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Crítica de "Asesinos Inocentes"
El 3 de julio de 2015 llega a las salas de cine españolas “Asesinos Inocentes”, la opera prima cinematográfica de Gonzalo Bendala, un realizador de orígenes sevillanos que hasta la fecha había estado trabajando en cortometrajes con estupendos resultados.

Protagonizada por Maxi Iglesias (Física y Química), Miguel Ángel Solá (Fausto 5.0), Luis Fernández (Los Protegidos), Aura Garrido (El Ministerio del Tiempo), Javier Hernández (El Barco) y Alvar Godejuela (El Extraño Anfitrión), el film nos cuenta como un profesor de psicología abrumado por la culpa e incapaz de suicidarse pide ayuda a un alumno para que este acabe con su sufrimiento.

Basada de forma libre en un caso ocurrido en los años treinta al que se le dio el nombre del “asesinato más desastroso de la historia”, la obra de Bendala conjuga acción, suspense y humor negro en un film muy correcto del que solo chirria el final, el cual, pese a cerrar todas las tramas, me resulta apresurado y demasiado orientado a conseguir la felicidad “de los buenos”, algo que me descuadra en un film donde la inocencia esta puesta en entredicho durante casi todo el metraje.

Para ser la primera puesta en largo de Gonzalo Bendala, he de decir que el resultado es más que solvente, y si bien es cierto que estamos ante un film sencillo, “Asesinos Inocentes” muestra al mundo el prometedor trabajo de un realizador andaluz al que le deseamos muchos éxitos.

El reparto principal de "Asesinos Inocentes"
El reparto principal de "Asesinos Inocentes"
Tanto la composición visual de la obra (rodada completamente en Andalucía) como las interpretaciones del equipo actoral me han parecido más que correctas, y aunque el hecho de que los protagonistas sean jóvenes actores provenientes de trabajos televisivos (por mucho que hayan hecho otros trabajos, siempre se les recordará por sus primeras obras) prominentemente destinados a un público adolescente, no debemos echarnos para atrás a la hora de decidirnos por ella, ya que pese a lo que pueda parecer, tanto Maxi Iglesias, como Luis Fernández (que aquí se aleja de su registro de “El Culebra”, algo en lo que quizás deba trabajar en la vida real) y el resto de sus compañeros hacen un estupendo ejercicio interpretativo, dotando a sus personajes de matices muy diferentes a los vistos hasta ahora.

Y es que a diferencia de otros filmes en los que Maxi Iglesias interpreta al típico chaval guapete y triunfador, aquí lo vemos como un tipo que por motivos económicos ha tenido que agudizar su ingenio, y que aunque tiene momentos en los que nos puede caer mal debido al comportamiento que muestra respecto a sus compañero (hay escenas en la que saca un lado de trápala increíble), finalmente consigue que empaticemos con él .
El personaje de Luis Fernández, que tiene los mismos orígenes humildes que el de Iglesias, resulta especialmente curioso, ya que incluso presentándose inicialmente como el típico “niñatillo ligón”, resulta aportar nervios de acero y sentido común a un grupo de amigos en el que también tenemos a un chaval un tanto cobarde y torpón que sirve de contrapunto semi-cómico, como a otro frio y calculador (que merecía su matrícula de honor) del que siempre se puede esperar una puñalada trapera.


Fotografías de la presentación de Asesinos Inocentes en Sevilla tomadas por un servidor (@jojugharo)

Evidentemente, y por la tablas que tiene, Miguel Ángel Solá es el que aporta mejor nivel interpretativo dando vida a un profesor que carga con una culpa enorme, siendo quizás el personaje de Aura Garrido el más sencillo y el que menos peso tiene en la obra.

Como digo, “Asesinos Inocentes” me ha parecido un buen thriller que sigue en la línea de otros productos españoles de este género, el cual, pese a que en taquilla no funciona tan bien como las comedias patrias, está dejándonos en cartelera y en formatos domésticos productos tan interesantes como La Isla Mínima”, “El Niño o la menos conocidaTres 60. Por lo tanto, y pese a que vuelvo a incidir en que el final no me ha gustado demasiado, creo que es una estupenda opción tanto para un público joven (ese que consume el videojuego “Assassin´s Creed”, cuyo título coincide sospechosamente en diseño con el de esta película y que pese a las negativas del equipo, creo que resulta un guiño simpático) como para uno adulto que sea poco exigente a la hora de atar cabos.



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EL FORMIDABLE PERIPLO DE LOS MINIONS EN SOLITARIO

Crítica de "Los Minions"

Después del éxito que alcanzaron tanto en recaudación como en premios las cintas de animación de “Gru, mi villano favorito” (Despicable Me, 2010) y su secuela Gru mi villano favorito 2” (Despicable Me 2, 2013) comandadas a dos bandas por el tándem Pierre Coffin y Chris Renaud con guión de Ken Daurio y Cinco Paul nos llega este fin de semana uno de los estrenos más deseados y esperados de este verano del 2015, la precuela y spin-off “Los Minions”.En esta ocasión repite en la dirección del film el cineasta Pierre Coffin al que se suma en los mandos Kyle Balda.

Los Minions (a quienes pues ver aquí disfrazados para Halloween) saltan a la aventura en busca de un supervillano al que servir. Comenzaron siendo organismos amarillos unicelulares que evolucionaron con el paso del tiempo y se pusieron al servicio de malvados jefes. Después de trabajar para distintos patrones de forma fallida, se quedan solos y a consecuencia caen en una profunda depresión. Por eso el minion Kevin toma la iniciativa y junto a Stuart y el encantador Bob emprenden un viaje para encontrar a un líder al que seguir.

Los Minions vienen a revolucionarlo todo. Nos hacen viajar en el tiempo, desde cuando poblaban el planeta los dinosaurios (T-Rex), la época prehistórica, pasando por la La Edad Media,luchando en el bando de Napoleón hasta llegar a 1968, año en el que se traslada la historia que vivimos en pantalla junto a “Los Minions” que conocen la gélida Antártida y llegan a las ciudades de Nueva York y Orlando (Florida) de aquel momento para llegar hasta Inglaterra cuando gobernaba La Reina Isabel II.

Los Minions
Kevin, Stuart y Bob
Utilizando referencias para situarnos en el lugar y en aquella fecha, vemos como la televisión se veía en blanco y negro, también nos encontramos ante numerosos guiños de esa etapa relacionados con el mundo artístico y de la cultura pop (Encantada, Andy Warhol, Jimy Hendrix, Abbey Road...) ,así como el sonido de la música de la década de los 60 con grandes temas universales de grupos legendarios que se suceden y que acompañan a esta aventura de “Los Minions”, podemos deleitarnos los oídos con grandes temas de The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones, The Doors, The Box Tops, The Who...aunque también hay canciones incluidas en el largometraje de grupos que nacieron después como Aerosmith o Smashing Pumpkins. Además, la seña friki imitando a una Comic Con pero aquí como una “Villano Con” donde se reúnen los villanos más famosos de todo el mundo es de los conceptos más ingeniosos que podían fraguar los guionistas de la cinta entregando uno de los episodios más memorables.

