra con la ayuda de un actor que, al igual que el cineasta, ha ido mejorando su trabajo fílmico en cada oportunidad: Bradley Cooper. Con dos trabajos previos dignos de celebración, como lo fueron El lado bueno de las cosas (2012) y “La gran estafa americana” (2013), Cooper ha sabido moverse en aguas por demás diversas.

Con su mirada de tonalidades azules, la nariz afilada y su sonrisa apenas sugerida que dibujan un plano completo de emociones por venir, elige la más precisa, la que transmitirá lo que su personaje busca en ese momento, el ánimo del instante: concentración para matar, el deleite con la esposa o el fraternal consejo hacia el hijo.

Sienna Miller en El Francotirador
Sienna Miller asume el papel de la esposa del "Francotirador"

El montaje del film está impecablemente diseñado para crear la tensión que se requiere en los instantes previos a los certeros y mortales disparos de Kyle; también en las miradas de dos vías durante los interludios recriminatorios que se dan entre “Taya” y “Chris”; asimismo en los segundos en que “el francotirador” estrella de la Marina estadunidense se encontraba absorto en sus propios pensamientos, volviéndose completamente ajeno a lo que le rodeaba. Un trabajo que termina siendo excelso en su totalidad, gracias a las buenas maneras de Joel Cox y Gary Roach, responsables principales del departamento de edición de esta película.

“El francotirador” conlleva en sí misma el trazo artístico que tiene la firma inconfundible de su autor: Clint Eastwood, quien no apela a los convencionalismos del sentimiento para afianzar su historia, sino que el eje conductor de la trama, que es el personaje de Chris Kyle, consolida este film al verter en la pantalla los estados de ánimo a los que se enfrenta un ser humano entrenado para matar, una persona que tiene un ‘don’, que resulta útil a los propósitos de algunos y en contraparte, se convierte en una desgracia total para otros.



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