Crítica de "Ant-Man", la efectiva película del Hombre Hormiga

20 portadas clásicas de cómics en versión animada

Crítica de "Del Revés" (Inside Out), un nuevo acierto de Pixar

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Crítica de "La Horca"

No creo que el género del terror esté en caída libre, pero de vez en cuando surgen ejemplos del mismo que no invitan al optimismo precisamente. Como digo, hay excepciones, como Expediente Warren, de James Wan, el que se ha coronado como maestro actual de este tipo de películas, pero este también tiene un pequeño patinazo con la saga Insidious. Hay que reconocer que Wan ha encontrado un buen nicho de mercado, y lo está explotando bastante bien, sobre todo si la segunda parte de los Warren continua al nivel de la predecesora. ¿Por qué digo esto? Pues porque se trata de cintas que, ante todo, tienen guión y eso incluye un desarrollo de personajes con los que podemos conectar y sentirnos identificados en cierta medida. Esto es muy importante, pero no todas los films lo cumplen, y entonces lo que se desencadena es un fracaso de la película en sus planteamientos. La Horca tiene buenos planteamientos para ser una cinta de las de temblar de miedo durante varios días, pero flaquea en los personajes y en su concepción, supongo que será debido a que no se ha querido hacer una película con ella, sino fabricar un producto de marketing para adolescentes que están de vacaciones. Y es que conviene currarse un poquito mejor los guiones aunque solo sea para lograr algo medianamente coherente.

Imagen de la película "La Horca"
Producida por Blumhouse, responsables de las sagas Paranormal Activity, Insidious o Sinister , "La Horca" llegará a nuestras pantallas el 31 de Julio para intentar que nos encojamos de puro terror. Personalmente, de esta película, he sacado en claro un buen ataque de ansiedad en determinados momentos y un gran aburrimiento. Es de agradecer que su duración sea de poco más de hora y veinte. Pretende ser una Leyenda Urbana de un instituto americano, en donde encontramos personajes estereotipados, una división social entre frikis y populares, algo manido y repetido hasta el hartazgo, y los rumores sobre que, en el teatro del “insti”, pasan cosas muy raras, las puertas se cierran, las luces se van solas y vuelven etc. Los hechos comienzan en 1993, con la representación de una obra teatral llamada The Gallows, en la que el protagonista acaba ahorcado. Hay un fallo con el atrezzo de la horca y el chaval que lo interpreta muere de verdad. Su espíritu se queda atrapado en el instituto.

El fantasma de la película "La Horca"

Pasan los años, y los protagonistas de nuestra historia, Cassidy, Reese, y Ray se cuelan por la noche en el centro escolar para destrozar el decorado de la obra. Su gracieta les costará la vida, porque hay un fantasma con ganas de sangre. Y hasta aquí el argumento de la película, el cual, no deja lugar a sorpresas de ningún tipo y es absolutamente previsible. Por lo demás, y como siempre digo, esto no es más que una opinión subjetiva, vosotros elegís si queréis verla o no.



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Tratar de definir lo que son las emociones es una encomienda bastante difícil, según los psicólogos profesionales, por lo que es más sencillo intentar enumerarlas. Lo que sí está claro, es que las emociones se diferencian del pensamiento, los sentidos y la memoria. Ahora bien, de esa interminable lista de emociones, Pixar ha elegido 5 de ellas: alegría, tristeza, miedo, ira y desagrado, para que, con toda la magia que caracteriza a esta genial casa de animación, aquéllas tomen vida en la mente de una pequeña niña.

Las emociones de "Inside Out"

 Pixar Animation Studios viene a presentarnos su décimo-quinto largometraje titulado “Del revés”, que cuenta la historia de la pequeña “Riley” (Kaitlyn Dias) y el viaje que haremos al interior de sus emociones, donde cada una de éstas tendrá un papel preponderante para su vida futura.

Las emociones comienzan con “Joy” (Amy Poehler), que viene a representar la alegría, la felicidad, el placer o la dicha que la niña experimenta en cada una de sus interacciones con el mundo exterior, principalmente con sus padres, “Papá” (Kyle MacLachlan) y “Mamá” (Diane Lane).

Después está “Sadness” (Phyllis Smith), que es la tristeza que embarga a “Riley”, cuando está siente congoja, pesar o melancolía; por supuesto que el miedo no podía faltar, personificado por “Fear” (Bill Hader); otra emoción básica que cuenta con personaje en este film es la ira, representada en “Anger” (Lewis Black); para finalizar con el desagrado, en manos de “Disgust” (Mindy Kaling).

"Riley" es una niña sociable, simpática y afable, así que su emoción principal es la alegría, es decir, “Joy”, quien se convertirá en el eje conductor de la historia.

Ante el cambio de residencia de Minnesota a San Francisco, “Riley” experimenta una desestabilización emocional que cimbrará la ordenada estructura que mantenía “Joy” respecto a las otras emociones; éstas, “Sadness” (tristeza), “Fear” (miedo), “Anger” (ira) y “Disgust” (desagrado) comienzan a tomar un rol más protagónico en la psique de la pequeña y en consecuencia, en sus reacciones para con sus padres.

Riley, la protagonista de "Inside Out"

Esta penosa situación comienza por desgajar los cinco pilares de “Riley” (que son alimentados por los “pensamientos centrales” de la chiquilla), a saber: “las boberías” (los tontuelos juegos con sus padres), “la amistad” (sus amigos que deja en Minnesota), “el hockey” (su pasión y su interés principal), “la honestidad” (el nunca cometer actos reprobables) y “su familia” (el núcleo de su amor), por lo que “Joy” necesitará de toda su habilidad y audacia para que “su mundo” no se desmorone por completo, confiando con la cooperación, claro está, de las otras cuatro emociones ya mencionadas.

Pete Docter, el responsable principal de esta urdimbre emocional, tiene antecedentes que permitían vislumbrar un metraje con espléndidos resultados, no por nada recibió un merecido Oscar® por su film “Up” (2009), y cómo olvidar esa tierna y divertida maravilla animada que fue “Monstruos, S.A.” (2001).

Este geniecillo de la animación cuenta en sus alforjas como escritor con destacadísimas películas como la saga de “Toy Story” y “Wall-E. Batallón de limpieza”. En su mente pudo concebir esta extraordinaria trama: cómo las emociones toman vida en la mente de “Riley”, además de la divertida interacción entre aquéllas y lo determinantes que resultan ser en la vida de la niña; todo esto no es más que una muestra de la cima creativa que ha alcanzado este escritor y brillante cineasta.

Es una delicia visual y argumental la locuaz dicha de “Joy”, la cómica irritabilidad de “Anger”, el divertido temperamento pálido de “Fear”, el socarrón desprecio de “Disgust” y la melancolía de “Sadness”, que a cada momento manifiesta sus chuscos pesares.