Los Minions es una obra cinematográfica didáctica de elevado calado técnico que hace un breve recorrido por la historia. Los protagonistas principales son Kevin (El Minion alargado), Stuart (que tiene un sólo ojo que se asemeja a una gran lupa) y Bob (que tiene heterocromía como el cantante David Bowie). Los tres recorrerán mundo para conocer a la supervillana de turno, Scarlet Overkill. El diseño de este personaje se parece mucho al de Lucy de la segunda parte de Gru, Mi villano Favorito, aunque sus diversos atuendos se transforman en insólitos artilugios aportando una base novedosa en la construcción de la maquiavélica protagonista a la que respetan y admiran Los Minions.

A esta travesía no le falta personalidad ni color ni detalles visualmente, se disfruta enormemente con el uso de la técnica de la estereoscopía, con el trabajo tridimensional sientes lo que estás viendo más cerca (increíble la escena de la lluvia y el inicio con el mar).

Los Minions y Scarlet Overkill
Los Minions y Scarlet Overkill

El título rezuma originalidad por los cuatro costados, esas curiosas armas de los megavillanos, el diferente vestuario con el que vemos a Los Minions que nos emplaza a cada período al que asistimos.

Aunque no pronuncian muchas palabras, “Los Minions” son muy expresivos y su humor se basa esencialmente en el Slapstick haciendo uso constante de gags visuales, son como niños traviesos, imprevisibles, enérgicos, revoltosos e hiperactivos que suelen meterse fácilmente en problemas de los que afortunadamente suelen salir airosos. Son seres súper fieles y están muy unidos, tienen un gran sentido de la fidelidad, de la amistad y del compañerismo. Un mensaje importante el que trasladan a los más pequeños de la casa.

Tampoco falta el epílogo a la introducción a sus predecesoras y unas escenas intercaladas con los créditos del film que bien merecen la pena visionarlas y quedarse hasta el final. 

Los Minions es una entrega divertidísima, recomendable al 100%, que sabe conjugar a la perfección un guión sólido donde todo lo que pasa en escena es sumamente dinámico unido a numerosos gags cargados de comicidad que protagonizan las estrellas absolutas de la función, esas criaturas amarillas llenas de bondad que inspiran ternura y simpatía y que consiguen conquistar el corazón del espectador.

Los Minions 3 de julio en cines
Camino a la Villano Con

Los Minions es un excelente ejercicio que cumple su propósito, hacer de la sesión una aventura divertida tanto para el público infantil como para el adulto.

El único pero que le pondría a la película es que ya no nos puede sorprender el carácter ni el diseño (por cierto, muy sencillo) de Los Minions, aquellos curiosos personajes carismáticos que descubrimos por primera vez en la gran pantalla hace cinco años.

Sin duda la locura Minion se ha desatado desde hace semanas y ahora llegan fuerte a nuestros cines el próximo viernes 3 de Julio para quedarse y coronarse como reyes de la cartelera y es que lo esperado, lo superan.



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Crítica de Espías

ESPÍAS (SPY) es una comedia hollywoodense centralizada en el mundo del espionaje que aterriza en nuestras carteleras el viernes 26 de junio gracias a 20th Century Fox España. Al servicio del cineasta y guionista Paul Feig (La boda de mi mejor amiga, Cuerpos especiales) se ponen caras muy conocidas del celuloide para formar parte del reparto de esta producción, encabezando el plantel de intérpretes están estrellas de la categoría de Melissa McCarthy, Jason Statham, Jude Law y Rose Byrne.

Susan Cooper (Melissa McCarthy) es una eficiente y entregada analista de la CIA que trabaja a la sombra pero codo a codo con su compañero Bradley Fine (Jude Law) que es el que está en primera línea de fuego. Un día, su admirado compañero desaparece sin dejar rastro. Es entonces cuando Susan se ofrece voluntaria para embarcarse en una misión secreta que involucra a unos peligrosos traficantes de armas.

Lo que está constatado es que si hay un género que domine bien al realizador Paul Feig es el de la comedia, está especializado contando con un gran bagaje y experiencia en títulos repletos de comicidad que ya nos hicieron reír en las butacas de cine, uno para mí de los más destacables es en el que también formaba parte del casting de actores la actriz Melissa McCarthy al igual que Rose Byrne que coinciden en el set de rodaje como en la exitosa cinta “La boda de mi mejor amiga (2011)” que tenía a la súper divertida Kristen Wigg, pletórica en las carnes de una treinteañera soltera encargada de la boda de su mejor amiga. Además, añadir que en “Espías” veremos la actuación del también actor Ben Falcone, el marido en la vida real de Melissa McCarthy con el que ya compartió escena en la anterior película citada, en un pequeño rol a modo de cameo. Parece ser que el director de Michigan trabaja bien con Melissa McCarthy y dos años más tarde le dio el papel como principal en el film “Cuerpos especiales” (2013) esta vez acompañada por otra diva de la comedia más de corte romántico, la veterana Sandra Bullock, la cual también protagonizó la prescindible saga de “Miss Agente especial” donde daba vida a una agente del FBI que se infiltraba en el conocido concurso de belleza para llevar a cabo una misión ultrasecreta. 

Melissa McCarthy y Jude Law en Espías
Melissa McCarthy y Jude Law
Melissa McCarthy que parece postularse actualmente como la nueva reina de la comedia americana demuestra con cada registro al que se enfrenta que da la talla y que su elección ha sido más que acertada, en “Espías” tiene mucho que decir, protagoniza el mayor tiempo en pantalla y se hace dueña y señora del show al que asistimos. La actriz está dotada de una enorme vis cómica que ya ha sido comprobada en anteriores trabajos. Si bien acabamos compadeciendo al personaje que interpretaba Jason Bateman en “Por la cara” (2013) por soportar en un largo viaje a la insufrible estafadora en la que se vestía Melissa McCarthy, aquí cogemos cariño a su personaje de Susan Cooper que inicialmente se nos muestra como una especie de loser que vive a la sombra de su compañero Bradley Fine (Jude Law) al que idolatra y venera, pero cuando tiene la oportunidad de desmarcarse, se pone a la altura de los mejores agentes del cuerpo. El vestuario en el que tiene que enfundarse para hacerse pasar por diferentes personas emula más al estilo Jessica Fletcher de “Se ha escrito un crimen” que al seductor y glamuroso de “Los Ángeles de Charlie”, pero la hacen una superagente más entrañable y una singular heroína que nos regala más de una delirante carcajada con su vitalidad y energía con la que se mete en el bolsillo al espectador desde el minuto uno.

Otros de los actores que brilla y está absolutamente genial es Jason Statham como el agente Rick Ford, el intérprete saca su vena humorística, su lado más simpático y divertido y por ende resulta novedoso verle en un film que no sea sólo específicamente de acción.

En cuanto al guión contiene muchos diálogos hilarantes que también contemplan el humor negro (con escenas algo violentas pero suaves en su exposición), con múltiples referencias al mundo cinematográfico (Cara a cara, Eternamente amigas…) riéndose de los típicos clichés que rodean al gremio de los espías.

Jason Statham en Espías
Jason Statham
“Espías” no es original en tomar la fórmula de hacer humor paródico en torno al universo del espionaje, muchas otras producciones antes lo hicieron desde el largometraje ochentero “Top Secret” hasta “Aterriza como puedas” que protagonizó el mítico y desaparecido Leslie Nielsen o más recientes como las de la franquicia de Austin Powers o la serie clásica o remake de Superagente 86, pero resulta un producto ameno con luchas bien coreografiadas y sincronizadas donde se luce especialmente la indiscutible reina de la función con sus insólitos gadgets y procura entregar al espectador dos horas de diversión conjugando secuencias de máxima acción con situaciones y conversaciones completas de comicidad.

Si necesitas desconectar y pasar un buen rato entretenido y bien divertido, “Espías” es tu película para este fin de semana.



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Crítica de San Andrés
 
Las películas de tintes apocalípticos-catastróficos no son, en regla general, muy serias en sus planteamientos. Suelen ser films muy bien realizados eso sí, impactantes por sus efectos visuales y con buen ritmo, cintas que nos dejan pegados a los asientos y que nos hacen pasar un buen rato. Vamos, que tampoco debemos buscar reflexiones filosóficas en ellas, y tampoco se trata de esto, porque al fin y al cabo, el cine es eso, es entretenimiento, es querer pasarlo bien. Son muchas las aventuras que impregnan este género: tenemos meteoritos, con “Armagedon” y “Deep Impact”, volcanes con “Dante´s Peak” y “Volcano”, o tornados con “Twister” y otros numerosos telefilmes que versan sobre huracanes muy potentes.

En esta ocasión, lo que se ha querido destruir es la famosa falla de San Andrés que abarca toda la costa oeste, el estado de California entero. Se ha producido una brecha en la columna vertebral de este lugar, provocando terremotos de categorías inimaginables, ocasionando una ola de destrucción total que no solo hace que los rascacielos se caigan y se fracturen las carreteras, también encontramos un potente tsunami que arrasa San Francisco. Y es en este escenario donde entra en juego nuestro protagonista, el jefe de pilotos de rescate de los nomberos, interpretado por Dwayne Johnson, un habitual héroe de acción que este año puede coronarse como uno de los actores más taquilleros y que más beneficios genere en una película, porque le hemos visto en la muy potente “Fast and Furious 7” y ahora nos toca verle en un registro algo diferente. Aquí también es un héroe, pero de otro estilo, más bien un hombre familiar, preocupado por rescatar a su hija (la guapísima Alexandra Daddario) de la ruinosa San Francisco.

 Alexandra Daddario, Art Parkinson, Hugo Johnstone-Burt
A Alexandra Daddario la acompañan un poco conocido Hugo Johnstone-Burt y Art Parkinson, el actor que ha hecho de Rickon Stark hasta ahora en Juego de Tronos
En San Andrés”, Johnson está acompañado aquí por actores secundarios de auténtico lujo, como la preciosa Carla Gugino (a la que también podemos ver actualmente en la serie “Wayward Pines”) interpretando a su esposa, Ioan Gruffud (el Reed Richard de las antiguas películas de “Los 4 Fantásticos”) haciendo de un millonario algo miedoso que huye despavorido cuando comienza la catástrofe; pero sin duda, el secundario que más importancia tiene en este elenco es el jefe de Sismología de Cal-Tech, Laurence Haynes, al que pone rostro Paul Giamatti (“La Joven del Agua”), un científico que lleva mucho tiempo realizando un modelo matemático con el que predecir los terremotos para, de esa manera poder tomar medidas con tiempo y salvar el máximo posible de vidas humanas.

Como ya he dicho al comienzo, esta no es una película de guión, no es una obra que pretenda destacar ni pasar a los anales del séptimo arte, pero sí que cumple con un objetivo fundamental y es el de hacernos pasar un buen rato con las persecuciones, los escombros, y las numerosas escenas de vértigo que contiene. 

Paul Giamatti en Juego de Tronos
Sin duda alguna, San Andrés ofrece lo que mostraba en los tráilers (y lo que os comentabamos en nuestra primera crítica) y resulta una cinta que puede convertirse en un fenómeno en la taquilla de este verano, la cual, viene con más blockbusters que nunca.


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“Un gran temblor de tierra, un terremoto tan grande, cual no hubo jamás desde que los hombres han estado sobre la tierra”.
Apocalipsis. 16.18

Crítica de "San Andrés"

La historia evolutiva de la Tierra ha demostrado que no importa que tan extraordinaria o magnífica sea una especie, si ha de darse su extinción, el planeta será implacable en su decisión de dar fin a dicha especie o varias de ellas, si es necesario. Para ejemplos claros ahí están las cinco grandes crisis de la evolución de la vida en la Tierra (nos referimos a los periodos del ordovícico, devónico, pérmico, triásico y cretácico).

Bien sea por cataclismos de origen cósmico o inducidos por nuestro propio planeta (siniestros de orden volcánico o sísmico, principalmente), ningún organismo está exento de la muerte perpetua. Y en este saco por supuesto que entra el homo sapiens, es decir, los seres humanos, la actual especie dominante del globo terráqueo. Aprovechando este inmutable y futurible hecho de la potencial extinción, Brad Peyton nos viene a presentar “San Andrés” (“San Andreas” en USA y “Terremoto: La Falla de San Andrés” en México), su tercer largometraje que, dentro de la categoria de películas de catástrofes, coloca el apocalipsis en tierra californianas, haciendo especial énfasis en la ciudad de San Francisco, por donde pasa el referido término sismológico de “la falla de San Andrés”.

Dwayne Johnson en San Andrés
¿Pero qué es “la falla de San Andrés”? Pues es, según los entendidos, una fractura de la corteza terrestre que se extiende desde el golfo de California hasta la ciudad de San Francisco, precisamente. Es el seísmo de seísmos para los estadunidenses, que vienen esperando desde hace tiempo, bautizándolo ya como “The Big One”. Expertos en la materia, dicen que por las características propias de la falla, no podría originarse un terremoto de 9.6 en la escala de Richter, como se muestra en la película, siendo el peor de los escenarios reales un temblor de magnitud 8.3. Esto claro, fue algo secundario para el director Peyton y sus guionistas; lo relevante era extraer el mayor jugo dramático a la temida “falla de San Andrés”, colocando una hecatombe en las tierras doradas de California de magnitud 9.6 como ya referimos.