Alegría y Tristeza en "Inside Out" (Del Revés"

Asimismo, el originario de Minnesota (un guiño que incide en su guión), tiene el enorme acierto de colocar un personaje que, a mi parecer, fue el más entrañable de todos, el amigo imaginario de “Riley”, quien la acompañó en los momentos más felices de su infancia. No lo pierdan de vista, les encantará.

Docter tiene la habilidad de tocar un momento muy importante en la vida de “Riley” y que significará un punto de inflexión en la vida de ella, y Pete no sólo lo hace muy divertido, sino también con un fino toque de reflexión que conmueve.

Docter nació para la Casa Pixar, pues ambos se esmeran en presentar productos frescos, de calidad, que mueven la fibra del corazón y todo ello con el eje clave de su vasta creatividad: la intensa diversión. Gran cosa.


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Crítica de "Pixels, la película"

Lo primero, antes de entrar en materia, tengo que decir algo que, seguramente no sea importante, pero que me sirve para desahogarme un poco, lo digo por la primera sensación que me ha dejado la peli: ¡Qué mayor soy ya!

Sí, tras ver esta cinta eso es lo primero que me ha venido a la mente, ese sentimiento a caballo entre la nostalgia y la diversión que he experimentado al verla. Madre mía, yo soy hijo de los años 80, nací a finales de esta década, pero aun así, he crecido en salas de Arcade y he jugado al Super Mario, al Street Fighter, al Donkey Kong, y seguramente a algunos más que ahora mismo no me vienen a la cabeza. Pero bueno, el tema es que, aparte de este repentino ataque mío, Pixels es una película muy divertida, muy entretenida y sobre todo, un ejercicio de creatividad y originalidad que me ha dejado particularmente satisfecho. Vale, es una cinta sobre invasiones alienígenas, pero nunca pensé que la llegada de unos marcianos cabreados fuese tan guay y cañera.

Protagonistas de Pixels, la película
Los Arcaders, el equipo especialista en videojuegos
Y ello gracias a la magia de Adam Sandler y Chris Columbus. Sí, estais leyendo bien, Adam Sandler ha conseguido sorprenderme y agradarme, algo que no conseguía desde los tiempos de Little Nicky, cuando hacía de hijo del Diablo. Y Chris Columbus, en fin, muy lejos quedan los tiempos de las dos primeras pelis de Harry Potter, la última vez que le vi tras las cámaras. Lo fenomenal es que, ya tenemos una nueva peli suya con la que celebrar el Columbus Day con los chicos de The Big Bang Theory, aparte de Los Goonies, El Secreto de la Pirámide o Gremlins. 

Sandler interpreta aquí a Sam Brenner, un niño que como otros hijos de su generación, creció en esas salas de recreativos, pero es que además era un crack, alguien capaz de ver los patrones y reglas de los juegos y dominarlos. Sam se presenta a un campeonato mundial, y allí es derrotado por Eddie (Peter Dinklage, nuestro querido Tyrion Lannyster en “Juego de Tronos”). Años después, Eddie no ha cumplido con el sueño de ir al MIT, se dedica a instalar aparatos electrónicos y su mejor amigo Cooper (Kevin James, conocido por la sensacional cinta “Hitch”, protagonizada por Will Smith) ha llegado a Presidente de EEUU. Es en este contexto cuando unos misteriosos alienígenas llegan a la Tierra con la intención de destruirnos. Pero en "Pixels", los aliens tienen la forma de Pac-Man, Donkey Kong, los míticos Marcianitos, SuperMario y un largo etc. de videojuegos ochenteros, por lo que, la última esperanza del mundo reside en Sam y en su séquito, completado por Ludlow (Josh Gad de “El Gurú de las Bodas”) y Michelle Monaghan (Misión Imposible 3)

Donkey Kong Pixels
Donkey Kong es uno de los personajes malvados de Pixels
Ellos forman el grupo de héroes conocido como los Arcaders que deberán librar una batalla a vida o muerte, especialmente Sam, quien además ajustará cuentas con su pasado para consolidarse como el gran experto jugador que siempre ha sido. Una aventura realmente extraordinaria, muy entretenida y sin ningún tipo de pretensiones especiales. La única pega que puede tener "Pixels" es su funcionamiento en la taquilla, debido al público objetivo tan concreto al que se dirige. Por lo demás, es un gran estreno para huir del calor veraniego y disfrutar del cine palomitero en estado puro.


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Crítica de "Ant-Man", la película del Hombre Hormiga
 
Otro de los blockbusters del año que llega pisando fuerte, ANT-MAN es otra apuesta e inicio de una nueva franquicia ambientada en el mundo del cómic que huele a otro taquillazo de Disney después de su recién estrenado film de animación DEL REVÉS “Inside Out” líder en cartelera.

ANT-MAN se estrena el 24 de julio y está orquestada por el cineasta Peyton Reed diestro esencialmente en cintas de corte romántico como “Abajo el amor” (2003) y “Separados” (2006), bajo su dirección y delante de las cámaras se han puesto Paul Rudd, Michael Douglas, Evangeline Lilly, Corey Stoll, Judy Greer, Michael Peña y Bobby Cannavale con libreto que firman el equipo de guionistas Edgar Wright, Joe Cornish y Adam McKay basado en la historia original del cómic de Marvel creado en 1962 por Stan Lee, el guionista Larry Lieber y el dibujante Jack Kirby.

ANT-MAN nos cuenta la historia del brillante científico Hank Pym (Michael Douglas) que en tiempos atrás logró, a base de experimentos, modificar su tamaño hasta equipararlo al de un insecto con el uso de un traje y un casco con el que puede comunicarse con las hormigas y trabajar con ellas. En la actualidad, su pupilo Darren Cross (Corey Stoll) al que cedió los mandos de su imperio empresarial ostenta lograr la misma creación con su Chaqueta amarillacon el fin de venderla a una corporación muy peligrosa que supone una gran amenaza para el bienestar de la humanidad. Es el momento que un nuevo ANT-MAN tome el relevo de Hank para salvar al mundo de un desastre inminente, y el presidario genio de la electrónica, Scott Lang (Paul Rudd) es un buen aspirante a poder recoger su testigo.

Paul Rudd y Michael Douglas en "Ant-Man"
Rudd y Douglas en "Ant-Man"


¿Qué puede aportar Ant-Man frente a las demás adaptaciones cinematográficas ambientadas en el universo impreso marvelita? Para empezar un rostro nuevo como el diminuto superhéroe protagonista de la función del que hace buen gala un actor al que estamos acostumbrados a verle en comedias americanas, Paul Rudd (Si fuera fácil, Juerga hasta el fin) se enfrenta a un nuevo reto saliendo de su registro habitual y lo supera con creces, ganándose la simpatía, aceptación y respeto del espectador y luciéndose como un “Hombre Hormiga” inteligente, emocional, personal, carismático y sobre todo muy humano que le puede catapultar directamente a la cúspide del éxito y a hacerse con el personaje al que interpreta, como a muchos actores se les asocia directamente con sus personajes de igual modo que ya lo hicieron Hugh Jackman como Lobezno, Robert Downey Jr. como Iron Man o Chris Hemsworth como Thor, que han logrado que el público general les identifique rápidamente con estas figuras heroicas de la factoría Marvel.