En este indeseable contexto apocalíptico, se encuentra como figura central Dwayne Johnson (“Dolor y dinero”, 2013), quien en esta ocasión interpreta a “Ray”, padre de familia en proceso de divorcio y quien tiene como oficio el ser piloto de helicóptero rescatista, uno de los mejores en su campo. “Ray” tiene un pasado doloroso, pues perdió a una de sus dos hijas en un accidente de rafting y la que le sobrevive, “Blake” (Alexandra Daddario), es lo que más atesora el piloto en su vida. Así que ante el megasismo de la costa californiana (el obligado detonante de la historia), “Ray” tendrá dos misiones principales: primero, encontrar a su hija con vida y después mantenerla así, mientras el terrible temblor sigue coleteando con sus devastadoras réplicas.

Carla Gugino en "San Andrés"
Carla Gugino y Alexandra Daddario comparten color de camiseta en "San Andrés"
Quien fungirá como primera heroína es “Emma” (Carla Gugino), madre de “Blake”, quien tendrá que convivir en circunstancias extremas con su alejado esposo. Hace tiempo que no veía a Gugino, pero sigue despampanante y además se le da bien compartir cuadro con fulgurantes estrellas de acción, pues no olvidemos que fue pareja de Jet Li en “The One” (2001).

Otra que también roba suspiros y quien funciona como segunda heroína, es Alexandra Daddario, a quien hemos tenido la oportunidad de ver en la saga de “Percy Jackson” (por momentos, Alex me recuerda a la Tiffany Amber Thiessen de “Salvados por la campana”). Alexandra posee la cualidad de ser bellísima, pero también sabe comportarse como una actriz de calidad. Verosímil en sus reacciones ante la tragedia, nunca decae su desempeño histriónico. Esta chica tiene con qué (encanto físico y talento), para forjarse una interesantísima carrera actoral.

Alexandra Daddario en "San Andrés"
Alexandra Daddario en "San Andrés"

Y volviendo con Dwayne, hablemos un poco más de él. Me da la impresión de que estoy ante su mejor trabajo como actor. Esta vez se lo ha tomado más en serio, al abordar un personaje rodeado de infortunio y que exige mucho de un histrión para transmitir al espectador el dolor que sufre, y aunque son cortos los momentos, resultan efectivos, dejando lo demás para su especialidad que es la acción. Un notable progreso para quien fuera luchador estelar de la WWE.

No se necesitaba de un director de cine de relumbrón para este blockbuster veraniego, sino a alguien que pudiera entregar buenas cuentas como Brad Peyton, quien con espectaculares escenas de destrucción nos encrespa la piel, creando verdaderos monumentos a la despiadada verdad que nos dicta la naturaleza de que no somos nada ante su poder devastador y que en sus entresijos habita la muerte, esa repentina enemiga de toda la vida.



San Andrés se estrena en España el 26 de Junio de 2015.

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 JURASSIC WORLD parece ser el blockbuster del año, ha logrado un hito histórico en taquilla, convirtiéndose en el mejor estreno de todos los tiempos y liderando la taquilla a nivel mundial, superando en Estados Unidos a la recaudación que obtuvo la primera de “Los Vengadores” (The Avengers, 2012) de la casa Marvel con más de 516 millones de dólares de ingresos en todo el mundo. Actualmente se encuentra en nuestras taquillas en formatos 2D y 3D de la mano de Universal Pictures Spain.

JURASSIC WORLD es la cuarta entrega de la legendaria saga de dinosaurios creada por el fantástico Steven Spielberg y en esta ocasión está orquestada por el realizador de San Francisco, Colin Trevorrow (Seguridad no garantizada) quien sella el guión junto con Rick Jaffa, Amanda Silver y Derek Connolly con personajes de la novela de Michael Crichton. A la cabeza del reparto están Chris Pratt (Guardianes de la galaxia) y Bryce Dallas Howard (El Bosque) a los que acompañan secundarios de lujo como Omar Sy (Intocable) y Vincent D´Onofrio (La chaqueta Metálica).

El Indominous Rex
El Indominous Rex

JURASSIC WORLD nos transporta a un asombroso parque de ocio situado en la Isla Nublar, donde los visitantes interactúan con criaturas prehistóricas que están en su propia zona de confort, en su hábitat, pero todo se tuerce cuando una nueva especie de dinosaurio bautizado como “Indominous Rex”, el cual ha sido genéticamente modificado con el propósito de sorprender y atraer más turismo, se escapa siendo una amenaza para todos los turistas y animales que se encuentran en el parque temático.

JURASSIC WORLD contiene una maquinaria bien engrasada, un filón a explotar, recuperando la añoranza del cine de los noventa, guardando y captando su esencia, un cineasta con una escasa trayectoria fílmica pero con un meritorio trabajo indie en su haber que le procuró múltiples premios recoge el testigo de un maestro de la ciencia ficción, fabricante de sueños y Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg que aquí ejerce como productor ejecutivo del proyecto. Como resultado estamos ante una propuesta de acabado técnico impecable, con un diseño hiperrealista de los dinosaurios y del villano de la función, El indominous Rex que nos recuerda un poco a Godzilla y que resulta un depredador verdaderamente escalofriante, convirtiéndose en dueño y señor del espectáculo en cuanto aparece en escena. La idea original de crear un parque safari con animales extintos en 1993 funcionó y sigue funcionando a las mil maravillas, aquí aprovechando los avances tecnológicos y digitales para crear efectos especiales con escenarios virtuales más tangibles para conseguir mejores resultados a nivel visual. Aun así el mérito que tuvo la combinación de animales generados por ordenador con unos animatronics en la primera de la franquicia de Spielberg marcó un antes y después en el universo cinematográfico y de ahí, junto con la extraordinaria trama que nos situaba en un marco antiguo mezclado (haciéndonos viajar en el tiempo) con la actualidad, es que naciera esta exitosa franquicia dominada por los dinosaurios.

Los protagonistas de Jurassic World
Los protagonistas de Jurassic World

En este reboot jurásico podemos contemplar numerosos ejemplares de dinosaurios como los ya conocidos Velociraptores, el emblemático Tiranosaurio Rex, el enorme Mosasaurus que engulle tiburones, el Ankylosaurus, el Apatosaurus, el Triceratops... Más de veinte especies de dinosaurios podremos contemplar en pantalla junto con el indiscutible protagonista de esta entrega: el híbrido “Indominous Rex”.

Navegando en la historia no resulta novedosa salvo por la parte de la creación de la nueva especie y del fondo del mensaje que parece ser totalmente distinto a las otros títulos. También, vemos una imagen distinta de los Velociraptores, que han sido domesticados por su cuidador, Owen, un ex-militar que se convierte en un héroe a lo Indiana Jones. Eso sí, los clásicos niños repelentes que se meten en problemas no faltan tampoco en esta actualización y que aquí se manejan mejor que MacGyver con herramientas.

Los inconvenientes que presenta este título bajo mi perspectiva son el enorme “hype” que arrastra desde que se dio luz verde al proyecto, el espectador puede tener unas expectativas tan altas que cuando llegue el momento de visualizar el film no le encuentre al nivel de lo esperado. En mi caso, creo que la cinta cumple en su cometido de entretener, no se trata de ninguna obra maestra y se podrían mejorar muchos aspectos en los que, en mi opinión, falla. 

Chris Pratt entrenando velociraptores
Chris Pratt entrenando velociraptores
Para empezar el desaprovechamiento de unos actores secundarios como los que tiene,con registros planos de los que no se ha sacado ningún partido. En la presentación de los personajes, nos muestran a una mujer estereotipada, guapa, recta y amante de su trabajo que encarna Bryce Dallas Howard, la hija del mítico director Ron Howard que de repente se transforma en una clase de amazonas que es capaz de correr en tacones y ser más veloz que un Velociraptor y aunque Chris Pratt, que es el que el que carga el mayor peso interpretativo, esté solvente en su rol, tampoco está tan espléndido como en Guardianes de la Galaxia donde daba vida al superhéroe marvelita Star-Lord.

Comparando la trilogía anterior con este reinicio, no resulta mejor que la primera, pero sí una digna sucesora que está por encima de la segunda y tercera parte. 

Bryce Dallas Howard en plan Ellen Ripley durante Jurassic World
Bryce Dallas Howard en plan Ellen Ripley

La música que corre a cargo en esta ocasión del compositor Michael Giacchino (Tomorrowland: El mundo de mañana), sucediendo al increíble John Williams, el cual se encargó de hacerlo anteriormente en la saga de Spielberg. Giacchino ha sabido ponerle el tono perfecto y con cada una de sus piezas acompañar a las imágenes más emotivas, momentos más inquietantes y a la continua acción que nos brinda la cinta.

Por tanto, JURASSIC WORLD se convierte en una megaproducción de interesante visionado para los entusiastas de la emblemática trilogía, pero también para los que quieran embarcarse en una aventura absorbente e intrépida, con mucha acción y dinamismo en el ritmo narrativo, en la que la más de dos horas de metraje se agotan rápidamente y dan paso al nacimiento de la necesidad de anhelar una continuación.



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Reseña de White God

Imaginen una película de animales habitual de Walt Disney. Una película de animación en la que los canidos recorren aventuras, se enamoran y tienen su final estereotipado del cuento. Pues la película de la que os hablo hoy es todo lo contrario.

White Dog (2014) cuenta la historia de Lili (Zsófia Psotta) y su fiel mascota, un perro mestizo llamado Hagen que es abandonado por el padre de Lili en un descampado. Hagen, se esfuerza en sobrevivir y consigue llevar a la rebelión contra los hombres a más de 200 perros sin hogar. En esta odisea, Lili puede que sea la única capaz de parar esta venganza.

Las trompetistas no se pintan los labios

Lili y su padre

En esta historia, los personajes de Lili y Hagen evolucionan hacia una etapa de madurez y oscuridad en paralelo en la que únicamente vuelven a encontrarse, aunque se busquen, al final del metraje en fundido a negro.

Aunque sea una historia ciertamente previsible (a los 30 minutos ya muestra todas las cartas sobre la mesa), White God transmite esa sensación de inseguridad y de rabia tanto de un lado como otro de la historia.

Cabe destacar la realización del filme en la que se nota el pulso joven del equipo. Una labor cuasi documental del tratamiento de la historia en la que no encontraremos grandes monólogos de actores, pero si miradas y gestos que complementan la universalidad de la historia.

La música es utilizada en varios fragmentos de la historia como vehículo, como instrumento y como lenguaje. La “Rapsodia Húngara” (Franz Liszt) crea un vínculo entre los protagonistas humanos, caninos y con Hungría, dónde es todo himno.

White god, del húngaro Kornél Mundruczó, se estrena el próximo 19 de junio 2015 de la mano de Golem Distribucion. La cinta obtuvo el premio “Mejor Película” en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes 2014.



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Crítica de "Dale Duro" con Will Ferrell y Kevin Hart

Vayamos por partes para no liarnos. Seguramente la primera pregunta, y la más primordial en la mente de los lectores es: ¿Esta película merece la pena? Desde luego, como producto del género absurdo y gamberro, es entretenida y tiene momentos cómicos logrados. Pero desgraciadamente, dentro de todas las cintas de este tipo que he podido ver este año, tengo que decir que “Dale Duro” flaquea respecto a otras, y bajo mi punto de vista lo hace por errores que pueden parecer insignificantes, pero que en el fondo son muy importantes.

Ahora explicaré mejor a qué me refiero. Antes de entrar en materia con lo negativo, me gustaría exponer las cosas positivas que tiene el film, que son varias, empezando por los dos actores protagonistas: Will Ferrel y Kevin Hart, ambos dos cómicos de mucho éxito en EEUU. 
 
Hart, poco a poco, se va labrando una carrera prometedora en el mundo del cine, al menos en lo que a la comedia se refiere, con el paso de los años veremos si su talento se puede explotar más para otro tipo de papeles, quizás dramáticos, como le ha ocurrido por ejemplo a Jim Carrey o a Will Smith, que en sus vertientes lacrimógenas han hecho muy buenas películas. Eso sí, no les deseo ni a Ferrel y ni a Hart que les ocurra lo mismo que a Carrey, que se ha cargado su carrera, especialmente si solo hace cosas estúpidas e innecesarias como la última entrega de "Dos tontos muy tontos".

 Will Ferrel en "Dale Duro"
Will Ferrel
La primera vez que vi a Will Ferrel fue en una película llamada “Movida en el Roxbury”, muy graciosa, una parodia genial sobre el mundillo de las discotecas y la noche. En ese film ya apuntaba maneras como un gran actor cómico, y con el paso del tiempo, lo ha demostrado.

También le he visto dirigido por Woody Allen, pocos se acordarán de esto, pero es el coprotagonista de “Melinda y Melinda”, realizando una interpretación magistral, alejada de su registro habitual. Y a Kevin Hart le he visto recientemente en El Gurú de las Bodas, su debut cinematográfico, una genial muestra del género absurdo y de astracanada. Pues en “Dale Duro” los tenemos a los dos juntos, y es aquí donde tengo que entrar, por desgracia, en la parte negativa de la película. Sí, ambos dos son muy buenos, tienen mucha química y forman una pareja de graciosos buena, pero esto hace que el film se descompense, porque entramos en un duelo interpretativo para ver quien dice o hace la mayor burrada para arrancar la carcajada más grande. Esto lo dejo a libre interpretación de los que vean la película, pero considero que si se tiene a una pareja como esta, el director debe hacer un esfuerzo extra por lograr que uno no se coma al otro y que ambos tengan su importancia en la película.
Kevin Hart en "Dale Duro"
Kevin Hart