Si bien es cierto que todo prólogo condensa más expectación jugando con el preludio a la gestación de un hombre destinado a salvar el mundo y su proceso hasta llegar a ser el héroe como pasó con la primera parte de la trilogía “Iron Man” (2008) firmada por Jon Favreau, el “Thor” (2011) Shakesperiano del realizador de Belfast Kenneth Branagh o las franquicias de Spiderman con un gran poder conlleva una gran responsabilidad, en este además, estamos frente a un humano que se encontrará ante la oportunidad de redimirse, el anti-héroe que estando perdido puede encontrar en su nuevo sino el motor que le libere de su pasado. Con una historia dividida en dos partes, la inicial para presentarnos al personaje principal para entender el nexo que se produce entre él y el Dr. Hank Pym encarnado por el conocido actor Michael Douglas (muy de moda sumar en el reparto veteranos en el arte de la interpretación, como Robert Reford en "Capitán América: El soldado de Invierno", 2014 o James Spader en "Vengadores: La era de Ultrón", 2015) y su hija Hope van Dyne en la que se mete en la piel la actriz conocida por su papel en la famosa serie Lost (2004) Evangeline Lilly y vista recientemente en la saga de “El Hobbit” de Peter Jackson. Y la segunda división del relato que procesa más acción en cuanto a su discurso narrativo comprendiendo las escenas que engloban los enfrentamientos con el antagonista de Ant-Man, Darren Cross al que da vida correctamente el actor Corey Stoll (House of Cards, Midnight in Paris, Non-Stop). Los personajes de Hank, Hope y Scott Lang son los pilares interpretativos en los que se sustenta esta obra fílmica, ocupando el mayor tiempo en pantalla y compartiendo protagonismo. Se compenetran bien y como consecuencia el resultado positivo queda plasmado gracias a una eficiente dirección artística y una trama que se desarrolla a un ritmo adecuado.
Evangeline Lilly en "Ant-Man"
Evangeline Lilly como Hope Van Dyne

En cuanto a su elenco de actores secundarios, a destacar a Michael Peña (Corazones de Acero) que participa en momentos especialmente divertidos del título y Bobby Cannavale (Blue Jasmine) que supone un segundo a bordo de lujo dada su facilidad camaleónica en mostrar su lado artístico con tonalidades más cómicas y sus matices más serias, en definitiva un actor todoterreno. Sin embargo, la actriz que parece estar encasillada como eterna secundaria es Judy Greer, pero a la que no le falta trabajo en superproducciones como Jurassic World, aquí como ex-mujer del nuevo Ant-Man pasa totalmente desapercibida.

Ant-Man es una experiencia excitante y enormemente estimulante que contiene acción, diversión, mucha espectacularidad visual, que estando apoyada con la técnica tridimensional nos sume en las profundidades de una historia épica, extraordinariamente interesante y definitivamente absorbente. El submundo visto a través de las lentes del pequeño héroe nos trae reminiscencias a aquel pequeño clásico de finales de los ochenta “Cariño, he encogido a los niños” ofreciéndonos unas magníficos fotogramas bajo la mirada del director de fotografía Russell Carpenter que nos regala unas imágenes explosivas y de las que impresionan bajo los efectos especiales comparables a los de “Guardianes de la Galaxia” (2014). Por cierto el casco del protagonista Ant-Man con el de Star Lord tiene una cierta similitud estética.

Alimenta el alma friki con sus divertidas y numerosas alusiones a otros superhéroes marvelitas, sin dejar su particular huella de lado, el típico humor habitual a base de chistes y chascarrillos varios también está presente en la cinta consiguiendo hacer las delicias de los fans del género.

La soundtrack original del film que corre a cargo del compositor canadiense ganador de un Emmy Christophe Beck (Serie Buffy Cazavampiros, Terminator Génesis) es magnética, electrizante y está en consonancia con cada episodio que se origina en este nuevo lanzamiento marvelita.

Traje final de "Ant-Man"
El traje de Ant-Man en todo su esplendor... o casi.

Respecto a las conexiones directas con “Los Vengadores” se producen a través de... ¡ATENCIÓN SPOILER MARCA/SUBRAYA CON EL CURSOR PARA LEER! de Halcón (Anthony Mackie) en plena búsqueda de Ant-Man de un artefacto muy valioso que se encuentra en las instalaciones de “Los Vengadores” y que le es necesario confiscar para llevar a cabo la misión encomendada por su mentor Hank Pym. También aparecen personajes relevantes de las otros títulos marvelitas, ¡SPOILER! así podremos ver al padre de Tony Stark o la agente Peggy Carter, alusiones a la maléfica corporación HYDRA y a la agencia S.H.I.E.L.D.. FIN SPOILER. Y en las dos escenas post-créditos que vienen de regalo tras haber disfrutado de esta entretenida aventura de cine que son muy importantes visionarlas ya que nos revelan datos muy interesantes de lo que está por venir en las siguientes películas, SPOILER en la primera veremos un traje parecido al de la mujer de Hank Pink alias “La Avispa” y en la segunda tenemos como protagonistas a Steve Rogers Aka Capitán América y Sam Wilson (Halcón) donde se ve que han encontrado y encerrado en un almacén a Bucky Barnes (El soldado de Invierno) y piensan ocultárselo y tener al margen a Tony Stark de sus futuros planes.FIN SPOILER. Por supuesto no podía faltar ese sorprendente y siempre gracioso cameo del gran Stan Lee con una aparición fugaz pero que se graba fácilmente en nuestras retinas y que se produce a lo largo de la película. ¡SPOILER!. Aparece en una escena en la que interpreta a un camarero en la que se hace referencia al personaje de Spiderman. FIN SPOILER.

Como conclusión, ANT-MAN mantiene el tipo y alcanza el nivel de las otras producciones basadas en los cómics de la casa Marvel, aunque personalmente me gusten más las dos películas de Los Vengadores o Guardianes de la Galaxia, es ya cuestión de gustos. Esta cinta enlaza directamente con la nueva entrega de la saga Capitán América, Capitán América: Civil War, pero antes llegará en agosto a nuestras pantallas el reboot “Cuatro Fantásticos”.




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Crítica de "Rey Gitano"
El Jueves pasado, como parte del equipo de "De Fan a Fan" y por cortesía de Entradasymás y Eone Films, pude asistir en los Cines Dreams de Madrid (en el Palacio de Cristal), al preestreno de “Rey Gitano”,  la última película de Juanma Bajo Ulloa. Una presentación que, tras un breve retraso, mantenía una sala llena y expectante de lo que Ulloa era capaz de mostrar. Fue un día de presentaciones y se notaba en los actores el lógico cansancio de la jornada.