Por otro lado, está el guión. Y aquí entramos en la maldición de toda película, en la clave, en el libreto que determina si un film merece la pena o no. Como ya he dicho antes, no es que en este tipo de cintas los guiones sean ejemplos de gran calidad, pero sí que se espera, al menos, en toda película, sin importar el estilo, que el texto albergue cierta coherencia y sentido. Me explico. “Dale Duro” cuenta la historia de James King (Will Ferrel), un millonario afincado en Bel Air, con una buena casa, una prometida que está cañón, dinero, coches, ropa buena etc… James es un tipo bueno, y de tan bueno que es, resulta tonto en ocasiones. Y es el elegido como cabeza de turco en una trama de estafa económica que pretende recordar a Bernard Madoff y ese tipo de personajes. Le condenan a 10 años de cárcel, y le dan 30 días para poner sus asuntos en orden. Entonces, utiliza ese tiempo para que alguien le entrene física y psicológicamente para lo que le espera en la cárcel. Aquí entra en juego Darnell (Kevin Hart), propietario de un garaje de lavado de coches, que vive en un barrio marginal, y cuyo único objetivo es conseguir que su familia pueda vivir en otro sitio mejor donde no haya delincuencia. A medida que se desarrolla la historia, vemos que la película se ríe de todo: de los estereotipos, de las diferencias sociales, de las cuestiones raciales y un largo etc. Pero, el otro gran fallo del film es que uno piensa: Si James King es inocente ¿Por qué no investiga quien le ha tendido la trampa?

Will Ferrell y Kevin Hart en "Dale Duro"
Will Ferrell y Kevin Har
Soy consciente de que lo que se pretende explotar es el tema carcelario que es donde reside la gracia de la película (aunque para eso también estaba El Gran Stan de Rob Schneider), pero aun así, el relato se torna flojo por la incoherencia de que uno acepte ir a la cárcel a sabiendas de que no ha hecho nada. Aun así, independientemente de todo esto, que no deja de ser una opinión personal, creo que es una película que el público adolescente y juvenil va a disfrutar, porque es el target al que se dirige. Bueno, y en realidad, cualquiera que quiera verla (Warner Bros la estrena en cines este viernes 12 de junio) seguramente se ría un poco.



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Crítica "Insidious Capítulo 3"

INSIDIOUS: Capítulo 3 (Insidious: Chapter 3) aterrizó en nuestras carteleras españolas este fin de semana de la mano de eOne Films y gracias al preestreno organizado por nuestros amigos de Sensacine.com el pasado Jueves en los Kinépolis de la ciudad de la imagen pudimos asistir a la proyección del film.

Al servicio de Leig Whannell conductor, guionista y uno de los protagonistas de Insidious: Capítulo 3, se han puesto Dermot Mulroney, Lin Shaye, Stefanie Scott, Angus Sampson y Steve Coulter.

El padre de familia, Sean Brenner (Dermot Mulroney) junto a sus dos hijos adolescentes, Quinn y Alex (Stefanie Scott y Tate Berney) se enfrentan a un ente maligno del otro mundo que se ha instalado en su hogar. Para poder combatirlo necesitarán de la ayuda de Elise Rainier (Lin Shaye), una vidente con la capacidad de ponerse en contacto con los muertos.

Las víctimas de la entidad insidiosa de esta entrega

Aprovechando el tirón de la franquicia se ha realizado una tercera entrega, ahora en forma de precuela, que como prólogo resulta bastante flojo, logrando apenas mantener el interés del espectador durante su metraje. Ni consigue lo que pretende o lo que se espera mínimamente de una cinta de su temática, careciendo de buenas secuencias de terror. A veces, inclusive en lugar de sembrar miedo, llega a ser irrisoria. Una producción totalmente prescindible llena de contextos predecibles y topicazos que esperas que en algún momento de su visionado levante el vuelo y eleve el ritmo, pues se hace densa y lenta a la espera de la acción. Lo más destacable son lo que parecen influencias de otras obras clásicas del séptimo arte como el hotel de “El Resplandor” (1980) con esos pasillos interminables repletos de seres espectrales, aunque en la mítica cinta los fantasmas aparecían de forma metafórica fruto de la locura del protagonista. También nos encontramos ante guiños a la habitación 1408 (2007) del film basado en el relato homónimo del famoso escritor Stephen King y a las sesiones de espiritismo de “Poltergeist” (1982). En general, el largometraje es un intento de un apasionado por el cine de terror que desafortunadamente sólo se queda en eso, en un mero homenaje a clásicos y de culto del género.

Lin Shaye en "Insidious 3"
Elise

En cuanto al terreno interpretativo, la joven actriz Stefanie Scott (¡Rompe Ralph!) que es la que tiene mayor peso en esta pieza cinematográfica como protagonista, se desenvuelve bien en su registro, Dermot Mulroney que interpreta a su padre resulta bastante plano en su actuación y la veterana Lin Shaye (Algo pasa con Mary, 1998) que repite en su rol con su personaje de Elise, el cual aparece en toda la trilogía de Insidious. Se la nota muy cómoda y acertada en su interpretación. Los dos titanes análogos a los del programa “Buscadores de Fantasmas” que rinden tributo a los legendarios Ghostbusters (1984) enfundados en sus camisetas de “Casper” (1995) y de “Masters of the Universe” (1987) son de los personajes más ricos y divertidos que aparecen en este capítulo más oscuro.

La película en el apartado técnico goza de un nivel medio con el uso de técnicas modernas y avanzadas, con una estética muy de videojuego tipo shooter (atención al último espectro que sale en el título), pero que cuenta con un guión muy pobre (los diálogos son difíciles de creer) y una ejecución de cinta de serie B.

Specs y Tucker Insidious Capítulo 3
Specs y Tucker tienen su propia webserie
En definitiva, “Insidious: Capítulo 3” sirve como introducción y conexión con sus antecesoras, pero es un ejercicio totalmente prescindible, que por lo que se entrevé en su conclusión final podría tener una continuación. De ser así, esperemos que sea de mayor calidad que ésta y si no, siempre nos quedará la familia Lambert…de James Wan.



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Crítica de "El Gurú de las Bodas"

Sony Pictures Spain estrena este fin de semana “EL GURÚ DE LAS BODAS” (The Wedding Ringer) dirigida por el realizador Jeremy Galerick que ha escrito el guión junto con Jay Lavender. Una descacharrante y divertidísima comedia que protagonizan dos geniales cómicos que han sabido compenetrarse muy bien, dado el resultado tan bueno que han plasmado en pantalla. Estamos hablando de Kevin Hart y Josh Gad, dos auténticos reyes de la comedia a los que se suma en esta loca aventura la conocida Penny de The Big Bang Theory, Kaley Cuoco, el resto del reparto lo completan Affion Crockett, Jorge Garcia (Serie Perdidos), Dan Gill, Corey Holcomb, Mimi Rogers y Ken Howard, entre otros. Los cómicos y actores Florentino Fernández y Dani Martín son los responsables de poner la voz a Kevin Hart y Josh Gad en la versión española.