El director de películas como “La madre muerta”(1993), “Airbag”(1997) o “Frágil” (2004) se presentaba once años después ante el público con un film que asegura, no es un “Airbag 2” aunque guarda sus referentes más peculiares y que le hizo ganar dos premio Goya en su XII Edición.

En “Rey Gitano”, Arturo Valls es “El Gaje”, un gitano seductor que propone a nuestra pareja , en primer lugar unos insospechados detectives, una misión que les permita cambiar la suerte de los tres. Jose Mari (Karra Elejalde) y Primitivo (Manuel Manquiña) aceptan el trato que les ofrece Gaje y que destapará más de un secreto de estado “real”.

Arturo Valls, Manuel Manquiña, Juanma Bao Ulloa y Karra Elejalde

Juanma Bajo Ulloa nos presenta una comedia de personajes y enredo. Una road trip prácticamente coral en su distribución de actores que nos hace viajar a través de caserones victorianos, casas reales, coches y hasta cuartos de baño. Durante este viaje, alcanzaran Vitoria, Cataluña, Madrid e incluso Andalucía en beneficio de la misión que se les encomienda.

Es de destacar la multitud de matices que puede presentar Ulloa en una película que derrocha crítica y humor absurdo a diferentes niveles. Desde viajes oníricos en autobús (no se lo pierdan) y una España de la canallesca gamberra en la que hacen lo posible por un trozo de tortilla o contemplan la escena de un crimen “accidental” desde la perspectiva de una paella de marisco. Grandes situaciones en las que te exigirá, tras una coreografía de dirección, volver a visionar el film para no perderte los detalles.

Karra Elejalde y Manuel Manquiña en "Rey Gitano"
¡Hola Don Pepito! ¡Hola Don José!
Lo mejor, sin duda, es la pareja de detectives catastróficos (Elejalde y Manquiña) que guían y sostienen el peso del film que, en ocasiones, puede resultar sobrecargado para un público que no esté acostumbrado a soportar los monólogos que apoyan a los personajes de Jose Mari y Primitivo.

En la película encontramos sin embargo a un Arturo Valls que no acaba de encontrarse cómodo en el papel que se le asignan, de emprendedor de la misión y que tiene cambios de registros con frecuencia que nos hace no creer en su personaje. Grata sorpresa sin embargo es encontrar Manuel Molina, fallecido recientemente, en una de sus últimas apariciones realizando un papel que realmente, solo él puede realizar.

A “Rey Gitano” no le falta crítica política a todos los estamentos, reales, institucionales y religiosos en los que de la boca de Primitivo y Jose Mari, o desde los propios actos de los personajes (irreconocible Santiago Segura, no acreditado, como Conde de Segura) dejan constancia de sus acciones.

Juanma Bajo Ulloa y Arturo Valls en el rodaje de "Rey Gitano"
“¡Cagüen! ¡Un respetito!”

“Rey Gitano” es una obra cómica y crítica que como citaba el personaje de Jack , bajo la pluma de Oscar Wilde en “The Importance of Being Earnest” 

“Estoy harto de tanta inteligencia. Todo el mundo es inteligente hoy en día. No puedes ir a ningún sitio sin encontrarte gente inteligente. La cosa se ha convertido en un verdadero defecto público. Le ruego a Dios que nos permita conservar unos cuantos tontos.”

Dejen que los tontos hablen de los inteligentes y les escuchemos.

“Rey Gitano” se estrena el 17 de Julio en salas de toda España.



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Crítica de "Del Reves" (Inside Out)

Hoy recibimos en nuestros cines el estreno de la nueva producción de los estudios Pixar y Walt Disney Pictures “DEL REVÉS” (Inside Out). Este título está co-dirigido por los realizadores Pete Docter y Ronaldo Del Carmen y guionizado por Michael Arndt y Josh Cooley. El reparto de actores principales que han prestado sus voces en la versión original del largometraje son Amy Poehler (Alegría), Bill Hader (Miedo), Lewis Black (Ira), Mindy Kaling (Enfado) y Phyllis Smith (Tristeza).

En “DEL REVÉS” conocemos a Riley (Kaitlyn Dias), vamos viendo cómo crece y desarrolla su vida felizmente junto a sus padres, pero cuando tiene que abandonar su hogar en el Medio Oeste porque su padre ha conseguido un nuevo trabajo en San Francisco se enfrenta a su primer bache en la vida y sus emociones entran en conflicto. Riley al igual que cualquier ser humano es guiada por sus emociones que viven en Cuarteles Generales, en el centro de control de la mente de Riley, y son las que la ayudan y asesoran en su vida cotidiana.

 Riley y sus padres en Inside Out (Del Reves)
Riley y su familia

“DEL REVÉS” goza de un estilo propio personal con un guión extraordinariamente original, algo que hoy en día se agradece exhaustos de tantos remakes, precuelas, reboots, secuelas...de la carencia en general de fabricar nuevas e ingeniosas historias que amarren al espectador a la butaca como lo consigue esta magnífica nueva obra de animación. Es apta tanto para el público infantil como para el adulto y lo más importante la disfrutarán a partes iguales, convirtiéndose en una experiencia intensa que se identifica con el asistente a la función y que resulta totalmente cautivadora.

Este film universal, vitalista y sorprendente que contagia “emociones”, posee una sobresaliente factura técnica con un buenísimo trabajo en la animación, además de una increíble imaginación en el diseño de los personajes (me encanta especialmente el de Ira) y en las diversas islas (payasadas, hockey, amistad...). El increíble y entrañable personaje Ding Dong que está mezclado con diferentes razas de animales y los múltiples guiños y gags que podemos hallar en esta deliciosa pieza cinematográfica como el estudio de sueños.

Los habitantes de la mente de Riley en Inside Out (Del Reves)
Los habitantes de la mente de Riley
En cuanto a su singularidad en la trama, en su hermoso estallido de colores, en ese particular universo que toma consciencia para sumergimos plenamente en algo nuevo, me recordó a la franquicia de Lluvia de Albóndigas también con su trasfondo y mensaje analítico y profundo, de lo que estamos compuestas las personas por dentro, no somos un sistema mecanizado, nuestras emociones nos guían y a veces es necesario sentirse de una determinada manera para lograr apreciar lo que tienes o has perdido, simplemente es una brillante reflexión.

Después de ser ovacionada en Cannes y de convertirse en la segunda mejor apertura en la historia de una película de animación de Disney en la taquilla estadounidense llega para batirse en duelo con otros blockbusters veraniegos que ya están en cartelera como Los Minions que consiguieron destronar al taquillazo Jurassic World y Terminator Génesisque se estrenó la semana pasada. Todo apunta a que “DEL REVÉS” pondrá precisamente la taquilla española como su nombre indica, ya que es una buena elección y apuesta segura para cualquier amante del cine y especialmente de la animación.



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crítica de la película "Una Historia Real"
 
Las películas basadas en hechos reales suelen ser films que, normalmente, tienen deficiencias en determinados aspectos. Algunas, consiguen resultados notables, y otras, lo único que consiguen es empujar al espectador a la confusión. Esta de la que vamos a hablar no consigue un resultado demasiado notable, tampoco se puede decir que sea muy mala, pero bajo mi punto de vista, el guión tiene momentos que llevan a esa odiada confusión, quizás porque el relato no termina de ser bien reflejado. Desgraciadamente, no he podido leer el libro original del mismo título en el que se inspira esta película, así que no puedo hacer un análisis exhaustivo de las coincidencias o las invenciones que haya entre el texto y el audiovisual. De todas formas, como ya digo, no es una mala película, pero a este escritor se le ha antojado un tanto complicada y además tiene la sensación de que le ha dejado con más dudas que con respuestas.

Como indica el título, el relato del film es Una Historia Real, basada en la investigación llevada a cabo por el periodista del Times Mike Finkel sobre el caso de asesinato de la familia Longo, cometido por el marido y padre, Chris. En el film, Jonah Hill (El Lobo de Wall Street) y James Franco (Spiderman, El origen del planeta de los simios) ponen piel al periodista y al asesino. La cinta dura una hora y treinta y ocho minutos en los que vemos un continuo juego del gato y el ratón, en el que comprobamos cómo, supuestamente, Chris Longo es un auténtico sociópata, un manipulador y un mentiroso nato, que consigue marear y casi enloquecer al periodista Finkel, recientemente caído en desgracia por haberse pasado la ética periodística por el arco del triunfo.

Jonah Hill y James Franco en "Una Historia Real"
Añadir Jonah Hill y James Franco

Ambos actores están realmente bien, y debemos destacar que se trata de una producción de Brad Pitt, quien parece que está ampliando sus horizontes cinematográficos, teniendo pendiente el tema de la dirección, algo que espero que dentro de poco veamos resuelto.

La película no deja de ser interesante en todo momento, pero considero que tiene un fallo importante, y es el de centrarse demasiado en el perfil psicológico de los personajes, dejando de lado la investigación policial. Aquí, prácticamente nos lo dan todo por hecho y por sabido, y es donde entra mi manía de ser un escéptico, porque como desconozco que pruebas son las que han llevado a la conclusión de que Longo es el asesino, como que no termino de creérmelo. Sin embargo, la cinta intenta solucionar esto con una serie de expresiones faciales del asesino con las que indicarnos que es un gran manipulador. 

Jonah Hill y Felicity Jones en "Una Historia Real"
Jonah Hill y Felicity Jones
En definitiva, “Una Historia Real” es una película que se deja ver bien, pero que resulta bastante confusa en demasiadas ocasiones. Por lo menos así me lo ha parecido, y aunque habrá quienes no necesiten de ciertas elipsis, seguramente otros lleguéis a las mismas conclusiones que yo cuando la veáis, algo que puede ocurrir a partir del 17 de julio de 2015, fecha en que esta cinta se estrena en nuestro país.



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Primero fue James Cameron con “Terminator” y “Terminator 2: El juicio final”, con las cuales marcó un parteaguas en el cine de ciencia ficción. Después Jonathan Mostow y McG dirigieron la 3ª. Y 4ª. partes, respectivamente, con resultados muy irregulares. Ahora veamos qué ocurrió con Alan Taylor y su “Terminator: Génesis”.

Crítica de "Terminator: Génesis"




Alan Taylor (Thor, el mundo oscuro) es el encargado principal de traernos la quinta entrega de la saga de ciencia ficción que creó James Cameron allá por 1984 y que todos conocimos como “Terminator”, la historia del exterminador enviado al pasado con la misión de asesinar a “Sarah Connor”, la futura madre del caudillo que liberará a la humanidad del yugo de las máquinas exterminadoras de hombres.

Es indudable que, tanto la película de Cameron de 1984 como la estupenda secuela dirigida por él mismo, marcaron una profunda huella en el universo de la ciencia ficción. Ambas son una muestra apabullante de la solvencia formal de Cameron, con una dinámica narrativa vigorosa e impecable que habla del genio cinematográfico originario de Ontario, Canadá. También esta mitología del cine se vio enriquecida por los estupendos trabajos de Adam Greenberg (en la fotografía) y Stan Winston (en el apartado del maquillaje y los efectos especiales para el terminator con los animatronics); además de que para la secuela se contó con la invaluable ayuda de ILM (Industrial Light & Magic) para la creación del T-1000 con los efectos ópticos diseñados especialmente para este maligno personaje. También la brutalmente ascendente y climática banda sonora de Brad Fiedel terminaban por facturar maravillosamente estas dos grandísimas películas de James Cameron.

Ante estas condiciones del legado fílmico de Cameron, Alan Taylor se enfrentaba a un paquetazo mayúsculo, donde por lo menos cabía un digno homenaje a las dos primeras películas y que superara con creces los medianos trabajos de Jonathan Mostow y McG, sin embargo el Sr. Taylor, desde mi humilde perspectiva, fracasa en su cometido. Veamos por qué.

El rescate de Sarah Connors en su infancia (Terminator: Génesis)
El rescate de Sarah Connors en su infancia




Para empezar nos remite a 1984 (donde se da el núcleo narrativo de “Terminator”), para modificar esta línea temporal, diciendo ahora que “Sarah Connor” (Emilia Clarke) ha sido contactada por “Pops” (el T-800, interpretado por el avejentado Arnold Schwarzenegger) en 1973 y que desde entonces ha sido entrenada en los oficios marciales y de guerrilla por el organismo cibernético de hiperaleación.

Esto modificó la tarea original de “Kyle Reese” (Jai Courtney), que era salvaguardar la vida de “Sarah”; ahora él será el blanco, y “Sarah” y “Pops” los encargados de protegerlo.

La llegada de “Kyle” a 1984 es una réplica exacta de la película original de dicho año (como la escena donde se ajusta sus tenis “Nike”) y no hace más que provocarnos nostalgia. Esperaba un “Kyle” que ante la sorpresa, reaccionara más estoicamente, con más estilo y garbo, a cambio Taylor le proporciona tintes caricaturescos al personaje, desdibujando en mucho esa imagen del guerrillero solitario, oportuno y eficaz que tan bien interpretó Michael Biehn.

Cameron lograba por momentos filtrar algunos aspectos irónicos a sus filmes, dotándolos de cierta antisolemnidad y de un humor con estilo hi-tech (no olvidemos aquella frase de “las máquinas también necesitan cariño” del primer film) originando aires de frescura que redondeaban su narrativa, algo que, por reiterativo, Taylor no logra y se acerca a una zona de riesgo conocida como parodia.