Doug (Josh Gad, Dani Martín) es un chico de buen corazón que ha triunfado en lo profesional y en su vida personal ahora parece que ha encontrado el amor junto una chica muy guapa (Kaley Cuoco) con lo que se ha prometido. Sin embargo en su pasado fue un auténtico loser que jamás tuvo amigos. Ahora se encuentra ante la disyuntiva de no tener padrino para su boda. Tendrá que recurrir a un plan B contratando al famoso y eficiente Jimmy Callahan (Kevin Hart, Florentino Fernández) que tiene su propia empresa “El Gurú de las bodas, S.A.”

Josh Gad y Kevin Hart en "El Gurú de las Bodas"
Josh Gad y Kevin Hart

Dentro del género de la comedia, ya se registran muchas cintas centradas en la temática que gira alrededor de preparativos, despedidas de soltero/a y celebraciones de boda. Desde la trilogía Resacón en Las Vegas hasta la mítica de la década de los ochenta “Despedida de soltero” (1984) protagonizada por un jovencísimo Tom Hanks, la dirigida por Paul Feig “La boda de mi mejor amiga” (2011) o “De boda en boda” (2005) con los actores Owen Wilson y Vince Vaughn a la cabeza, a los que me recuerdan en complicidad entre compañeros a Kevin Hart y Josh Gad en este film. Otro título como hilo conductor en cuanto a comparaciones en lo que a humor se refiere es el usado en la tercera parte de la saga “American Pie ¡Menuda boda!” (2003).

Es difícil no repetirse y no caer en los tópicos, típicos chascarrillos y clásicos predecibles o ya utilizados en este tipo de películas. Sin embargo, “El gurú de las bodas” logra establecer una línea argumental con su aporte original. Ese Yoda de ceremonias que aquí podría decirse que sustituye al típico organizador de bodas, es versátil, capaz de vestirse en cualquier personaje al que tenga que interpretar y hacer el mejor papel de su vida para que el novio que le contrate quede satisfecho por sus servicios prestados. Aunque también es cierto que ya el hecho de alquilar a un profesional para que te acompañe en una boda también lo pudimos ver en el largometraje “El Día de la boda” (2005).

Kaley Cuoco y Josh Gad en "El Gurú de las Bodas"
Kaley Cuoco y Josh Gad

Los actores Kevin Hart y Josh Gad son el alma de esta fiesta, los que nos conducen en esta comedia de enredos envuelta en contextos surrealistas. Este título se centra sobre todo en el valor de una amistad, en el que el roce hace el cariño. Al igual que pasa con la franquicia de Resacón de Las Vegas, el largometraje parece más dirigido al espectador masculino.

Uno de los puntos claves que siempre solemos encontrar en comedias de este estilo son sus soundtracks que animan más sus narraciones, aquí escuchamos temas de diferentes artistas como The Black Eyed Peas con “I Gotta Feeling”, la emocionante voz de Otis Redding con la canción “These Arms of Mine” o You Are So Beautiful y “Paper Moon” de Jeff Ross.

Se trata de una irreverente comedia ligera y fresca, dinámica en cuanto a su desarrollo, con momentazos muy gamberros e hilarantes y altamente recomendable si lo que quieres es pasar una buena sesión de risas. Una excelente opción si buscamos diversión y entretenimiento conjugado con un buen ritmo.



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Desahucios, gente sin escrúpulos y tensión se unen en un film donde lo primero que se nos viene a la cabezas es la frase "Bienvenidos a la casa del terror".

Sweet Home: ¿Hay alguien en casa?

SWEET HOME” que se estrena en cines este viernes 8 de Mayo gracias a Filmax, supone el debut en largo del cineasta y guionista Rafa Martínez después de hacer su incursión como realizador en el género del terror dirigiendo los cortometrajes Halloween Before Christmas (2010) y Zombies & Cigarettes (2009), éste último con ayuda de Iñaki San Román, ambos trabajos fueron seleccionados y premiados en diversos festivales de todo el mundo como Sitges, Hollywood Film Festival o Leeds Film Festival. El film está protagonizado por la actriz Ingrid García Jonsson nominada al Goya por su papel en "Hermosa Juventud" y Bruno Sevilla (Tres bodas de más, Mindscape) a los que acompañan Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, José María Blanco y Mariona Perrier. El libreto de la película lo firma el mismo director junto a Teresa de Rosendo (Serie Gavilanes) y Ángel Agudo (Cortometrajes Trooper y Go Home).

Alicia y Simon son una joven pareja que decide pasar una tranquila noche romántica en un edificio donde sólo habita ahora un propietario después de haber sido desalojados el resto de pisos de la finca. Durante su velada descubren que unos encapuchados han acabado con la vida del único inquilino que quedada en el edificio. Lo que comienza como una celebración íntima y agradable termina siendo una agotadora lucha por la supervivencia…

“SWEET HOME” es un slasher que parte de una base argumental muy original, jugando con la cruda realidad que azota en nuestro país en estos tiempos de crisis aguda, donde cada día quedan  desahuciadas un gran número de familias. El panorama es verdaderamente terrorífico, ya de por sí este planteamiento real supone una auténtica pesadilla para cualquiera, y por tanto, fusionar esto, con una forma muy poco ortodoxa de hacer “mobbing inmobiliario” con el fin de deshacerse de los inquilinos que quedan en los edificios semiabandonados y que estorban a la empresa inmobiliaria que quiere hacerse con el control absoluto del edificio, es cuanto menos espeluznante.

Protagonistas de cinta española "Sweet Home"
El inquietante psicópata de turno, alias “El aniquilador” que interpreta perfectamente el actor Oriol Tarrida se encarga de sus trabajos bajo la imagen de un exterminador de plagas. En su forma de ganarse la vida como tapadera, podemos encontrar un sentido metafórico, a las personas que se encuentran dentro de los inmuebles los aniquila al igual que a los insectos, sin importarle en absoluto el ser humano que tiene delante ni cuántos sean. También el título de la cinta traducido al español como “Dulce Hogar” es totalmente irónico, sin tener delante el cartel jamás pensarías que se trata de una cinta de miedo, que consigue lo que pretende no dar respiro al espectador, ningún paréntesis ni vacío en cuanto a ritmo y acción se refiere, pues los ochenta escasos minutos de metraje se esfuman rápidamente. Su introducción es más pausada para presentarnos a sus protagonistas y hacernos sentir que todo está en aparente tranquilidad, pero una vez que entramos en la casa del terror nos encontramos en un universo oscuro y claustrofóbico donde estamos en tensión absoluta y hay que sacar el valor y la fuerza necesaria para sobrevivir.

La intención de los guionistas era crear una historia en el entorno donde más nos sentimos protegidos y cómodos, que es en nuestro propio hogar y desde ese concepto me trasladó a la saga de “The Purge donde tampoco los protagonistas están a salvo en su propia casa cuando se permite legalmente cualquier acto criminal durante las 12 horas que dura el infernal día de La Purga o cuando la intranquilidad irrumpe en nuestro hogar como en la obra de Michael Haneke, The Funny Games (1997/2007).