John Connor y Kyle Reese en Terminator Génesis
John Connor y Kyle Reese en el futuro
Las fracturas temporales de la película están bien manejadas, pero a pesar de este concienzudo esfuerzo de los guionistas, Taylor no consigue capitalizar este excelente trabajo por lo anteriormente referido. Es una lástima.

Taylor se halló con esta película en una época en que los efectos visuales ya no sorprenden, sino simplemente te gustan o no; se está en el camino, tal vez, de encontrar una nueva maravilla visual que nos deje por completo atónitos, como en antaño. Así que en este aspecto no hay mucho qué decir y sólo agregar que la expectativa por ver al T-3000 eran altas, por tratarse del nuevo ente maligno de la saga, sin embargo, no se acerca siquiera al extraordinario suceso que resultó ser la presentación del T-1000 de Robert Patrick.

En este transcurrir de los eventos, Alan Taylor involucró a dos jóvenes estrellas en pleno ascenso y que de ninguna manera verán afectadas sus carreras artísticas por esta gris participación de ambos en el film, y me refiero claramente a Emilia Clarke y Jai Courtney. Emilia lleva un sólido paso en la genial serie “Juego de tronos” y Jai ha encontrado una veta importante en la saga de Divergente. Es sabido que Alan Taylor ha dirigido algunos episodios de “Juego de tronos” y lo ha hecho bien, pero la chaqueta del exterminador le quedó grande.

Los nuevo Sarah Connor y Kyle Reese de Terminator: Génesis
Los nuevo Sarah Connor y Kyle Reese de Terminator: Génesis
¿Por qué los productores no recurrieron al creador original del exterminador, es decir, a James Cameron? No hay como el amor original, el amor primigenio de los padres; nunca va a ser igual que encargues el cuidado de tu hijo a alguien, que por muy profesional que sea, no le va a profesar el amor, conciencia y cariño que tú, como progenitor, sí le puedes proporcionar.

Pues la comparación ha sido inevitable, porque Taylor no logra siquiera por un momento hacernos olvidar las dos primeras películas del exterminador y sí, por el contrario, nos hace sentir una profunda añoranza por ellas.

Como dice esta película, “el futuro no está escrito” y esperemos que los productores que están pensando en “Terminator 6”, corrijan las cosas, para lo cual tienen tiempo de sobra.



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Crítica de "Asesinos Inocentes"
El 3 de julio de 2015 llega a las salas de cine españolas “Asesinos Inocentes”, la opera prima cinematográfica de Gonzalo Bendala, un realizador de orígenes sevillanos que hasta la fecha había estado trabajando en cortometrajes con estupendos resultados.

Protagonizada por Maxi Iglesias (Física y Química), Miguel Ángel Solá (Fausto 5.0), Luis Fernández (Los Protegidos), Aura Garrido (El Ministerio del Tiempo), Javier Hernández (El Barco) y Alvar Godejuela (El Extraño Anfitrión), el film nos cuenta como un profesor de psicología abrumado por la culpa e incapaz de suicidarse pide ayuda a un alumno para que este acabe con su sufrimiento.

Basada de forma libre en un caso ocurrido en los años treinta al que se le dio el nombre del “asesinato más desastroso de la historia”, la obra de Bendala conjuga acción, suspense y humor negro en un film muy correcto del que solo chirria el final, el cual, pese a cerrar todas las tramas, me resulta apresurado y demasiado orientado a conseguir la felicidad “de los buenos”, algo que me descuadra en un film donde la inocencia esta puesta en entredicho durante casi todo el metraje.

Para ser la primera puesta en largo de Gonzalo Bendala, he de decir que el resultado es más que solvente, y si bien es cierto que estamos ante un film sencillo, “Asesinos Inocentes” muestra al mundo el prometedor trabajo de un realizador andaluz al que le deseamos muchos éxitos.

El reparto principal de "Asesinos Inocentes"
El reparto principal de "Asesinos Inocentes"
Tanto la composición visual de la obra (rodada completamente en Andalucía) como las interpretaciones del equipo actoral me han parecido más que correctas, y aunque el hecho de que los protagonistas sean jóvenes actores provenientes de trabajos televisivos (por mucho que hayan hecho otros trabajos, siempre se les recordará por sus primeras obras) prominentemente destinados a un público adolescente, no debemos echarnos para atrás a la hora de decidirnos por ella, ya que pese a lo que pueda parecer, tanto Maxi Iglesias, como Luis Fernández (que aquí se aleja de su registro de “El Culebra”, algo en lo que quizás deba trabajar en la vida real) y el resto de sus compañeros hacen un estupendo ejercicio interpretativo, dotando a sus personajes de matices muy diferentes a los vistos hasta ahora.

Y es que a diferencia de otros filmes en los que Maxi Iglesias interpreta al típico chaval guapete y triunfador, aquí lo vemos como un tipo que por motivos económicos ha tenido que agudizar su ingenio, y que aunque tiene momentos en los que nos puede caer mal debido al comportamiento que muestra respecto a sus compañero (hay escenas en la que saca un lado de trápala increíble), finalmente consigue que empaticemos con él .
El personaje de Luis Fernández, que tiene los mismos orígenes humildes que el de Iglesias, resulta especialmente curioso, ya que incluso presentándose inicialmente como el típico “niñatillo ligón”, resulta aportar nervios de acero y sentido común a un grupo de amigos en el que también tenemos a un chaval un tanto cobarde y torpón que sirve de contrapunto semi-cómico, como a otro frio y calculador (que merecía su matrícula de honor) del que siempre se puede esperar una puñalada trapera.


Fotografías de la presentación de Asesinos Inocentes en Sevilla tomadas por un servidor (@jojugharo)

Evidentemente, y por la tablas que tiene, Miguel Ángel Solá es el que aporta mejor nivel interpretativo dando vida a un profesor que carga con una culpa enorme, siendo quizás el personaje de Aura Garrido el más sencillo y el que menos peso tiene en la obra.

Como digo, “Asesinos Inocentes” me ha parecido un buen thriller que sigue en la línea de otros productos españoles de este género, el cual, pese a que en taquilla no funciona tan bien como las comedias patrias, está dejándonos en cartelera y en formatos domésticos productos tan interesantes como La Isla Mínima”, “El Niño o la menos conocidaTres 60. Por lo tanto, y pese a que vuelvo a incidir en que el final no me ha gustado demasiado, creo que es una estupenda opción tanto para un público joven (ese que consume el videojuego “Assassin´s Creed”, cuyo título coincide sospechosamente en diseño con el de esta película y que pese a las negativas del equipo, creo que resulta un guiño simpático) como para uno adulto que sea poco exigente a la hora de atar cabos.



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EL FORMIDABLE PERIPLO DE LOS MINIONS EN SOLITARIO

Crítica de "Los Minions"

Después del éxito que alcanzaron tanto en recaudación como en premios las cintas de animación de “Gru, mi villano favorito” (Despicable Me, 2010) y su secuela Gru mi villano favorito 2” (Despicable Me 2, 2013) comandadas a dos bandas por el tándem Pierre Coffin y Chris Renaud con guión de Ken Daurio y Cinco Paul nos llega este fin de semana uno de los estrenos más deseados y esperados de este verano del 2015, la precuela y spin-off “Los Minions”.En esta ocasión repite en la dirección del film el cineasta Pierre Coffin al que se suma en los mandos Kyle Balda.

Los Minions (a quienes pues ver aquí disfrazados para Halloween) saltan a la aventura en busca de un supervillano al que servir. Comenzaron siendo organismos amarillos unicelulares que evolucionaron con el paso del tiempo y se pusieron al servicio de malvados jefes. Después de trabajar para distintos patrones de forma fallida, se quedan solos y a consecuencia caen en una profunda depresión. Por eso el minion Kevin toma la iniciativa y junto a Stuart y el encantador Bob emprenden un viaje para encontrar a un líder al que seguir.

Los Minions vienen a revolucionarlo todo. Nos hacen viajar en el tiempo, desde cuando poblaban el planeta los dinosaurios (T-Rex), la época prehistórica, pasando por la La Edad Media,luchando en el bando de Napoleón hasta llegar a 1968, año en el que se traslada la historia que vivimos en pantalla junto a “Los Minions” que conocen la gélida Antártida y llegan a las ciudades de Nueva York y Orlando (Florida) de aquel momento para llegar hasta Inglaterra cuando gobernaba La Reina Isabel II.

Los Minions
Kevin, Stuart y Bob
Utilizando referencias para situarnos en el lugar y en aquella fecha, vemos como la televisión se veía en blanco y negro, también nos encontramos ante numerosos guiños de esa etapa relacionados con el mundo artístico y de la cultura pop (Encantada, Andy Warhol, Jimy Hendrix, Abbey Road...) ,así como el sonido de la música de la década de los 60 con grandes temas universales de grupos legendarios que se suceden y que acompañan a esta aventura de “Los Minions”, podemos deleitarnos los oídos con grandes temas de The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones, The Doors, The Box Tops, The Who...aunque también hay canciones incluidas en el largometraje de grupos que nacieron después como Aerosmith o Smashing Pumpkins. Además, la seña friki imitando a una Comic Con pero aquí como una “Villano Con” donde se reúnen los villanos más famosos de todo el mundo es de los conceptos más ingeniosos que podían fraguar los guionistas de la cinta entregando uno de los episodios más memorables.

Los Minions es una obra cinematográfica didáctica de elevado calado técnico que hace un breve recorrido por la historia. Los protagonistas principales son Kevin (El Minion alargado), Stuart (que tiene un sólo ojo que se asemeja a una gran lupa) y Bob (que tiene heterocromía como el cantante David Bowie). Los tres recorrerán mundo para conocer a la supervillana de turno, Scarlet Overkill. El diseño de este personaje se parece mucho al de Lucy de la segunda parte de Gru, Mi villano Favorito, aunque sus diversos atuendos se transforman en insólitos artilugios aportando una base novedosa en la construcción de la maquiavélica protagonista a la que respetan y admiran Los Minions.

A esta travesía no le falta personalidad ni color ni detalles visualmente, se disfruta enormemente con el uso de la técnica de la estereoscopía, con el trabajo tridimensional sientes lo que estás viendo más cerca (increíble la escena de la lluvia y el inicio con el mar).

Los Minions y Scarlet Overkill
Los Minions y Scarlet Overkill

El título rezuma originalidad por los cuatro costados, esas curiosas armas de los megavillanos, el diferente vestuario con el que vemos a Los Minions que nos emplaza a cada período al que asistimos.

Aunque no pronuncian muchas palabras, “Los Minions” son muy expresivos y su humor se basa esencialmente en el Slapstick haciendo uso constante de gags visuales, son como niños traviesos, imprevisibles, enérgicos, revoltosos e hiperactivos que suelen meterse fácilmente en problemas de los que afortunadamente suelen salir airosos. Son seres súper fieles y están muy unidos, tienen un gran sentido de la fidelidad, de la amistad y del compañerismo. Un mensaje importante el que trasladan a los más pequeños de la casa.

Tampoco falta el epílogo a la introducción a sus predecesoras y unas escenas intercaladas con los créditos del film que bien merecen la pena visionarlas y quedarse hasta el final. 

Los Minions es una entrega divertidísima, recomendable al 100%, que sabe conjugar a la perfección un guión sólido donde todo lo que pasa en escena es sumamente dinámico unido a numerosos gags cargados de comicidad que protagonizan las estrellas absolutas de la función, esas criaturas amarillas llenas de bondad que inspiran ternura y simpatía y que consiguen conquistar el corazón del espectador.

Los Minions 3 de julio en cines
Camino a la Villano Con

Los Minions es un excelente ejercicio que cumple su propósito, hacer de la sesión una aventura divertida tanto para el público infantil como para el adulto.

El único pero que le pondría a la película es que ya no nos puede sorprender el carácter ni el diseño (por cierto, muy sencillo) de Los Minions, aquellos curiosos personajes carismáticos que descubrimos por primera vez en la gran pantalla hace cinco años.

Sin duda la locura Minion se ha desatado desde hace semanas y ahora llegan fuerte a nuestros cines el próximo viernes 3 de Julio para quedarse y coronarse como reyes de la cartelera y es que lo esperado, lo superan.



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Crítica de Espías

ESPÍAS (SPY) es una comedia hollywoodense centralizada en el mundo del espionaje que aterriza en nuestras carteleras el viernes 26 de junio gracias a 20th Century Fox España. Al servicio del cineasta y guionista Paul Feig (La boda de mi mejor amiga, Cuerpos especiales) se ponen caras muy conocidas del celuloide para formar parte del reparto de esta producción, encabezando el plantel de intérpretes están estrellas de la categoría de Melissa McCarthy, Jason Statham, Jude Law y Rose Byrne.

Susan Cooper (Melissa McCarthy) es una eficiente y entregada analista de la CIA que trabaja a la sombra pero codo a codo con su compañero Bradley Fine (Jude Law) que es el que está en primera línea de fuego. Un día, su admirado compañero desaparece sin dejar rastro. Es entonces cuando Susan se ofrece voluntaria para embarcarse en una misión secreta que involucra a unos peligrosos traficantes de armas.