Oriol Tarrida en la cinta española "Sweet Home"
El escenario escogido para contarnos la historia es totalmente tétrico, con gran ausencia de luz, en un bloque viejo y apartado, donde es muy complicado pedir ayuda y en el que sus protagonistas se encuentran encerrados y perseguidos por un cruel asesino que viene a restar sus días en la tierra y presenciamos muchos episodios sanguinolentos. Podemos vislumbrar la introducción de elementos clásicos del género como juguetes en movimiento y las típicas escenas que buscan el sobresalto en la butaca, algunas se hacen previsibles, pero otras de manera acertada logran pillarte por sorpresa.

En cuanto al apartado interpretativo, Ingrid García Jonsson está magnífica, reina la función, además de transformarse en una verdadera superheroína, dota a su personaje de naturalidad y convence firmemente en su actuación. Su compañero en el viaje al que interpreta Bruno Sevilla también está convincente.

Sin duda, “SWEET HOME” se convierte en una propuesta interesante para los aficionados al género de terror.



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Crítica de "El viaje más largo": Un correcto drama romántico

“EL VIAJE MÁS LARGO” (The Longest Ride) es la nueva adaptación cinematográfica de la homónima novela del famoso escritor americano de éxito internacional Nicholas Sparks, reconocido popularmente por “El Diario de Noa” (The Notebook) o Mensaje en una botella (Message in a Bottle) entre muchas otras que ya han sido también trasladadas a la gran pantalla. Del guión de “El Viaje más largo” se ha encargado Craig Bolotin (Black Rain, 1989) y bajo la batuta del cineasta George Tillman Jr., artífice de las películas Hombres de honor (2000) y Sed de venganza (2010), se han puesto el descendiente del gran Clint Eastwood, con su mismo apellido y de nombre Scott que recoge su testigo como un prometedor artista del cine contemporáneo y al que respaldan completando el reparto principal Britt Robertson, Alan Alda, Jack Huston, Oona Chaplin y Melissa Benoist, la actriz escogida para el papel de Supergirl en la serie que está actualmente produciendo Warner Bros.

“EL VIAJE MÁS LARGO” llega a nuestras pantallas españolas el próximo Viernes 8 de Mayo de la mano de 20th Century Fox España.

“EL VIAJE MÁS LARGOnos habla de dos distintas parejas con aspiraciones en la vida muy diferentes, destinadas a conocerse y a enamorarse. Una formada por el triunfador Luke (Scott Eastwood), un campeón profesional de rodeo y Sophia (Britt Robertson), una joven estudiante que se está labrando su futuro para hacerse hueco en el mundo del arte en la gran manzana. Ambos tomarán una vía que les acercará al amor atemporal de Ira Levinson (Alan Alda) y su amada Ruth (Ooona Chaplin).

Britt Robertson y Scott Eastwood en "El viaje más largo"
Britt Robertson y Scott Eastwood en "El viaje más largo"

La película consigue narrar de forma solvente la historia de dos parejas destinadas a amarse, con hechos y circunstancias que les ponen a prueba y que les obliga a luchar por su amor. Ciertamente, no hay mucho nuevo que aportar a un género que está enormemente explotado, por eso los típicos trillados clichés se hacen visibles y el esquema habitual en este tipo de títulos también se denota. La cinta lleva esos toques y elementos característicos que tienen todos los largometrajes inspirados en las novelas de Sparks donde no faltan sus genuinos enmarcados parajes, sus preciosistas fotografías envueltas en romances imposibles, fuertemente pasionales, pero considerablemente irreales, aunque se trata de invitarnos a soñar y a vivir emocionantes historias de amor.

“EL VIAJE MÁS LARGO” claramente tiene un público objetivo, compuesto mayoritariamente por féminas al que se le podría sumar a los que les gustó especialmente “El Diario de Noa” por contar con muchas analogías en su presentación, historias que se cruzan en la actualidad y en el pasado, personalidades que chocan y que provienen de distintas clases sociales, sus inquietudes por el arte moderno, el fragmento de la guerra, el flirteo en el mar…Aunque bajo mi perspectiva, la anterior mencionada sea mejor película, ésta es una obra que cumple en su intención de entregarnos más de dos horas de distracción agradable.

De las otras adaptaciones esta se puede alejar en una de sus ambientaciones, trasladándonos a un entorno rural vaquero acompañado de una selección de temas musicales muy bien escogidos con esencia country, destacando de entre ellos, la personal voz de Ryan Adams en la canción “Desire” o al grupo originario de Austin, Texas “The Wild Feathers” con “Backwoods Company”, una de las canciones que pertenecen a su primer y único álbum editado hasta la fecha. Y también la forma de construir la historia entre Ira y Ruth que se hace como un relato epistolar da un aspecto más singular al trabajo de Tillman Jr.

Pese a que la trama se acerque a situaciones delicadas, se agradece que no vaya en busca de la lágrima fácil, pero sí por momentos resulta algo edulcorada y con un desenlace que parece digno del final de un cuento de hadas.

Jack Huston y Oona Chaplin en "El viaje más largo"
Jack Huston y Oona Chaplin en "El viaje más largo"

Uno de los reclamos más presentes que ofrece esta película, es incluir como protagonistas a Scott Eastwood, el hijo del memorable Clint Eastwood que se va abriendo camino en el mundo interpretativo y que actualmente está trabajando en Escuadrón Suicida (Suicide Squad), la nueva producción basada en el cómic de superhéroes de la casa DC y que está dirigida por David Ayer con proyección de estreno en 2016. En su registro de galán endurecido por la responsabilidad de sacar hacia delante el rancho familiar está irresistiblemente atractivo. Y el otro gran filón a nivel del casting actoral, es la actriz madrileña Oona Chaplin conocida por dar vida al personaje de Talisa Maegyr, la mujer que robó el corazón al Rey del Norte en la fantástica serie de la cadena HBO Juego de Tronos y que también se la distingue por ser nieta del célebre actor cómico Charles Chaplin, que en su rol de Ruth aporta elegancia y distinción, dejando a la otra co-protagonista femenina Britt Robertson un poco a su sombra, esta última es una actriz físicamente muy bella y que cumple en su cometido pero sin lucirse demasiado. Otro de los puntales en el apartado artístico es el veterano y premiado actor Alan Alda de la mítica serie televisiva “MASH” abarcando una extensa filmografía y habiendo tocado diferentes palos en el mundo del celuloide, encarna al viejo Ira Levinson elevando la producción. Y compartiendo personaje, siendo su versión más joven tenemos al actor británico de Boardwalk Empire, Jack Huston que consigue transmitir muy buena química en escena con su compañera Oona.

Es fácil dejarse arrastrar y meterte plenamente en el discurso narrativo de “El viaje más largo” sin tener grandes pretensiones, sólo con la aspiración del que producto que vas a visualizar es ameno y te va dejar al final un dulce sabor de boca.



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