Lo que está constatado es que si hay un género que domine bien al realizador Paul Feig es el de la comedia, está especializado contando con un gran bagaje y experiencia en títulos repletos de comicidad que ya nos hicieron reír en las butacas de cine, uno para mí de los más destacables es en el que también formaba parte del casting de actores la actriz Melissa McCarthy al igual que Rose Byrne que coinciden en el set de rodaje como en la exitosa cinta “La boda de mi mejor amiga (2011)” que tenía a la súper divertida Kristen Wigg, pletórica en las carnes de una treinteañera soltera encargada de la boda de su mejor amiga. Además, añadir que en “Espías” veremos la actuación del también actor Ben Falcone, el marido en la vida real de Melissa McCarthy con el que ya compartió escena en la anterior película citada, en un pequeño rol a modo de cameo. Parece ser que el director de Michigan trabaja bien con Melissa McCarthy y dos años más tarde le dio el papel como principal en el film “Cuerpos especiales” (2013) esta vez acompañada por otra diva de la comedia más de corte romántico, la veterana Sandra Bullock, la cual también protagonizó la prescindible saga de “Miss Agente especial” donde daba vida a una agente del FBI que se infiltraba en el conocido concurso de belleza para llevar a cabo una misión ultrasecreta. 

Melissa McCarthy y Jude Law en Espías
Melissa McCarthy y Jude Law
Melissa McCarthy que parece postularse actualmente como la nueva reina de la comedia americana demuestra con cada registro al que se enfrenta que da la talla y que su elección ha sido más que acertada, en “Espías” tiene mucho que decir, protagoniza el mayor tiempo en pantalla y se hace dueña y señora del show al que asistimos. La actriz está dotada de una enorme vis cómica que ya ha sido comprobada en anteriores trabajos. Si bien acabamos compadeciendo al personaje que interpretaba Jason Bateman en “Por la cara” (2013) por soportar en un largo viaje a la insufrible estafadora en la que se vestía Melissa McCarthy, aquí cogemos cariño a su personaje de Susan Cooper que inicialmente se nos muestra como una especie de loser que vive a la sombra de su compañero Bradley Fine (Jude Law) al que idolatra y venera, pero cuando tiene la oportunidad de desmarcarse, se pone a la altura de los mejores agentes del cuerpo. El vestuario en el que tiene que enfundarse para hacerse pasar por diferentes personas emula más al estilo Jessica Fletcher de “Se ha escrito un crimen” que al seductor y glamuroso de “Los Ángeles de Charlie”, pero la hacen una superagente más entrañable y una singular heroína que nos regala más de una delirante carcajada con su vitalidad y energía con la que se mete en el bolsillo al espectador desde el minuto uno.

Otros de los actores que brilla y está absolutamente genial es Jason Statham como el agente Rick Ford, el intérprete saca su vena humorística, su lado más simpático y divertido y por ende resulta novedoso verle en un film que no sea sólo específicamente de acción.

En cuanto al guión contiene muchos diálogos hilarantes que también contemplan el humor negro (con escenas algo violentas pero suaves en su exposición), con múltiples referencias al mundo cinematográfico (Cara a cara, Eternamente amigas…) riéndose de los típicos clichés que rodean al gremio de los espías.

Jason Statham en Espías
Jason Statham
“Espías” no es original en tomar la fórmula de hacer humor paródico en torno al universo del espionaje, muchas otras producciones antes lo hicieron desde el largometraje ochentero “Top Secret” hasta “Aterriza como puedas” que protagonizó el mítico y desaparecido Leslie Nielsen o más recientes como las de la franquicia de Austin Powers o la serie clásica o remake de Superagente 86, pero resulta un producto ameno con luchas bien coreografiadas y sincronizadas donde se luce especialmente la indiscutible reina de la función con sus insólitos gadgets y procura entregar al espectador dos horas de diversión conjugando secuencias de máxima acción con situaciones y conversaciones completas de comicidad.

Si necesitas desconectar y pasar un buen rato entretenido y bien divertido, “Espías” es tu película para este fin de semana.



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Crítica de San Andrés
 
Las películas de tintes apocalípticos-catastróficos no son, en regla general, muy serias en sus planteamientos. Suelen ser films muy bien realizados eso sí, impactantes por sus efectos visuales y con buen ritmo, cintas que nos dejan pegados a los asientos y que nos hacen pasar un buen rato. Vamos, que tampoco debemos buscar reflexiones filosóficas en ellas, y tampoco se trata de esto, porque al fin y al cabo, el cine es eso, es entretenimiento, es querer pasarlo bien. Son muchas las aventuras que impregnan este género: tenemos meteoritos, con “Armagedon” y “Deep Impact”, volcanes con “Dante´s Peak” y “Volcano”, o tornados con “Twister” y otros numerosos telefilmes que versan sobre huracanes muy potentes.

En esta ocasión, lo que se ha querido destruir es la famosa falla de San Andrés que abarca toda la costa oeste, el estado de California entero. Se ha producido una brecha en la columna vertebral de este lugar, provocando terremotos de categorías inimaginables, ocasionando una ola de destrucción total que no solo hace que los rascacielos se caigan y se fracturen las carreteras, también encontramos un potente tsunami que arrasa San Francisco. Y es en este escenario donde entra en juego nuestro protagonista, el jefe de pilotos de rescate de los nomberos, interpretado por Dwayne Johnson, un habitual héroe de acción que este año puede coronarse como uno de los actores más taquilleros y que más beneficios genere en una película, porque le hemos visto en la muy potente “Fast and Furious 7” y ahora nos toca verle en un registro algo diferente. Aquí también es un héroe, pero de otro estilo, más bien un hombre familiar, preocupado por rescatar a su hija (la guapísima Alexandra Daddario) de la ruinosa San Francisco.

 Alexandra Daddario, Art Parkinson, Hugo Johnstone-Burt
A Alexandra Daddario la acompañan un poco conocido Hugo Johnstone-Burt y Art Parkinson, el actor que ha hecho de Rickon Stark hasta ahora en Juego de Tronos
En San Andrés”, Johnson está acompañado aquí por actores secundarios de auténtico lujo, como la preciosa Carla Gugino (a la que también podemos ver actualmente en la serie “Wayward Pines”) interpretando a su esposa, Ioan Gruffud (el Reed Richard de las antiguas películas de “Los 4 Fantásticos”) haciendo de un millonario algo miedoso que huye despavorido cuando comienza la catástrofe; pero sin duda, el secundario que más importancia tiene en este elenco es el jefe de Sismología de Cal-Tech, Laurence Haynes, al que pone rostro Paul Giamatti (“La Joven del Agua”), un científico que lleva mucho tiempo realizando un modelo matemático con el que predecir los terremotos para, de esa manera poder tomar medidas con tiempo y salvar el máximo posible de vidas humanas.

Como ya he dicho al comienzo, esta no es una película de guión, no es una obra que pretenda destacar ni pasar a los anales del séptimo arte, pero sí que cumple con un objetivo fundamental y es el de hacernos pasar un buen rato con las persecuciones, los escombros, y las numerosas escenas de vértigo que contiene. 

Paul Giamatti en Juego de Tronos
Sin duda alguna, San Andrés ofrece lo que mostraba en los tráilers (y lo que os comentabamos en nuestra primera crítica) y resulta una cinta que puede convertirse en un fenómeno en la taquilla de este verano, la cual, viene con más blockbusters que nunca.


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